Pipoca no Edredom

Changeling (A Troca)

2011-03-20T10:24:00.007-03:00

2008
Drama
Direção: Clint Eastwood
Roteiro: J. Michael Straczynski

Assisti A Troca sem saber que era de Clint Eastwood. Aí, nos créditos finais seu nome apareceu na tela e eu pensei: "Bem, é a cara dele mesmo...".

Ao voltar de um longo dia de trabalho, Christine Collins (Angelina Jolie), mãe solteira, não encontra seu filho Walter (Gattlin Griffith) em casa. Após meses de busca, a polícia de Los Angeles entra em contato dizendo que Walter foi encontrado. Porém, o garoto que o capitão J. J. Jones (Jeffrey Donovan) trouxe até Christine não é seu filho. Após várias tentativas frustradas de explicar o caso ao policial, a mulher se vê obrigada a enfrentar a polícia para conseguir provar que seu filho ainda não foi encontrado e que um pequeno impostor foi-lhe entregue em seu lugar. Para isso ela conta com a importante ajuda do Reverendo Gustav Briegleb (John Malkovich), o qual vê em Christine a chance de desmascarar o poder corrupto que toma conta da cidade.

Nunca sei o que escrever sobre um filme desses. Acho que é a minha falta de repertório, porque drama nunca foi muito a minha praia... Ainda assim, existem coisas que ficam evidentes e existe também a minha opinião geral sobre o resultado do filme.

A qualidade mais marcante de A Troca é a sua belíssima ambientação. A cenografia e o figurino estão absolutamente divinos e de encher os olhos. A coloração do filme, puxada para os tons pastéis e terrosos só ressaltou ainda mais essa beleza e nos fez entrar de cabeça na época em que se passa a história.

Outro fato que salta aos olhos é que o filme é praticamente dividido em duas partes. A partir do momento em que se começam investigações de um certo crime, a história adquire um novo rítmo. Mas apesar de essa quebra existir, não a acho suficiente para compremeter por completo a unidade do roteiro.

Mas a característica que mais falada sobre A Troca foi a atuação de Angelina Jolie. Particularmente, eu acredito que houve um furor sem fundamento a respeito da interpretação da atriz. Jolie fez um trabalho bom, porém que beira o insuficiente. Ela se perdeu na complexidade da personagem, sem conseguir achar o tom da mãe desesperada combinada à mulher forte. No início do filme ela parece temer demonstrar qualquer fraquesa da personagem, de modo a não comprometer a imagem de força que ela precisaria passar no restante do filme - como se chorar e desesperar-se pela perda de um filho fosse alguma fraquesa. Não que eu esteja esperando que a personagem reagisse como eu o faria diante do desaparecimento do meu filho, mas as expressões me pareceram quase dúbios, como se a Angelina Jolie não soubesse exatamente qual era o sentimento que ela queria expressar.

Com isso, A Troca se mantém mais ou menos como a atuação de Jolie: quase chega lá, mas se perde um pouco. Talvez seja a duração, não exagerada, mas acima da média; talvez seja o rítmo algumas vezes lento, que por si só não seria um defeito; talvez seja a existência de algumas soluções que beiram o crível. Provavelmente é a somatória disso tudo. No entanto, o filme é bastante bom e vale a pena, se visto sem muitas espectativas.

Vincent

2011-03-13T14:59:00.000-03:00

1982
Animação, Fantasia
Direção: Tim Burton
Roteiro: Tim Burton

Aí que um dia me indicaram que assistisse Vincent, de Tim Burton. Fiquei bastante empolgada e baixei. Mas sem saber que era um curta, coloquei numa lista de espera. Pois é, acabei de descobrir que são menos de 6 minutos de animação... Não cometam a mesma gafe que eu, assistam já!

Vincent conta a história de um garoto que queria ser Vincent Price. Quer coisa mais fofa? Pois bem. Além de toda a estética expressionista que se tornou uma marca de Tim Burton, a história é contada em forma de poema. É pouco? Certo, certo. Então vamos ao xeque-mate: o narrador da historieta é nada mais, nada menos, que o próprio Vincent Price. A-há.

O texto é lindíssimo, melodioso, delicado e soturno. Tal qual o grandioso Sr. Price. E esse texto pode ser lido em português no blog Monalisa, e na lingua original pelo site The Tim Burton Collective. A animação foi toda feita em preto e branco, o que nos aproxima ainda mais dos filmes estrelados por Vincent Price. A narração não podia ser mais perfeita - e creio que não há motivos para eu explicar essa afirmação. Por fim, além de tudo, o personagem é cativante, simpático e nos dá uma vontade tremenda de pegá-lo no colo e apertá-lo até dele arrancar um sorrisinho melancólico.

Vincent foi o primeiro trabalho em stop-motion de Tim Burton. E com ele, o diretor mostra que já em 1982 ele era o Tim Burton de O Estranho Mundo de Jack, de Edward, Mãos de Tesoura, de Batman. Com Vincent, Tim Burton nos prova que ele já era brilhante há muito tempo!

A sedução do Cisne

2011-03-06T16:43:00.235-03:00

Este é um aprofundamento ou continuação do texto já publicado há algumas semanas sobre o filme Cisne Negro.

Eu li algumas críticas internet afora e nem todas são favoráveis ao filme, como a maioria. Então, como fui ao cinema e assisti Cisne Negro novamente, busquei analisar se eu concordava com alguma dessas argumentações negativas. Mas o fato é que a minha opinião em nada mudou e eu apenas consegui ficar mais e mais adimirada com a beleza da película, na mesma proporção em que fiquei inconformada com as tais críticas.

Aprimeira vez que li algo de ruim sobre Cisne Negro, o texto embasava grande parte de sua argumentação no fato de que Natalie Portman não é bailarina, que sua dança não é absoulatemnte perfeita e que o filme não satisfaz enquanto "filme de balé"¹. Eu, sinceramente, acho que reduzir Cisne Negro a um 'filme de balé' é de uma falta de sensibilidade tão grande que me choca. O filme é sobre alguém que se doa tanto para seu trabalho que acaba perdendo a própria identidade, é sobre uma garota que cresceu reprimida e se vê com a necessidade de libertar seus desejos mais íntimos, sobre alguém que é tão insegura que só consegue buscar a perfeição ao tentar se espelhar em pessoas que adimira.

O fato de o pano de fundo ser o balé O Lago dos Cisnes foi uma excelente idéia, já que a própria história contada no balé pode servir de metáfora para a história do filme. Foi um toque de mestre, mas não foi o ponto de partida. Tanto é que, inicialmente, o roteiro ambientava a história no mundo do teatro, mas Aronofsky sugeriu, brilhanemente, transmutá-la para o mundo do balé.²

Outro ponto levantado foi sobre o suspense do filme e as ferramentas utilizadas. É engraçado como em um lugar eu li que o filme é confuso e por isso cansativo, em outro eu li que ele é óbvio demais. O que significa que a gente (eu me incluo nisso, óbvio) costuma julgar o bom e o ruim não de forma objetiva, e sim totalmente subjetiva. Ele é bom ou ruim para mim. Enquanto alguém se cansou ao acompanhar a luta de Nina para manter sua sanidade, se perdendo entre o real e o irreal, eu me deleitei com cada momento. Não me incomodou em nada o fato de ficar cada vez mais claro durante o filme que a garota tinha problemas psicológicos, pois cada cena em que Aronofsky desnuda sua mente perturbada foi envolvente o bastante para eu sentir como ela. Durante as quase duas horas de projeção eu era a Nina.

A idéia dos espelhos foi amplamente utilizada, sim, mas isso gerou cenas belíssimas, com um timing preciso. E eu até concordaria que houve um excesso, se esse fosse o único recurso de Aronofsky. Em vez disso, o homem nos joga em meio a uma intensa autoflagelação, com aquele destaque sonoro perfeito, unida a uma tensão sexual constante. Os espelhos ou os 'truques de terror japonês'³, também criticados, não são ferramentas originais, mas são extremamente adequadas para a situação. Pois eu, particularmente, adimiro um diretor que conhece os artifícios de sua profissão e sabe escolher o ideal para cada situação, a despeito de seu uso em outros filmes. Porque o resultado é inegável. Cada cena foi responsável por uma parte da minha incersão no drama, cada vez mais intenso (e tenso). Quantas vezes eu não me vi me contorcendo na cadeira do cinema, numa tensão avassaladora? E o que resultou disso foi uma sensação latente, como se eu estivesse sentindo a dor de Nina, como se eu estivesse delirando junto com ela. Ora, mas não posso dizer que essa sensação foi absolutamente particular, visto o sucesso que o filme vem fazendo, de uma forma geral.

Outros recursos foram apontados como óbvios e reiterantes demais do que se passava na mente de Nina⁴. E eu continuo me perguntando qual o problema nisso, se cada recurso serviu como uma luva para atingir o objetivo de transmitir as sensações desejadas. Vale dizer que, eu entendo esse filme da seguinte forma: as sensações da platéia são um espelho das sensações da personagem. Se eu sinto aflição, é pela Nina. Não há aflição pela aflição.

Enfim, cada palavra escrita aqui é um apontamento subjetivo, mas uma tentativa de objetivar as minhas idéias. Espero que o texto seja visto também como o início de uma discussão saudável, e não como um debate pessoal. Eu quero deixar claro que respeito os críticos referenciados, e adimiro em especial a dupla que escreve para o Cinefilia, Bruno e Pedro Henrique. A intenção real minha era mais escrever sobre as qualidades que eu vejo no filme, aproveitando para rebater o que havia sido apontado negativamente. Ou seja, o ideal é que o texto seja visto mais como uma ode ao Darren Aronofsky, do que como uma represália aos seus críticos, rs. Afinal, não se pode concordar sempre, ainda bem!

1. Arthur Xexéo, A morte do 'Cisne'.

2. Fonte: Ana Maria Bahiana, Uma conversa com darren Aronofsky: "Balé é um esporte olímpico".

3. Bruno Cava, Cisne Negro (2).

4. Pedro Henrique Gomes, Cisne Negro (3).

The Happening (Fim dos Tempos)

2011-02-27T09:09:00.000-03:00

2008
Ficção Científica, Suspense
Direção: M. Night Shyamalan
Roteiro: M. Night Shyamalan

Olá, meu nome é Thalita. "Olá, Thalita". Eu tenho um problema. Eu sou fã do diretor M. Night Shyamalan. Eu sempre o defendi quando a crítica especializada acabava com seus filmes. Até agora.

Estranhos acontecimentos assolam os centros urbanos, onde cada vez mais pessoas começam a tirar as próprias vidas sem motivo aparente. O professor Elliot Moore (Mark Wahlberg), sua esposa Alma (Zooey Deschanel) e a pequena Jess (Ashlyn Sanchez), filha de seu amigo Julian (John Leguizamo) precisam fugir e fazer o possível para sobreviver a essa calamidade.

É tão difícil fazer isso - mas deve ser feito. Lá vai: com Fim dos Tempos, seu penúltimo filme, M. Night Shyamalan decepciona até mesmo seus maiores fãs. Muito aquém de qualquer expectativa, o argumento não convence e as atuações só fazem piorar a situação da obra.

O grande problema de Fim dos Tempos é, definitivamente, a atuação precária de Mark Wahlberg, Zooey Deschanel e, até mesmo, Ashlyn Sanchez. Se Shyamalan havia conseguido retirar um grande ator de dentro de Bruce Willys, dessa vez ele não conseguiu tirar nem mesmo o suficiente para chamarmos de atuação regular. Wahlberg não demonstra firmeza em seu papel, Zooey não consegue provocar nenhum sentimento no espectador por sua tristeza e culpa, e Ashlyn é bonitinha, mas não consegue conquistar a gente a ponto de querermos pegá-la no colo e privá-la de qualquer sofrimento. E olha que Shyamalan sempre teve o dom de fazer qualquer um se apaixonar pelas criancinhas de seus filmes. Assim, com um trio desses, a empatia - que geralmente amarra a platéia à película - é praticamente inexistente.

Se o grande problema dentro do filme foram as atuaçãoes, fora dele foi a própria presença de Shyamalan. Em uma entrevista dada pouco antes do lançamento do filme, o diretor fez a afirmação que se segue: "A primeira coisa que quero dizer às pessoas é o seguinte: 'Este é de fato um filme B divertido."' Acontece que Fim dos Tempos não nos remete a um filme B, pois ele é muito bem acabado para isso. Se fosse um filme B realmente, seria até mesmo injusto exigir muito apuro da trama ou das atuações. Porém, com a qualidade visual que vemos em Fim dos Tempos, ele acaba se tornando apenas um filme com falhas. E nem é tão divertido.

Quanto ao argumento: as plantas emitem um veneno, trazido pelo vento, que faz com que as pessoas percam completamente seu sentido de auto-preservação e se suicidem. Bem, é estranho, pois tinha tudo pra dar certo, mas não convence. Ao final do filme, minha família inteira estava tirando um sarrinho a esse respeito e eu, que instintivamente tendo a defender os filmes do Shyamalan, dessa vez fiquei de mãos atadas. Eu não estava convencida também. Sem contar que, estranhamente, neste filme Shyamalan faz questão de ser didático ao extremo, deixando tudo tão explicadinho que quase chega a ofender a nossa inteligência.

Mas entenda, não é que o filme seja completamente ruim. Entretanto, é de longe o pior trabalho de Shyamalan. E não dá para simplesmente apreciar um filme deste diretor isoladamente, como se fosse a obra de um Zé Ninguém. A partir do momento em que você ouve o nome dele, todo um repertório controverso lhe vem à mente e mesmo os mais incrédulos dos mortais não consegueria ficar indiferente. Afinal, tudo pode acontecer, você pode estar prestes a assistir um filme que entrará para a história do cinema, como foi O Sexto Sentido, como pode estar diante de um fracasso retumbante (por mais que você acabe gostando do filme), como A Dama na Água. E, como eu já tinha gostado de todos os 5 filmes que havia assistido, é natural que a minha expectativa estivesse nas alturas.

No entanto, por mais decepcionado que esteja o espectador, é inegável que as situações geradas pelo roteiro são incrívelmente tensas e assustadoras. Mesmo você achando que é uma balela, mesmo você nem ligando muito para o tal Elliot, você se segura na poltrona sempre que a câmera dá o sinal da menor brisa que seja. Shyamalan sabe usar sua câmera e sabe criar esses momentos de suspense, de aflição. E, veja só, eu assisti Fim dos Tempos num sítio e, as mesmas pessoas que estavam fazendo pouco caso do filme, adimitiram que atravessar o caminho em meio às árvores até chegar nos quartos não seria tarefa fácil.

No frigir dos ovos, o saldo se empata. Fim dos Tempos é um filme até mesmo interessante, mas que decepciona pelo que carrega em seu background.

Black Swan (Cisne Negro)

2011-02-20T13:33:00.001-03:00

2010
Drama, Suspense
Direção: Darren Aronofsky
Roteiro: Andrés Heinz, Mark Heyman e John McLaughlin

Para conseguir interpretar A Rainha Cisne no balé O Lago dos Cisnes, a bailarina Nina (Natalie Portman) precisa provar que é capaz de dançar como o Cisne Negro tão bem quanto o faz sendo o Cisne Branco. É isso o que exige Thomas Leroy (Vincent Cassel), o diretor da peça. No entanto, com a chegada da nova bailarina Lily (Mila Kunis), Nina teme perder a preferência do diretor.

Bom? Ótimo? Excelente?

Não.

Perfeito.

O primeiro contato que tive com Cisne Negro foi através dos trailers. Fiquei empolgadíssima com o elenco, com a estética, com tudo. A cada cartaz, a cada imagem aleatória, a cada comentário que me caía ao conhecimento, mais interessada eu ficava. E aí sempre bate aquele medão de se decepcionar depois, né. Mas não foi o caso.

Cisne Negro cumpre com absolutamente tudo o que promete: atuações perfeitas, roteiro bem desenvolvido, história forte, edição de cenas e sonora impecáveis, estética lindíssima, efeitos especiais muito bem dosados e que agregam valor ao filme. Não há do que reclamar.

Natalie Portman já entrega o inevitável logo nas primeiras cenas. Não há dúvidas de que ela seja aquela mocinha frágil e travada, não há dúvidas de que ela seja o próprio Cisne Branco. E, como bailarina, mesmo que os especialistas no assunto possam notar algum movimento impreciso de suas mãos ou pernas, ela consegue fazer-nos entender porque ela é um Cisne Negro tão medíocre e, ao mesmo tempo, porque ela tem potencial para ser excepcional. Vincent Cassel faz seu papel com tamanha precisão que nos convence sem o menor esforço de que pode ser galã e sedutor, por mais feio que seja. Barbara Hershey, no papel da mãe de Nina, nos brinda com uma personagem complexa e executa seu papel lindamente. Mesmo Mila Kunis faz muito bem o papel de Lily, com bastante consistência.

O roteiro é tão bem construído que a gente vai entrando naquele relacionamento defeituoso entre mãe e filha, se envolvendo com os defeitos de cada uma. A isto se soma o relacionamento entre Nina e Thomas, cheio de cobranças, intimidade e tensão. E, para coroar, temos a própria personalidade auto-destrutiva de Nina. Pronto, temos um filme para nos deixar tensos e incomodados do início ao fim.

É claro que para salientar e evidenciar cada aspecto, há a belíssima edição de som, os efeitos especiais perfeitamente pontuais e a execução da trilha-sonora maravilhosamente adaptada do original O Lago dos Cisnes. Tudo isso é obra de uma direção que sabe muito bem a que resultado quer chegar. Obra de um diretor que tem uma visão quase onírica e precisa da história, e que sabe como traduzi-la em imagens.

E eu preciso salientar quão competente é esse diretor. Arofonsky sabe o que precisa para atingir seu objetivo e sabe usar essas ferramentas de maneira bem feita. O uso dos espelhos como figura de linguagem é inteligente sem ser óbvio demais ou cansativo. A posição da câmera que em certos momentos quase engole o rosto de Natalie Portman, em outros a segue pelas costas, e, em outros ainda, a segue de frente, como se a personagem caminhasse olhando para si mesma. Ele sabe escolher o enquadramento ideal para cada momento, sem perder a unidade, e de modo a nos levar a fundo na mente da protagonista cada vez mais perturbada.

Para finalizar, nada tenho a dizer, a não ser: Darren Aronofsky acaba de ganhar uma fã inveterada.

Trilogia Bourne

2011-02-13T09:18:00.008-02:00

2002 / 2004 / 2007
Ação, Aventura

The Bourne Identity (A Identidade Bourne)
Direção: Doug Liman
Roteiro: Tony Gilroy e W. Blake Herron

The Bourne Supremacy (A Supremacia Bourne)
Direção: Paul Greengrass
Roteiro: Tony Gilroy

The Bourne Ultimatum (O Ultimato Bourne)
Direção: Paul Greengrass
Roteiro: Tony Gilroy, Scott Z. Burns e George Nolfi

Baseada nos livros de mesmo nome de Robert Ludlum, a Trilogia Bourne é uma ótima pedida quando se está à procura de um bom filme de ação. Com uma fórmula que o distancia de seus semelhantes (007 ou Missão Impossível), a franquia tem tudo para entrar no rol dos clássicos de ação.

Um homem (Matt Damon) é encontrado por um barco de pesca quase morto. O rapaz não se lembra de o que o levou a essa situação, ou melhor, ele não se lembra de absolutamente nada sobre seu passado. Nem mesmo quem ele é. Numa busca por respostas, com a ajuda de uma moça com quem pegou carona, Marie (Franka Potente), ele vai conseguindo colecionar pequenos fragmentos de sua vida. Ao que tudo indica, Jason Bourne é seu nome, mas ele ainda precisa descobrir porque o governo o quer morto.

Antes de mais nada, não vá assitir a esses filmes pensando que eles são livres de furos ou absurdos no roteiro. Como bons filmes de ação, nada disso pode faltar! Senão, como poderíamos ter as cenas repletas de adrenalina e emoção? Afinal, não é isso o que se busca ao assistir um filme desse gênero? As perseguições são de tirar o chapéu e as lutas chegam até a nos lembrar um pouco da irreverência de Jackie Chan (que tal usar como arma o primeiro item que se tem a mão? por exemplo, uma revista?).

A despeito das ótimas cenas de ação, que já valeriam o filme todo, a grande sacada da trilogia é o fato de que mesmo quem não é lá muito fã de filmes de agentes secretos provavelmente vai gostar deste - e, claro, quem é fã também. Isso porque Jason Bourne não é um agente comum, do tipo conquistador e que flerta com o perigo. Não, Jason Bourne é um rapaz que só quer viver a sua própria vida, sossegado, com a mulher que ama. Ainda assim, o cara é basicamente inderrotável, inteligente e... bem, foda. E Matt Damon dá vida ao papel com muita habilidade, sendo também possuidor de um carisma adimirável. Dessa forma, Jason Bourne consegue conquistar homens e mulheres de maneira incondicional, construindo um público bastante amplo.

Ainda dentro desse pensamento, existe a companheiríssima Marie de Franka Potente. A moça é bonita, sem ser uma deusa improvável; cria uma imediata empatia com o público feminino com sua irreverência e simpatia; e agrada o público masculino porque... bem, ela é mulher e se joga no Jason Bourne. Mais à frente na trilogia, conhecemos também a personagem Nicky Parsons, interpretada por Julia Stiles e esta também cativa o público, nesse caso por seu óbvio amor platônico. Já os 'vilãos' são tantos que não temos muito tempo para odiá-los. A cada filme essa parte do elenco é reciclada, mas todos têm uma presença suficientemente forte para sustentar os filmes em que aparecem - até porque o vilão per se é praticamente a figura abstrata do governo americano.

Nos detalhes técnicos eu nem me prendi, de tão envolvida pelos filmes que fiquei. Porém, existe um outro ponto a se levantar. Na carona de Jason Bourne podemos conhecer um apanhado de países que torna tudo ainda mais interessante. Perseguições que acontecem nas ruas de Paris, de Moscou, de Londres, e até mesmo nas ruas de Tânger (Marrocos) ou de alguma cidade da Índia. Mas a lista ainda é muito maior. E esse desfile internacional, com ambientações muito bem fotografadas, dá um charme ainda maior aos filmes (o Chico comenta sobre a coloração azulada do filme que dá um toque a mais de realidade - fato para o qual não atentei, sinceramente).

Ao final de O Ultimato Bourne, a vontade de que venha mais um é incontrolável, - apesar da ciência de que a história já se fechou e que um filme a mais talvez só venha a estragar o que já está praticamente perfeito. Porém, para quem ainda não sabe, O Legado Bourne realmente está em vias de ser iniciado (a ser lançado por volta de 2012). A péssima notícia é que as presenças do diretor Paul Greengrass e de Matt Damon já foram descartadas.

Gwoemul (O Hospedeiro)

2011-02-06T17:10:00.012-02:00

2006
Ficção Científica, Comédia
Direção: Joon-ho Bong
Roteiro: Joon-ho Bong,
Won-jun Ha e Chul-hyun Baek

Talvez eu esteja estragando um pouco a graça de O Hospedeiro por dizer que se trata de uma comédia. Quando eu o assisti, não fazia idéia do que esperar, então dar de cara com aquele estranho humor coreano foi uma deliciosa surpresa.

Uma mutação química dá vida a um monstro que colocará em alerta toda a população de Seoul, na Coréia do Sul. Park Gang-Du (Kang-ho Song) é um dos filhos de Park Hie-bong (Hie-bong Byeon) e vê sua filha Hyun-seo (A-hsung Ko) ser levada pelo terrível monstro. Assim, Gang-Du, seu pai e seus dois irmãos, Nam-il (Hae-il Park) e Nam-joo (Doona Bae), vão tentar a todo custo salvar a menina.

É difícil não se impressionar com O Hospedeiro. Em uma preconcepção pode ser tido como um típico filme de monstros (como Godzilla ou King Kong) e à primeira vista pode ser tido como um filme irreverente. Porém, o roteiro é muito mais rico e conforme se pensa sobre ele, o mesmo se revela bastante crítico. Ainda assim, ele não deixa de ser realmente um filme de monstro bastante irreverente. Dessa forma, O Hospedeiro consegue agradar a gregos e troianos: você vai gostar quer você esteja buscando um filme com conteúdo, quer você tenha interesse apenas em se divertir.

Como filme de monstro, O Hospedeiro é genial logo no início. Ao invés de passar o filme todo criando uma espectativa a respeito do monstro que nunca seria alcançada, Joon-ho Bong decide apresentar seu 'godzilla' já na primeira cena em que ele dá sinal de vida. Pronto, o peixe-mutante é assustador o suficiente para te manter apreensivo durante o restante da película, e você não irá se decepcionar com sua aparência caso ele somente fosse mostrado nos minutos finais.

Junto a isso, o drama da família Park é muito bem amarrado a um enredo assustador. Os atores são sensacionais, principalmente Kang-ho Song, e o toque de 'humor fora de hora' consegue balancear o filme suficientemente bem para que a emoção e a tristeza não ditem o clima do roteiro. Dessa forma, temos um filme equilibradíssimo, que provoca cada tipo de sentimento na medida exata. Sem falar que o 'humor fora de hora' é tão fora de hora que a gente ri pelo choque antes mesmo de rir pela 'piada'. E enquanto no início isso nos gera algum desconforto, não demora muito para que soltemos nossas próprias amarras e mergulhemos de cabeça nesse viés desconjuntado de se fazer rir.

Paralelamente, temos em O Hospedeiro um filme bastante crítico. De maneira bastante descarada, os Estados Unidos, como grandes intrometidos que são, se tornam o principal alvo. Mas o próprio governo coreano não escapou das garras de Joon-ho Bong, que deixa claro seu descontentamento com relação ao modo alienador com o qual os seus conterrâneos são tratados. Fica clara a insatisfação de Joon-ho Bong principalmente através do personagem Nam-il, com suas falas ressentidas e seu fracasso patente.

Um filme profundo, emocionante, sensível, assustador, engraçado e divertido. Não se prenda a estereótipos. Assista O Hospedeiro sem medo e terá uma experiência rica em diversos sentidos.

Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street (Sweeney Todd - O Barbeiro Demoníaco da Rua Fleet)

2011-01-30T15:11:00.002-02:00

2007
Musical, Suspense

Direção: Tim Burton
Roteiro: John Logan

Sweeney Todd foi baseado na peça da Broadway de mesmo nome, escrita por Stephen Sondhein e com libreto de Hugh Wheeler. O tema sobrio somado ao fato de ser musical já seriam o suficiente para fazer nascer algum interesse em mim, mas a presença de Tim Burton na cadeira da direção e de Johnny Depp como protagonista foi o meu grande motivador.

Após passar longos anos preso e ter sua filha e esposa tiradas de si, o barbeiro Benjamin Barker, agora conhecido como Sweeney Todd (Johnny Depp), quer sua vingança. Enquanto prepara o terreno para o encontro derradeiro com seu inimigo, o Juiz Turpin (Alan Rickman), o barbeiro faz uma mórbida sociedade com a estranha Sra. Lovett (Helena Bonhan Carter).

Acho que todos os que acompanham esse blog já estão mais do que cientes que eu sempre tento ser imparcial nos meus textos, não é? Também creio que nunca consegui enganar ninguém por muito tempo e, por isso, a parcialidade vira e mexe toma conta das resenhas. Basta ser de um diretor que eu goste, e eu já fico cega e surda (e louca?) para qualquer defeitinho. Assim, não sei se é essa minha predisposição por gostar de Tim Burton, ou se realmente o filme é perfeito mesmo, mas amei Sweeney Todd!

Bem, eu prefiro continuar me iludindo e acreditar que Sweeney Todd é de fato um filme excelente que pode conquistar mesmo aqueles avessos ao gênero musical. Isso porque, apesar de ser praticamente 100% cantado, o enredo é tão sedutor e repleto de humor-negro que pode-se facilmente desistir de se incomodar com a cantoria. Ainda assim, tenho ciência que acreditar que todos vão cair nas graças do barbeiro assassino é algo bastante utópico. Talvez seja melhor recomendar que a pessoa esteja no espírito ou, ao menos, preparada para o que vai assitir - dessa forma, a inserção na história poderá se dar sem tanta luta.

Entretanto eu me nego a acreditar que tenha existido alguma alma que assistiu a esse filme sem ter gostado de uma cena sequer. Não é possível que alguém tenha passado indiferente pelo momento magistral em que Sweeney Todd e a Sra. Lovett orquestram o grande plano que aplacará tanto a sede de sangue do barbeiro, quanto a necessidade de materia-prima para os pastéis da cozinheira. A música e a coreografia são impecáveis e tem a dosagem exata de humor-negro suficiente para imprimir um sorrisinho no rosto do espectador, apesar de qualquer nojo ou choque que este possa estar sentindo.

Pois o que ninguém pode negar, e dessa vez digo ninguém mesmo, é que a fotografia e a direção de arte de Sweeney Todd é simplesmente perfeita. Não chega a ser um visual clássico dos filmes de Tim Burton, mas vê-se logo que sua melancolia companheira está presente aqui também. Desde a coloração sombria, quase em preto e branco, combinada com o vermelho evidenciado do sangue, passando pela maquiagem e figurino soturnos, assim como o são os cenários, e culminando no belíssimo colorido presente no momento em que a Sra. Lovett evidencia sua verdadeira intenção com relação a Sweeney Todd - foi tudo criado com muito esmero.

Já o elenco do filme é 'balanceado'. Johnny Depp novamente está brilhante. Aí está um ator que consegue encarar qualquer desafio: ele pode fazer tanto atuações absurdamente afetadas quando o filme pede que o faça, por exemplo Jack Sparrow (Piratas do Caribe) ou Willy Wonka (A Fantástica Fábrica de Chocolate), como pode apresentar personagens delicados e contidos, como Sir James Matthew Barrie (Em Busca da Terra do Nunca) e Edward (Edward, Mãos de Tesoura). Alan Rickman, sempre preciso em qualquer filme, também esbanja seu talento. Em contrapartida, o casal jovemzinho interpretado por Jamie Campbell Bower e Jayne Wisener não convence em seu amor. Seja porque é tudo muito vazio e súbito, seja porque Jamie mais parece uma mocinha, ou mesmo porque Jayne mantém a mesma expressão o filme todo.

Fica difícil encerrar o texto sem louvar esse belo filme. Eu tento e tento, mas não consigo me convencer de que Sweeney Todd não seja um filme maravilhoso de um Tim Burton mais contido, mas não menos talentoso.

À L'Intérieur (A Invasora)

2011-01-23T15:42:00.010-02:00

2007
Terror
Direção: Alexandre Bustillo
e Julien Maury
Roteiro: Alexandre Bustillo

Retirem as gestantes da sala.

Quatro meses após perder seu marido, Sarah (Alysson Paradis) está prestes a dar à luz. É sua última noite em casa, sozinha - ou, pelo menos, era para ser. Porém, uma mulher (Béatrice Dalle) começa a rondar a casa e Sarah se vê obrigada a chamar a polícia.

Eu nunca fiquei tão chocada com um filme de terror em toda a minha vida. Eu nunca vi tanto sangue em toda minha vida. Eu nunca pensei que alguém teria a ousadia de colocar uma mulher grávida em um filme que pretende ser gore. Nunca antes um filme havia me dado ímpetos de desligá-lo já em seus primeiros minutos por puro desespero pelo que poderia acontecer a seguir. Eu nunca fiquei tão agradecida por um filme ter apenas 83 minutos.

Sim, é muito 'nunca' para um filme só.

O roteiro é um dos mais ousados que já vi e, não satisfeitos com o peso que a trama já traz em seu âmago, os diretores decidiram que era necessário chocar visualmente também. A tensão e o absoluto pânico, que nascem com o fato de termos uma mocinha grávida como principal alvo de uma mulher completamente ensandecida, devem brigar pela atenção do espectador com o desespero provocado pelo desfile de coadjuvantes mortos das mais diversas formas.

O maior problema que A Invasora encontrará em seu caminho é o fato de ser um filme que tem a pretensão de ser um gore sério. E acredito que ele quase consegue. O problema é que dificilmente um gore será bem digerido pelo público geral, ainda mais se ele pretende ser levado à sério. O que eu quero dizer é que se alguém não gosta de ver filmes com essa sangria desatada nem mesmo para se divertir, dificilmente a pessoa vai querer ver isso para se sentir mal. Assim, apesar da intenção louvável, A Invasora só poderá ser bem apreciado pelo público já acostumado a filmes B desse sub-gênero, sem conseguir alcançar uma 'casta mais elevada'.

Outro fator que dificulta que ele seja levado à sério é a presença de cenas não só nojentas e sanguinolentas, mas aparentemente desnecessariamente chocantes. São cenas que chegam mesmo a causar um certo estranhamento em quem assiste ao filme, pois destoam do restante da obra. Além disso, algumas falhas de roteiro podem incomodar o cinéfilo mais exigente.

Entretanto, se A Invasora for encarado de maneira mais depretensiosa e apenas como um bom filme de terror, dificilmente a pessoa sairá decepcionada. O elenco não faz feio - na verdade, a dupla principal faz um ótimo trabalho -, e o objetivo de proporcionar uma experiência aterradora é cumprido desde os primeiros minutos do filme.

Assim, no resultado final, A Invasora se coloca como um filme praticamente obrigatório para os amantes do terror. O que por si só já é uma marca bastante importante.

Slumdog Millionaire (Quem Quer ser um Milionário?)

2011-01-16T11:51:00.013-02:00

2008
Drama, Romance
Direção: Dany Boyle
e Loveleen Tandan
Roteiro: Simon Beaufoy

Aqui está o ganhador do Oscar de 2009, o filme baseado no livro Sua Resposta Vale um Bilhão, de Vikas Swarup. Tem quem diga que não foi um prêmio merecido, apesar das muitas outras vozes que o aclamam. Já eu, não sou radical nem de um lado, nem do outro.

Jamal Malik (Dev Patel) veio da favela indiana para tentar a sorte em um programa televisivo de perguntas e respostas. Preso sob a suspeita de fraude, o rapaz se vê obrigado a explicar cada resposta correta, o que acaba desnudando seu passado doloroso até o momento atual.

Já vi gente comparando Quem Quer ser um Milionário com Cidade de Deus. Inicialmente, essa comparação pode ser até inevitável, visto a introdução extremamente semelhante de ambos os filmes, somada à história do garoto da favela e contando com uma edição que, em alguns momentos, também se assemelham. Porém, é importante ser destacado que ao longo da história, as semelhanças vão rareando cada vez mais, a ponto de se tornarem filmes bastante diferentes. Enquanto Cidade de Deus se mantém com a mesma abrodagem do início ao fim, Quem Quer ser um Milionário muda muito seu tom, mesmo que gradativamente. Sem contar que eu acho o brasileiro superior a este, mas isso não vem ao caso.

O filme conta com algumas características que podem irritar os mais perfeccionistas, como o fato de as perguntas feitas ao longo do programa remeterem de uma maneira cronologicamente linear aos acontecimentos da vida de Jamal, ou a própria suavização do roteiro que vai rumando gradualmente para um romance, ou mesmo as ocorrências de um grande otimismo quase fantasioso que acontecem com o protagonista.

Ainda assim, existem diversas qualidades que podem suplantar essas questões (as quais julgo menores). A verdade é que, analisando friamente, Quem Quer ser um Milionário é impecável na maneira como consegue sensibilizar, contar uma bela história de amor, e documentar uma realidade (não só da Índia, como de qualquer local onde haja miséria). A bela trilha-sonora muito bem aplicada; a edição, que insere o programa de tv de maneira muito interessante ao longo do filme; a construção dos personagens que, contando com ótimas atuações, foi capaz de criar bastante empatia com o público sem cair no piegas. Sendo esta, a empatia, o principal resultado da boa direção de Boyle e Tandan.

A cena final, com a música Jai Ho foi outra polêmica. Eu gostei, achei que foi a cereja do bolo. Uma simpática homenagem a esse lado mais colorido e musical que a Índia possui.

Entretanto, como até agora não assisti nenhum outro filme que concorreu ao Oscar em 2009, não posso afirmar se a premiação foi merecida ou não. De qualquer forma, mesmo não sendo perfeito, é de fato um filme excelente.

Death Proof (À Prova de Morte)

2011-01-09T10:04:00.003-02:00

2007
Ação, Terror
Direção: Quentin Tarantino
Roteiro: Quentin Tarantino

Tive a oportunidade de assistir a versão que saiu em DVD. E esse filme vale um novo texto! Porém, dessa vez não pouparei spoilers; portanto, quem não o tiver assistido e não quiser estragar a surpresa do filme, sugiro que interrompa essa leitura e veja sobre À Prova de Morte somente na resenha que fiz do projeto original, Grindhouse.

Stuntman Mike (Kurt Russel) é um ex-dublê de antigos filmes de ação . Depois de ver sua carreira finda, ele encontra um bom passatempo: perseguir garotas em seu carro 'à prova de morte'.

Os defeitos visuais, a trilha-sonora, a homenagem aos filmes B como um todo é de se tirar o chapéu, mas disso tudo já falei bastante quando escrevi sobre Grindhouse. Agora minha abordagem é outra.

Quentin Tarantino é um cara excepcional. Como fazer um filme de ação e terror, onde mais da metade dele é puro diálogo, sem ser enfadonho? Ele consegue. Nessa segunda vista, prestei mais atenção às falas e percebi como elas vão se emendando e se tornando interessantes po si só. E o engraçado é que a versão para DVD tem muito mais diálogos do que a versão original. Ainda assim, não me cansei de acompanhar aquela conversa fiada, à primeira vista gratuita.

Mas não há nada de gratuito em À Prova de Morte. Absolutamente nada. Cada frase pronunciada tem o seu propósito. Na primeira parte, o diálogo nos conduz ao seu momento chave, a dança - que sequer aparece na versão original, mas que tem grande importância na construção das personagens. E nos apresenta a quatro moças diametralmente opostas às que irão surgir na segunda parte. Moças que irão morrer, violentamente, mas que ficarão vivas no imaginário do espectador assombrando boa parte da segunda metade do filme.

E é nessa segunda parte, a qual se inicia com diálogos semelhantes aos das primeiras jovens, que temos a impressão errada de que dali em diante tudo será como foi anteriormente. Porém, aos poucos a conversa vai tomando uma direção diferente, dessa vez já antecipando o final que nunca poderíamos esperar. As falas apresentam a diferença crucial entre os dois grupos de garotas e também nos destrincha as qualidades de Zoe - que serão de extrema importância para explicar o desenrolar da trama. É tudo construído com maestria, palavra por palavra. E quando as meninas viram o jogo e perseguem Mike em busca de vingança, o filme se torna êxtase puro. Tarantino cria uma imagem e a desconstrói de maneira perfeita.

Aliás, os dois desfechos que Tarantino cria para ambas as partes são apoteóticos. O primeiro, em que Mike bate com seu carro de frente com o carro das jovens é excepcional. Repetido várias vezes para melhor apreciação. E, com isso, cria-se uma apreensão que dura um bom tempo. Essa cena, somada ao início dos diálogos entre as novas vítimas de Mike - que, como eu disse, remete aos diálogos iniciais do filme -, são o suficiente para que o espectador fique esperando que uma morte pelo menos tão chocante as espere no desfecho final. E é um deleite ver que o jogo vira completamente, que Mike de caçador vira caça. Que ele sofre, apanha, chora. É delicioso. E o momento final, em que as garotas o fazem de joão-bobo é o chantili do bolo. Porque a cereja é a pisada que ele leva após o início dos créditos.

É também nessa mudança de rumos que À Prova de Morte se distancia dos filmes que quer homenagear e coloca-se como um filme contemporâneo. Quando um filme da década de 70 apresentou um grupo de mulheres a exemplo de Zoe, Abby e Kim? De sexo frágil, a jovens passaram a resolver seus próprios problemas sozinhas. Nada de chamar a polícia, gritar por socorro, abraçar um homem viril que as defenderão de todo o mal. Assim, Tarantino homenageia sem cair na repetição e trazendo sua marca pessoal e atual.

E Kurt Russel, em sua melhor forma, é tudo o que Tarantido precisava. Ele é simpático, assustador, nojento, sádico, babaca e patético. Tudo na mesma proporção. Cada faceta do personagem sobrepondo a outra, cena atrás de cena, sem deixar de ser o mesmo todo o tempo. Inclusive, finalmente alguém leva um tiro e chora de dor em um filme!

Enfim, não posso imaginar À Prova de Morte como um filme menor de Tarantino. É, talvez, mais despretensioso, com ares de trash e filme B, mas não menos genial do que seus melhores filmes.

Boas Festas!

2010-12-23T11:29:00.004-02:00

Desde que retomei o Pipoca no Edredon, fiquei insatisfeita com inúmeras resenhas minhas, principalmente as primeiras. Acho que o tempo que fiquei de molho me deixou um pouco travada, mas acredito que aos poucos estou conseguindo reaver algo de alguma habilidade. Também tem um fator que parece ser determinante: eu sempre acho que o texto ficou mais bem desenvolvido quando a classificação do filme é suspense ou terror.

De qualque maneira, como o que se espera de qualquer pessoa, estou indo aproveitar os feriados de fim de ano. Que são os melhores, ao meu ver. E para o próximo ano, espero conseguir caprichar mais nas resenhas e postar sempre algo que satisfaça quem se dispuser a ler.

Então, desejo a todos um Feliz Natal e um Próspero Ano Novo!
Porque nem tudo o que é clichê é ruim!

Até breve!

Grindhouse

2010-12-19T11:07:00.012-02:00

2007
Terror, Ação

O termo 'grindhouse' vem de como se chamavam os cinemas dos anos 70 onde eram passadas sessões duplas de filmes de terror trash - ou, usando um termo mais técnico, filmes de "exploitation". O projeto Grindhouse, é assinado por Robert Rodriguez e Quentin Tarantino, com a colaboração de outros diretores familiarizados com a temática abordada, e que tem por finalidade homenagear aqueles filmes B que passavam nas tais sessões.

Grindhouse foi ao cinema americano levando os dois "curtas", Planeta Terror e À Prova de Morte (que acabaram ficando com 80 e 90 minutos respectivamente), e cinco trailers falsos. Os trailers são: Machete, de Robert Rodrigues (tendo este se tornado um filme de verdade lançado posteriormente); Werewolf Women of the SS, de Rob Zombie; Don't, de Edgar Wright; e Thanksgiving, de Eli Roth. Aliás, esses trailer são um show à parte! A vontade de assistir Don't e Thanksgiving é algo que me deixa triste até agora por serem filmes inexistentes.

A experiência de assistir os filmes juntos, da maneira como foram lançados no cinema, é algo indescritível. É como se tivessemos sido transportados a um túnel do tempo e caíssemos nos anos 70, desde a narração e das mensagens avisando que o filme está prestes a começar (mas fica também o aviso de que "um dos rolos dos filmes pode apresentar defeitos durante a sessão"), passando pela qualidade visual antiquada, pelos trailers e culminando nos próprios filmes. A trilha-sonora, em ambos os filmes, é simplesmente perfeita e nos enterra ainda mais fundo nessa viagem ao passado. Qualquer pessoa que tenha em seu repertório filmes como Encurralado, A Coisa, A Hora do Pesadelo, A Morte Pede Carona, ou qualquer filme de zumbi dos anos 70 e 80 - quer tenha gostado ou não desses filmes - provavelmente vai se deleitar com Grindhouse.

Planet Terror (Planeta Terror)
Direção: Robert Rodriguez
Roteiro: Robert Rodriguez

Um estranho gás venenoso que vazou de uma base militar começa a contaminar os moradores de uma pequena cidade do Texas, transformando seus moradores em algo próximo a zumbis que se alimentam de carne humana. Cherry Darling (Rose McGowan), El Wray (Freddy Rodríguez) e a Dra. Dakota Block (Marley Shelton) fazem parte de um grupo de sobreviventes que precisam enfrentar esses monstros para conseguir fugir de suas garras sanguinárias.

Contando com Bruce Willys no elenco, além de Josh Brolin, Rose McGowan, Stacy Ferguson - ou Fergie -, Naveen Andrews - mais conhecido como o Sayid de Lost -, Marley Shelton e até mesmo Quentin Tarantino, Planeta Terror já nos empolga a cada ator (ou não) que a gente vai reconhecendo na tela. E a partir daí é só alegria!

Como uma homenagem no melhor estilo 'paródia', o filme é um belo amontoado de clichês. Porém, estes são tão bem explorados que, somados a um roteiro que dá uma banana para a lógica ou para qualquer senso de possibilidade, fazem com que o espectador se deleite com o espetáculo, adrenalina e diversão pura. Até porque, além de ser simplesmente legal, Planeta Terror nos deixa com aquela sensação saudosista de quando eramos apenas uma molecada que adorava assistir filmes como A Noite dos Mortos Vivos.

Uma característica importante é que Planeta Terror possui personagens demais, fazendo com que demoremos a descobrir quem são os protagonistas, e esse personagens 'secundários' ainda criam suas próprias tramas paralelas. Porém, mesmo que isso possa inicialmente ser tido como defeito, essa característica é o que diferencia Planeta Terror de qualquer outro filme do gênero - apesar de à primeira vista ele nos passar a impressão de não ter absolutamente nada de original. Esse amontoado de personagens quase esdrúxulos, com suas particularidades e esquisitisses e que possuem problemas que vão além da existência de zumbis comedores de carne. É isso que ajuda a somar mais confusão ao roteiro que já está beirando o limite do aceitável.

Não, ele extrapola esse limite. E quando isso fica já claro logo nas primeiras cenas, a gente não se importa mais em procurar que as coisas sejam críveis. Então, lá pelas cenas finais do filme, com McGowan voando em sua verdadeira apoteóse, a pergunta "mas como ela fez isso?" é descartada da nossa mente antes mesmo de se formar por completo; afinal, como ela fez isso, diante de tudo o que já aconteceu nesse filme, é o de menos. E, mais uma vez, uma gargalhada alta reverbera na sala, após tantas outras anteriores. Pois Planeta Terror é diversão na forma mais crua e explícita.

Death Proof (À Prova de Morte)

Direção: Quentin Tarantino
Roteiro: Quentin Tarantino

Stuntman Mike (Kurt Russel) é um ex-dublê de antigos filmes de ação . Depois de ver sua carreira finda, ele encontra um bom passatempo: perseguir garotas em seu carro 'à prova de morte'.

Em À Prova de Morte, temos dois novos nomes conhecidos no elenco: o já citado Kurt Russel e Rosario Dawson. Além destes, reaparecem aqui Quentin Tarantino e Rose McGowan em novos papéis, e Marley Shelton novamente como a Dra. Dakota Block de Planeta Terror. E uma curiosidade: uma atriz e dublê chamada Zoe Bell faz o papel de si mesma (a loirinha sobre o capô do carro na foto acima). Destaque para Russel, em uma performance extraordinária nesse papel maravilhosamente ambíguo - as aparições já no final do filme são absolutamente todas deliciosas.

Bastante diferente do filme de Rodriguez, que bebe exageradamente das fontes do cinema gore, Quentin Tarantino aposta num filme de perseguição e velocidade, num misto de Encurralado com A Morte Pede Carona. Aqui o sangue é muito mais moderado, mas a ação suplanta esse quesito sem deixar nada a desejar.

É verdade que o início do filme pode parecer bastante enfadonho (e, para muitos realmente o é), com uma longuíssima sequencia de diálogos entre quatro das mocinhas visadas por Mike. Porém, apesar de cansativa e quase excessiva, a sequencia é extremamente importante para coroar o que vem a seguir. A importancia não está exatamente no que é dito pelas personagens, mas no modo como a situação evolui para criar uma expectativa e uma pré-concepção do restante do filme (que será totalmente dizimada pelo talentoso diretor). Além disso, essa primeira metade do filme também serve de um contraponto com a segunda em um outro sentido: os dois tipos de mulheres apresentados no filme, somados ao tratamento técnico diferenciado que Tarantino dá às duas partes, pode estar representando as diferenças entre a mulher de ontem (época que o filme quer homenagear) e de hoje*.

Apesar das grandes diferenças entre os dois filmes, assim como Rodriguez, Tarantino não deixa de lado o bom humor que fica evidente no momento em que o 'possante' à prova de morte entra em ação pela primeira vez. Para completar, a cena que parte o filme em dois é impecável - e o diretor sabe isso tão bem que esta é apresentada mais de uma vez, mostrando os diversos ângulos possíveis para a sua melhor apreciação. Após essa cena, o espectador é facilmente levado a crer que já viu tudo o que À Prova de Morte tinha para oferecer. Alguns podem até mesmo querer parar o filme, ou adiantá-lo. Mas não faça isso, pois o melhor ainda está por vir. Porque é aí que Tarantino mostra toda a sua genialidade: quando estamos convencidos de que já conhecemos o filme como um todo, ele nos surpreende com algo muito melhor do que poderíamos imaginar. Aguente mais alguns minutos de diálogo (acredite, isso não será a tortura que se imagina) para que você se veja obrigado a se endireitar na poltrona, pois não vai querer perder nem um segundo do que está passando na tela.

* Essa sagacidade sobre as mulheres atuais versus do passado não é minha. A teoria vem de Leo Name, em um comentário deixado no blog Filmes do Chico.

A Mulher Invisível

2010-12-12T17:21:00.013-02:00

2009
Comédia, Romance
Direção: Cláudio Torres
Roteiro: Cláudio Torres,
Cláudio Paiva, Adriana Falcão
e Maria Luísa Mendonça

Aproveitando o momento Selton Mello, vamos a mais um dele. Afinal, nunca é demais.

Pedro (Selton Mello) foi abandonado pela esposa que amava. Sem conseguir lidar bem com a situação, criou em sua mente Amanda (Luana Piovani), a mulher perfeita, sem saber que ela não passava de fruto de sua imaginação.

Não há muito o que se dizer sobre A Mulher Invisível. É uma comédia e faz rir. Bastante. Por mim eu só escreveria isso, mas vou destrinchar um pouquinho minha opinião. Só vou pular a parte em que eu deveria tecer uma lista enorme de elogios ao Selton Mello porque... né? É chover no molhado.

O enredo é simples e cinematograficamente é tudo muito convencional. Nada de inovador, nada de surpreendente. Final previsível, dentro dos conformes. Porém as situações são muito bem exploradas de modo a retirar risos altos diversas vezes. E é para isso que serve uma comédia.

Os atores estão muito bem em seus papéis, mesmo levando em consideração que a maioria revisita papéis aos quais já estão mais do que acostumados. Não importa, estamos aqui para ver o Selton Mello se esfregando com o ar mesmo... E ele, pela milionésima vez, carrega o filme sem nenhuma dificuldade (ainda mais se tratando de uma comédia). A Luana Piovani poderia ser até de fato invisível. Capaz de que pouca diferença faria, porque as melhores cenas são aquelas em que Selton interage consigo mesmo. Ok, ok. Exagerei, pois Vladimir Brichta e Maria Manoella fazem um ótimo trabalho e tem papéis realmente importantes na história - sem falar na ponta da Fernanda Torres que já serve pra tirar gargalhadas nas poucas cenas em que aparece.

(Opa. Não consegui pular o Selton. Acho que não é só político que quebra promessa...)

Bem, o fato é que A Mulher Invisível é uma ótima comédia, que prende a atenção do início ao fim. Tem um final que agradará os fãs do romance e tem um enredo que agradará os que apenas querem rir bastante.

Meu Nome Não é Johnny

2010-12-05T10:34:00.007-02:00

2008
Drama
Direção: Mauro Lima
Roteiro: Guilherme Fiúza,
Mariza Leão e Mauro Lima

Nunca foi tão difícil assistir um filme. Não pelo filme, mas por fatores externos. Cinema me está vetado, tentei locá-lo inúmeras vezes na época de lançamento e nada. Desisti e só assisti porque minha tia apareceu com ele outro dia. E o pior é que eu já nem estava mais no pique, nem queria mais... Ainda bem que não fui por mim.

O filme é baseado na história real da vida de João Guilherme Estrella (Selton Mello), um rapaz de classe média que conheceu as drogas muito cedo. Tendo crescido em uma família desestabilizada, acabou se envolvendo diretamente com tráfico e foi preso em flagrante.

Eu esperava algo diferente. Esperava mais degradação. Esperava um personagem mais anti-herói. Esperava não me afeiçoar a João. Mas o que vi foi um garotinho que caiu de para-quedas num mundo que ele não compreendia. Num mundo sedutor e fácil. Ele sabia que era errado, mas não sabia o quanto. Ele sabia que era perigoso, mas não sabia que pessoas que ele amava corriam tanto risco quanto ele. Ele achava que o mundo era dele e que o que ele fazia não era algo tão ruim assim. Afinal, usa droga quem quer. E se não fosse ele a vender, outra pessoa o faria, não é mesmo?

Pois é. Meu Nome Não é Johnny conta a história de um rapaz que não teve orientação nenhuma. Seu pai era um derrotado - não queria enfrentar sua doença e deu as costas para a vida. Sua mãe, revoltada com o marido, simplesmente o abandonou, deixando para trás também seu filho adolescente. João ficou assim, órfão de pais vivos, morando praticamente sozinho em uma casa grande e bonita, onde ele podia dar festas para os amigos e vender a droga que ele tinha. Ele suprimia a falta de família com a presença constante dos amigos - e clientes.

João era um jovem alegre, cativante, simpático e inconsequente. É difícil não gostar de João. Ou de Selton Mello? O personagem foi tão bem representado (e apresentado) que a gente perdoa seus erros, mesmo não se conformando com nenhum deles. O resto do elenco é resto. Cleo Pires, com o segundo personagem de maior destaque, está bem em seu papel, mas é só pano de fundo para a história de João. Selton Mello, pra variar, brilha e ofusca.

Só que eu não posso dar o crédito pelo personagem somente ao Senton Mello. Um detalhe que ajudou demais na criação da empatia entre espectador e personagem foi a inserção de vídeos caseiros mostrando a infãncia de João em alguns pontos do início e do final do filme. É um menininho fofo, peralta, sapeca, simpático, risonho, delicioso. E aí que a gente está vendo esse menininho inserido exatamente no meio do trecho mais difícil da vida de João. E aí que a gente chora litros. Eu, pelo menos, como mãe de um menininho fofo, chorei bastante.

Já que estamos falando em personagens, eu preciso falar mais sobre a mãe de João (Júlia Lemmertz). Apesar de uma parca aparição ao longo do filme, a falha figura materna acabou se tornando o bode espiatório para toda a trama. Fica claro que a mãe do rapaz não tinha a menor preocupação em saber de onde seu filho tirava tanto dinheiro e, mesmo tendo literalmente o abandonado quando ele mais precisava dela, tenta posar de super mãe indignada. Assim, para quem ficou com um pé atrás com o fato de o filme 'perdoar' todos os erros de um marmanjo irresponsável, a figura da mãe ausente se encaixa perfeitamente como uma ótima desculpa para explicar essa questão.

Entretanto, ainda fica a dúvida: João poderia ser isento de seus 'pecados' com a simples justificativa de ter uma orientação falha? Apesar de o filme ter vendido que sim, eu não concordo muito. Mas deve-se louvar o fato de o filme ter conseguido construir um personagem que cativa sem precisar esconder seus malfeitos. Talvez não seja uma história comprada por todos; eu comprei. Eu sei que é contraditório, pois eu tenho conciência de que fui comprada, mas me vendi assim mesmo. Ponto para Mauro Lima.

Contudo, tirando esse grande mérito com relação à construção do personagem, Meu Nome Não É Johnny não traz mais outras grandes qualidades. É um filme muito bom e bem feito, porém um pouco superestimado.

The Last Exorcism (O Último Exorcismo)

2010-11-28T10:33:00.007-02:00

2010
Terror, Suspense
Direção: Daniel Stamm
Roteiro: Huck Botko e Andrew Gurland

Lá vamos nós outra vez. Outro filme em que o câmera-man é um dos personagens, dessa vez num falso documentário, O Último Exorcismo desafia a possibilidade do desgaste.

Reverendo charlatão, Cotton Marcus (Patrick Fabian) é um exorcista que não acredita em Deus nem no diabo - mas se julga um prestador de serviços eficiente, funcionando como um placebo. Depois de ler uma notícia em que um garoto morre durante um exorcismo, o homem começa a acreditar que sua profissão pode fazer mais mal do que bem às pessoas. Por isso, ele decide fazer um documentário em que expõe toda a falcatrua que existe por trás dos exorcismos, numa tentativa de acabar com essa prática. Assim, ele e uma pequena equipe vão em viagem para registrar seu último exorcismo, mas nem tudo sai como esperado.

Primeiro tivemos um desgaste do tema 'exorcismo' com Exorcista - O Início, Dominion e O Exorcismo de Emily Rose. Agora, quase 10 anos após o sucesso de A Bruxa de Blair, estamos vivendo uma overdose de filmes que se lançam como falsos documentários ou falsos filmes caseiros, como [REC] (1 e 2), Cloverfield e Atividade Paranormal (1 e 2). Dessa forma, não satisfeitos em abordar um tema fragilisado pela sua repetição, O Último Exorcismo decidiu abordar dois.

Com isso, quando o filme consegue fugir do lugar comum de um lado, entra no lugar comum do outro. É assim em diversas passagens, como o início com veia introdutória e com as perguntinhas aos moradores supersticiosos da pequenina cidade, aos moldes de A Bruxa de Blair; o exorcismo no celeiro de O Exorcismo de Emily Rose; os contorcionismos de qualquer filme de possessão. Até mesmo o final (e não leia o que vem a seguir se não quiser conhecê-lo ainda), ao mostrar um fim bastante trágico e muito diferente do usual dentre os filmes exorcisantes, repetiu a cena mais escolhida dentre os falsos documentários / caseiros: o corre-corre, a imagem super tremida e o grand finale da câmera caindo ao chão.

Além disso, quando O Último Exorcismo atinge a cena que, à priori, seria seu maior objetivo, o que é apresentado é de pouco interesse. Fora os impressionantes contorcionismos de Ashley Bell, que vive a possuída Nell, nada de chocante acontece. Há um diálogo quase banal entre Cotton e o demônio dentro de Nell, além dos citados contorcionismos. E tudo pelo qual esperávamos acabou antes mesmo de começar.

E, assim como a passagem do exorcismo é broxante, da mesma forma acontece no restante dos momentos chaves. Novos spoilers a seguir: enquanto é fácil aceitar que a câmera não mostra as mortes em A Bruxa de Blair e Atividade Paranormal, o fato de estarmos com a sede de sangue insaciada pelo exorcismo sem sal torna quase irritante o momento final que esconde as três mortes do filme. O que ajuda também na nossa revolta contra esse desfecho é a cena em que Cotton e sua equipe voltam para casa após descobrir que Nell está grávida de um namoradinho. Desnecessário tentar fingir que o filme terminava naquele ponto, com aquela música leve de happy ending. Era tudo tão previsível que eu cheguei a rir. E o que dizer sobre a morte do gatinho? O problema é que eu estava tão entretida imaginando a cena cômica (garota possuída por um demônio correndo pelo gramado enquanto se preocupa em filmar seu trajeto), que nem consegui me concentrar no bixano, coitado. Até porque o sangue do pobre tapou a nossa visão borrando a lente da câmera.

Entretanto, não só de defeitos é feito O Último Exorcismo. Contando com um bom elenco de atores desconhecidos, todos convencem em seus papéis, além de apresentarem personagens plausíveis - Cotton e Nell possuem a pitada certa de carisma necessário para envolver o espectador com a trama. Como sempre, digo que esse é um fator importantíssimo, senão um dos mais importantes ao se produzir um filme. Um personagem ou ator errado pode acabar com qualquer chance de o filme causar impacto no público.

O Último Exorcismo também conta com uma introdução bastante interessante das motivações de Cotton e é fator importante na construção do personagem. Outro bom momento é quando da reviravolta na história, em que o pai da menina quase se torna o grande vilão, injetando adrenalina em algo que parecia morno demais. E funciona, pois as correrias pela casa, o desconforto dos personagens por estarem longe de seus domínios e a confusão causada pela súbita mudança da fonte de terror fazem a tensão atingir bons picos no espectador.

Porém, é o fato de ficar em aberto a existência da possessão que se torna o grande trunfo que não pode ser ignorado. Junto a isso, agrega-se que o filme realmente funciona como maneira de escancarar a sempre existente exploração das pessoas utilizando-se de suas crenças.

Assim, apesar dos deslizes, o filme de Daniel Stamm consegue trazer algo de inovador em seu enredo. E, mesmo estando longe de se firmar como um dos grandes exemplares do terror, O Último Exorcismo é interessante ao seu modo.

Paranormal Activity 2 (Atividade Paranormal 2)

2010-11-21T10:02:00.009-02:00

2010
Terror, Suspense
Direção: Tod Williams
Roteiro: Michael R. Perry, Christopher B. Landon e Tom Pabst

Com algumas diferenças, o que vemos em Atividade Paranormal 2 é o já visto no primeiro. Entre melhorias e 'piorias', vale como explicação para a história e como uma revisitação às sensações que se tem ao assistir Atividade Paranormal.

Kristi (Sprague Grayden), seu marido Daniel (Brian Boland) e sua enteada Ali (Molly Ephraim) estão muito felizes com a chegada do novo mebro da família, o pequeno Hunter (William Pietro / Jackson Prieto). Quando o garoto já completou seu primeiro ano, um arrombamento na residência da família faz com que Daniel decida intalar um sistema de câmeras de vigilância interno. Porém, com o passar dos dias, Kristi e Ali começam a acreditar que a casa na verdade está sendo assombrada por um demônio.

Apesar da enorme semelhança com seu antecessor, Atividade Paranormal 2 poderia ser muito bom, se não falhasse justamente nos momentos em que tenta corrigir as falhas do outro. Uma das mudanças mais significativas fica a cargo do número de câmeras usadas no filme e a drástica diminuição da câmera em primeira pessoa. Porém, temos com isso uma faca de dois gumes. O recurso serve como uma maneira de diminuir a necessidade daquelas tomadas que não se justificariam num caso real - como ligar a câmera para discutir a relação, ou continuar filmando enquanto sua vida está por um fio.

Entretanto, com isso, nas cenas noturnas temos uma quebra de tensão, pois as imagens mudam rapidamente, mostrando a cada momento um cômodo da casa. Assim, perde-se a melhor coisa do primeiro filme, que era o crescente medo e apreensão gerados pela imagem estática noturna do quarto do casal, em que a qualquer momento algo sobrenatural poderia acontecer.

Além disso, a filmagem em primeira pessoa era um ótimo recurso para aproximar o espectador da história, colocando-o quase como um personagem e fazendo-o sentir com mais intensidade os dramas e medos dos protagonistas. Porém, em Atividade Paranormal 2 esse tipo de cena não tinha como se sustentar sem a motivação do obcecado Micah para tal, o que fez com que o uso da filmagem em primeira pessoa fosse radicalmente diminuído. Mata-se assim, de uma tacada, os dois grandes pontos fortes de Atividade Paranormal.

Outra diferença visível fica a cargo do aumento do elenco. Além dos três protagonistas, do garotinho e de uma pequena participação da empregada da família, o filme ainda conta com Katie e Micah, os ~~únicos~~ principais personagens do primeiro filme. Temos também personagens um pouco mais carismáticos, principalmente pela presença do lindo menininho e de uma cachorra bastante simpática, o que ajuda muito a não deixar o filme cansativo enquanto apresenta o dia-a-dia da família.

Ainda assim, como no filme anterior, a ação demora muito a começar. E, com o problema da quebra-de-clima das excessivas mudanças de cômodos nos períodos noturnos, Atividade Paranormal 2 se torna tão maçante quanto o primeiro durante os 40 minutos iniciais.

De qualquer forma, mesmo com as modificações (para o bem ou para o mal), Atividade Paranormal 2 mantém o mesmo clima do anterior, utilizando-se até mesmo de sustos exatamente iguais. E sua maior qualidade é, de longe, a explicação que dá para os acontecimentos do primeiro filme. É um filme interessante para quem gostou do primeiro, mas não se sustenta sozinho.

Lista: 10 filmes de chorar

2010-11-14T11:34:00.001-02:00

Quando eu estava assistindo Ilha do Medo, ao final eu chorava tanto que meu marido acordou assustado (sim, ele é do tipo que dorme em filmes). Pensando nisso, comecei a me lembrar de quais foram as cenas cinematográficas que mais fizaram-me chorar. Assim, hoje, ao invés de escrever sobre um filme, decidi listá-las.

Pode-se pensar que nem foi difícil selecionar as 10 cenas abaixo, visto que sou uma grande manteiga derretida. Entretanto, como eu choro em quase todos os fimes que assisto, não foi trabalho tão fácil separar 'o joio do trigo'.

Os filmes estão listados em ordem crescente de intensidade lacrimal:

10. Ilha do Medo
Cena: revelações finais.

Cuidado, contém Spoiler: Quando o personagem principal, Teddy Daniels começa a se lembrar de quem ele realmente é e no vídeo surge a cena em que ele chega em casa para encontrar sua esposa louca e seus três filhos afogados no lago, eu me descabelei. Filme agora não pode mais mexer com filho, fico tresloucada de chorar! A frase final do Teddy, dando a entender que ele sabia que seria lobotomizado, também deu um novo gás às lágrimas.

09. Uma Lição de Amor
Cena: toda a metade final do filme.

Olha, pra ser bem sincera, tenho poucas lembranças sobre esse filme. Uma delas é que chorei muito. Também, um drama que conta a história de um homem com retardo mental que está prestes a perder a guarda da filha... É de matar, né.

08. Titanic
Cena: quando o navio afunda e pessoas ficam presas.

O que foi aquele James Cameron mostrando as pessoas que ficaram presas em um dos níveis do navio? Precisava colocar aquela mulher abraçando as duas criancinhas na cama, cantando para elas dormirem? Isso foi apelação só pra fazer eu convulsionar de tanto chorar! E acontece toda santa vez que eu assisto o filme. Eu não consigo passar por essa cena incólume...

07. O Pianista
Cena: o velhinho da cadeira de rodas.

Taí outro que eu lembro pouco. Mas eu chorei tanto, mas tanto, que garrei ódio do filme. Sério mesmo. Quando eu vi a cena dos nazistas jogando o velhinho de cadeira de rodas pela sacada, eu fiquei tão revoltada, que me levantei chorando e saí da sala. Tiveram que parar o filme, porque eu estava desidratando de tanto chorar. Depois disso, fiquei muito tempo me recusando a reassistir o filme.

06. Em Busca da Terra do Nunca
Cena: momentos finais.

Eu tinha ido no cinema para ver o filme com minhas amigas (saudades...) depois de entregar um trabalho descomunal na faculdade e estávamos todas zuretas por não termos dormido quase nada à noite. Eu já comecei a chorar a cada referência que o filme mostrava sobre as coisas que inspiraram Barrie a escrever Peter Pan. Mas foi o final que nos pegou de jeito. Quando o filme acabou, continuamos imóveis nas cadeiras, loucas de tanto chorar, quase histéricas. E, entre lágrimas e suspiros, eu falei algo como: "É uma falta de educação eles acenderem as luzes assim, sem nem dar um tempo para a gente se recompor...". Foi quando uma de nós caiu na gargalhada, me chamando de maluca. E foi assim que fomos das lágrimas ao riso descontrolado em menos de 5 segundos. Todas começamos a rir enlouquecidamente. Nem conseguíamos sair do cinema de tanto que dávamos risada. As pessoas que estavam na fila, para a sessão seguinte, nos olhavam com estranhamento - também, pudera. Eu culpo a noite mal dormida e os nervos à flor da pele.

05. À Espera de Um Milagre
Cena: quando Eduard Delacroix vai à cadeira.

Apesar de metade dos personagens desse filme ser composta por assassinos sanguinários, é estranho como a gente passa a gostar de praticamente todos eles. E Delacroix é o assassino mais fofo e simpático que o cinema já produziu. Então, quando chega a vez de ele ir à cadeira, eu já estava soluçando. Só que aí, ainda tem o agravante da cena. O resto você já sabe.

04. Doce Novembro
Cena: último quarto do filme.

Esse filme é complicado porque eu o assisti em uma época em que minha tia começou a piorar do câncer novamente. Basta dizer que continuei chorando durante um bom tempo após o término do filme.

03. A Vida é Bela
Cena: depois que Guido esconde Giosué, já no final do filme.

Cuidado, contém spoiler: Quando o Guido deixa o filho, com a recomendação de que não saísse de seu esconderijo por nada nesse mundo, e encontra os soldados, eu demorei a entender o que estava acontecendo. A câmera não mostra nada, só o som dos tiros. Nossa, eu não acreditava que ele tinha morrido! Eu, que estava assistindo sozinha, parei o filme e comecei a andar pela sala chorando alto e dizendo "não! não é possível! ele não pode ter morrido!" - é, bem louca assim mesmo.

02. Meninos não Choram
Cena: cena final.

Assim como em Doce Novembro, o filme terminou e eu continuei lá, sentada chorando. Soluçava e chorava copiosamente enquanto meu marido me abraçava e tentava me acalmar. A grande diferença nesse caso é que o choro foi exclusivamente pelo filme, sem agravante pessoal.

01. Paixão de Cristo
Cena: o filme todo.

Acho que perdi uns 3 litros de água durante a exibição desse filme. Tinha ido ao cinema com meu marido e encharquei a camiseta dele com minhas lágrimas. Solucei o filme IN-TEI-RI-NHO. E depois, conversando com minha tia Dê, quase morri ao ouví-la dizer que foi ao cinema DUAS VEZES ver o filme, porque na segunda queria prestar atenção nos detalhes técnicos! Quer dizer... quê????!!!

Bom, esses são as minhas cenas choradeiras. E você, já está imaginando quais são as suas cenas? Conta aí.

Paranormal Activity (Atividade Paranormal)

2010-11-07T15:35:00.002-02:00

2007 / 2009
Terror, Suspense
Direção: Oren Peli
Roteiro: Oren Peli

Com uma proposta simples a até bem executada, Atividade Paranormal peca onde não poderia, mas entrega um filme satisfatoriamente 'corrigido' aos cinemas.

Katie (Katie Featherston) desde sua infância enfrenta o medo de ocasionalmente presenciar estranhas manifestações paranormais à sua volta. Quando as manifestações voltam a perturbá-la e ao seu namorado Micah (Micah Sloat), este decide comprar uma câmera para tentar registrar os fenômenos.

Atividade Paranormal é um filme independente, feito com um orçamento de cerca de irrisórios U$15.000,00, que foi lançado em alguns festivais em 2007, quando despertou o interesse da Paramount e de Steven Spielberg. Inicialmente, Spielberg tinha a intenção de refilmá-lo, colocando o próprio Peli na direção, mas após alguns percalços a idéia foi abandonada. A Paramount acabou optando por apenas fazer alguns cortes e pequenas inserções de cenas, mudando inclusive o final, por sugestão de Spielberg, e lançando o filme nos cinemas apenas em 2009. Não sem antes utilizar de uma bela estratégia de marketing que colocou Atividade Paranormal no mapa rapidamente.

A história do filme é muito simples e comum, a execução é bastante adequada, utilizando de idéias boas. As cenas noturnas (mesmo as em que nada acontece) são praticamente todas interessantes. A contagem do tempo é quase um personagem e o olho não sabe se se preocupa em averiguar a velocidade do marcador, ou se checa se tem algum fenômeno noturno acontecendo. Da mesma forma, o modo como os fenômenos vão se tornando cada vez mais presentes e impactantes, faz com que o filme cresça muito ao longo de sua projeção e crie uma ótima atmosfera de grande tensão.

Assim, a proposta é louvável, porém é um chute na trave. Eu quase gostei. Mas algumas cenas que a gente vê são injustificáveis demais, os atores são ruins demais, os personagens são inverossímeis demais. Aliás, está aí o maior problema: o personagem Micah é babaca demais. E eu não estava mais aguentando esse cara. Se o casal fosse mais simpático, talvez não tivesse sido uma tortura ficar 40 minutos sem que NADA acontecesse.

Eu assisti as duas versões do filme que pouco diferem, mas cujas pequenas mudanças são bastante importantes. Por sorte, alguém também achou o Micah um pé e cortou o que pôde de suas babaquices - questão de uma ou outra fala, realmente quase nada, mas já ajudou muito a deixar o filme mais interessante. Além disso, algumas cenas foram inseridas para a versão dos cinemas, que, entre cortes, inserções e mudanças, acabou ficando cerca de 10 minutos mais curto que o original. O final oficial é bem mais assustador, mas tão bom quanto o original. A diferença é que o segundo final dá margem à sequencia que, inclusive, já saiu nos cinemas.

A verdade é que me decepcionei demais com esse filme. Eu, que amei Bruxa de Blair e, diferente de Cloverfield, nesse caso não dá pra não pensar no filme da bruxa, já não aguentava mais ficar sentada esperando acontecer alguma coisa em Atividade Paranormal. Entretanto, devo adimitir que as qualidades existem e que é um filme de terror que pode facilmente cair no agrado das pessoas que gostam do gênero.

Shutter Island (Ilha do Medo)

2010-10-31T09:09:00.010-02:00

2010
Suspense
Direção: Martin Scorsese
Roteiro: Laeta Kalogridis

Você não imagina a minha emoção neste momento por estar iniciando uma crítica de um filme lançado neste ano. Não me lembro quando foi a última vez que assisti a um tão recente! Então, vamos ao que interessa:

Ashecliffe é um hospital psiquiátrico para loucos criminalmente condenados e perigosos, localizado em uma ilha chamada Shutter Island. Após o desaparecimento de uma de suas pacientes, os dois agentes federais Teddy Daniels (Leonardo DiCaprio) e Chuck Aule (Mark Ruffalo) vão até a misteriosa ilha para iniciar uma investigação. Entretanto, os psiquiatras Dr. John Cawley (Ben Kingsley) e Dr. Jeremiah Naehring (Max von Sydow), os funcionários e até mesmo os pacientes de Ashecliffe parecem estar todos escondendo algo.

Ilha do Medo é um filme baseado no livro Paciente 67, de Dennis Lehane. A história, ambientada em 1954, ganhou todo um clima noir nas mãos do inspiradíssimo Scorsese. Eu não sou especialista em film noir, mas algumas referências ao gênero são claras, como a trilha-sonora exagerada, o tema obscuro envolvendo conspirações, o figurino, algumas tomadas de câmera e até mesmo uns pequenos erros pontuais de continuidade que só podem ter sido propositais (em dado momento uma personagem bebe água de um 'copo invisível').

Após filmes como Os Infiltrados e O Aviador (que, a propósito, também contam com DiCaprio no papel do protagonista), que foram sem dúvida ótimos filmes, eu ainda aguardava que Scorsese voltasse a me encantar da maneira como o fez em Cabo do Medo ou Taxi Driver. E foi com Ilha do Medo que Scorsese conseguiu. Me conseguiu.

Sério, eu estou embasbacada. Estupefata. Boquiaberta. Desbaratinada. Apaixonada.

Não posso dizer que o filme é absolutamente perfeito. Ao menos, não o é para muita gente. Seu alvo mais criticado é o roteiro, julgado previsível em demasia e com explicações além da conta nas cenas finais. Não nego que tais características existam, mas não consigo vê-las como um grande problema (ou mesmo como um problema at all), tendo em vista o modo como a direção as conduziu. Veja bem, após uma segunda sessão do filme, fiquei convencida de que a previsibilidade não só não é apenas uma característica, como é proposital. Assim, da mesma maneira como todos escondem a verdade do agente Daniels, ao mesmo tempo eles querem que ele a descubra o quanto antes. Consequentemente, essa mesma relação acaba se dando entre Scorsese e o espectador.

Quanto às explicações, não as achei excessivas. Decerto que qualquer um já havia entendido o recado ao final de Ilha do Medo, mas cada 'repetição' e reafirmação dos fatos tem seu propósito na própria história. Além disso, ainda que eu encarasse essas questões como defeitos ou pequenos 'pecados', a última cena já serviria para neutralizá-los.

A despeito disso, não há como negar que Scorsese estava tão inspirado que atingiu aqui um nível de excelência magistral. A trilha-sonora é absurdamente sufocante e angustiante. A cena que retrata o trajeto feito pelos agentes desde o cais até o hospital é de se tirar o fôlego - e nesse momento o filme praticamente ainda nem havia começado! Auxiliada por essa trilha e por uma fotografia impecável, a história se desenvolve de maneira quase claustrofóbica, criando um suspense psicológico como poucos vistos. De alguma forma, o diretor conseguiu transformar a insanidade em algo quase palpável, uma entidade que nos ameaça e da qual devemos fugir - mas ela está sempre no nosso encalço. Inclusive, já nos primeiros minutos do filme, comentei com meu marido que o Scorsese estava era querendo nos deixar loucos.

Os efeitos especiais merecem um comentário à parte. A tecnologia é tão bem empregada, que se torna uma aula para os diretores mais novos e afoitos. Os efeitos são utilizados somente quando a cena pede e apenas o suficiente para enriquecê-la. Não é o uso da tecnologia pela tecnologia - é a tecnologia pela arte.

E sobre os atores, não irei falar? Oh, sim, impossível passar em branco. Não só DiCaprio, como todo o elenco. Mark Ruffalo e Ben Kingsley seguram seus papéis em uma dosagem milimétricamente calculada, estão perfeitos - principalmente se avaliados em uma segunda visita ao filme. Max von Sydow mantém uma postura ameaçadora, mas sem exageros, igualmente excelente. A pequena aparição de Jackie Earle Haley é digna de nota. E, claro, DiCaprio, demonstrando mais uma vez sua imensa capacidade. Se é que alguém ainda duvidava de seus dotes, não há como negá-los após assistir Ilha do Medo. Eu sempre o tive como um grande ator, mesmo quando todos o julgavam apenas um rostinho bonito. Aliás, se alguém me apontar um trabalho em que o rapaz esteja mesmo que mediano, ganha um prêmio. Novamente, Scorsese entrega a DiCaprio um personagem complexo e com uma enorme carga dramática - em certos momento Daniels me lembrou a Srta. Giddens de Os Inocentes -, e ele recebe o papel com muita segurança e habilidade.

É como eu disse, Scorsese me ganhou. Vejo Ilha do Medo se inserindo com facilidade entre os meus filmes preferidos, independente de gênero. E falo, sem medo, que é um dos melhores suspenses já feitos até hoje.

The Fourth Kind (Contatos de 4º Grau)

2010-10-24T14:33:00.002-02:00

2009
Ficção Científica, Suspense
Direção: Olatunde Osunsanmi
Roteiro: Olatunde Osunsanmi
e Terry Robbins

Como cinema (no sentido físico e não conceitual) não faz parte do meu vocabulário há alguns anos, não tive o prazer de ser tapeada pelo Sr. Osunsanmi. Não sei se eu cairia na farsa (prefiro acreditar que não), mas dentro da sala de cinema, onde o filme parece engolir a gente, não duvido que eu ficaria inicialmente abalada com esta película. Mas não foi o caso, claro. Vi em casa, muito tempo depois de já saber do golpe publicitário, e fui percebendo as diversas falhas que comprovam, antes de qualquer notícia, que Contatos de 4° Grau não passa de mais uma ficção.

A psicóloga Dra. Abbey Tyler (Milla Jovovich / Charlotte Milchard) perdeu recentemente o marido em circunstâncias muito estranhas, e sua família ainda sofre com essa súbita falta. Moradora de Nome, uma pequena cidade do Alaska, a Dra. Tyler decide dar continuidade ao tratamento dos pacientes de seu marido, que apresentavam estranhas coincidências entre os casos. Aos poucos, Abigail percebe que essas coincidências podem ter alguma ligação com a morte de seu marido, e podem colocar sua vida e a de seus filhos em perigo.

Inicialmente apresentado como sendo baseado em fatos reais, Contatos de 4° Grau traz uma novidade que o faz se destacar dentre seus predecessores: paralelamente às cenas gravadas com os atores em estúdio, Osunsanmi nos apresenta também as supostas gravações reais cedidas pela 'verdadeira' Dra. Abigail Tyler. Essas imagens 'reais' muitas vezes dividem a tela com as cenas dramatizadas, para que possamos acompanhar simultâneamente as duas versões da história e atestar a fidelidade do filme aos acontecimentos.

Ao mesmo tempo que esse diferencial age a seu favor, por sua inovação e ousadia, é também o seu maior problema. Isso porque Milla Jovovich não é apenas fisicamente muito diferente de Charlotte Milchard, como a caracterização as distancia ainda mais. Enquanto Charlotte apresenta uma Dra. Abigail em frangalhos, estrambólica e que em alguns momentos beira o catatonismo de quem já não tem mais forças, Milla está ainda mais linda do que de costume, nos brindando com uma personagem forte e decidida. Claro que a diferença de comportamento se dá por a personagem estar sendo vista em diferentes momentos da sua vida. Porém, isso não minimiza os fatos, já que, com isso, a impressão que fica é a de que temos duas pessoas distintas - o que dificulta a aproximação entre o espectador e a protagonista.

Una a essa partição da personagem principal as diversas falhas e inverossimilhanças de roteiro e temos um filme que não consegue sustentar sua mentira nem mesmo enquanto está sendo assistido. Eu não fico ofendida pela tentativa de ser enganada, ao contrário. Porém, se é para enganar, faça-o bem feito. Como eu disse, talvez dentro de uma sala de cinema, com aquele som alto e a telona que nos envolve, Contatos de 4° Grau poderia até conseguir me confundir durante a sessão, mas um breve contato com o mundo real já seria o suficiente para que meus neurônios acordassem de seu estado hibernatório.

Apesar disso tudo, devo confessar que gostei do filme. As gravações da Dra. Abigail podem não ser muito esclarecedoras pois pouco de fato mostram, mas as imagens retorcidas e os gritos fazem um bom trabalho no quesito "manter o espectador apreensivo". E o efeito deve ser ainda maior em quem tem predisposição a acreditar em extraterrestres. No fim, acho que o saldo é positivo, mas com tanto potencial para ser um filme excelente, fica um gostinho de insatisfação na boca.

Avatar

2010-10-14T13:33:00.004-03:00

2009
Aventura, Ação, Ficção Científica
Direção: James Cameron
Roteiro: James Cameron

Eu queria muito assistir esse filme em 3D, porque era a única coisa que me incitava a assití-lo. A sinopse era muito comum e aquele povo azul não me conquistou à primeira vista. Mas eu tinha uma curiosidade por esse 3D tão falado. O problema é que não consegui ir ao cinema e nessa eu perdi a oportunidade.

Jake Sully (Sam Worthington) deverá substituir seu irmão gêmeo em uma missão especial em um novo mundo chamado Pandora. A missão é controlar os corpos Na'vi criados em laboratorio (avatares) pela Dra. Grace Augustine (Sigourney Weaver) e se passar por um desses nativos de Pandora. É assim que ele conhece Neytiri (voz de Zoe Saldana), uma Na'vi que o ajudará a compreender os valores e a cultura desse povo.

É estranho como alguém consegue ser tão hábil na direção de um filme a ponto de em apenas um minuto de cena já conseguir prender completamente a atenção de um telespectador que sequer tinha vontade de assistir ao filme pra começo de conversa. Pois foi assim que aconteceu. Eu estava de passagem na casa dos meus pais e meu pai quis me mostrar a qualidade do blu-ray que ele havia comprado. Assim, ele colocou a primeira cena de Avatar. Em menos de um minuto eu exigi que ele parasse o filme. Motivo? É que apenas com aquela cena curtíssima já me deu uma vontade enorme de saber o que viria a seguir, e eu sabia que não poderia assistir ao filme todo naquele momento. Então, era melhor parar tudo logo, antes que eu fosse tragada pelo filme. Por sorte, no mesmo final de semana, descobri que meu sogro estava com Avatar em sua casa. Não preciso dizer que na primeira oportunidade coloquei o filme pra rodar, não é?!

Fiquei impressionada com a maneira como James Cameron conseguiu fazer um roteiro que, ainda que rasíssimo, me manteve envolvida com aquela história desde o seu início até o último segundo. Mesmo esta sendo tão previsível e comum. E, sabe, por mais que eu adore filmes e goste de conversar e escrever sobre eles, ainda não consigo compreender como é que um cara consegue fazer esse tipo de coisa: deixar interessante e intrigante uma história que eu praticamente já conheço.

E não é só a história. Os personagens também são todos uma releitura de milhares que já os precederam inúmeras vezes. Jake, Dra. Grace, Neytiri, os vilões Coronel Miles Quaritch (Stephen Lang) e Peter Selfridge (Giovanni Ribisi) e até mesmo o secundário Norm Spellman (Joel Moore). Todos personagens que eu já vi tantas vezes em tantos filmes. E, ainda assim, são personagens cativantes (ou odiosos) e envolventes, são personagens que são bem apresentados e provocam empatia no espectador. A gente sente o que eles sentem e compreende suas ações.

Dentro desse âmbito, é bom citar que os atores são todos excelentes. Sigourney Weaver dispensa comentários e mais uma vez dá um banho de atuação que deixa qualquer um embasbacado; Sam Worthington em seu segundo papel de grande destaque provou que é capaz de segurar um filme de peso com bastante eficiência e Giovani Ribisi simplesmente conseguiu me fazer esquecer que ele é o irmão doidinho da Phoebe na série Friends (o que não é fácil!).

Outro fator que ajudou sobremaneira a dar vida aos personagens e ao filme como um todo foi a excelência tecnológica dos efeitos especiais. Os Na'vi ficaram tão perfeitos que a gente esquece que eles não existem de verdade. Eles têm expressões tão bem feitas que parecem ser simplesmente excelentes atores grandes e azuis! E todo o cenário, a natureza, as plantas que brilham... Tudo perfeitamente produzido com um realismo incrível. Durante o tempo de duração do filme Pandora existiu, os Na'vi existiram; era turo real para mim.

E foi assim que, apesar dos pesares, Avatar me conquistou. Talvez não seja o melhor filme do ano, mas com certeza é um filme que irá entrar para a história das aventuras. É um filme que seduz a gente, que faz querer reassistir e dividir com quem a gente gosta. E, vamos combinar, tecnologicamente ele já vem se tornando referência para o cinema que o sucede.

War of the Worlds (Guerra dos Mundos)

2010-06-06T16:50:00.001-03:00

2005
Ficção Científica, Ação
Direção: Steven Spielberg
Roteiro: Josh Friedman
e David Koepp

É muito difícil ser objetivo e imparcial quando se vai escrever sobre alguém de quem se é fã. Nesses casos, muitas vezes até mesmo os defeitos do ídolo podem se tornar qualidades aos nossos olhos. Temo que esse tipo de coisa aconteça comigo quando o assunto é Steven Spielberg. Mas vamos ver no que dá.

Ray (Tom Cruise) vai passar o fim de semana com seus dois filhos: Rachel (Dakota Fanning), de 10 anos, e o adolescente Robbie (Justin Chatwin). Os dias já prometiam não ser fáceis, visto o relacionamento distante e complicado que o pai tem com os filhos, mas tudo piora muito quando rapidamente a desestruturada família se vê em meio a um terrível e desesperador ataque alienígena que se transformou em uma verdadeira guerra.

Há quem diga que Steven Spielberg seja muito blockbuster, outros o acham demasiadamente piegas. Eu acho que, quando quer, ele é genial. Ser blockbuster, ao meu ver, não é um defeito por si só. Se o filme é bom, um blockbuster pode ser a melhor opção para se ver no cinema num dia de descontração. Quanto a ser piegas, salvo raras excessões, Spielberg conhece a dificílima receita de se dramatizar uma cena de modo a comover sem melodramatizar. É raro encontrar alguém que consiga permear ótimas cenas de drama com maravilhosas tomadas de ação (ou ação com humor, ou drama com ação e humor) tão bem como ele. Mas voltarei a falar disso mais adiante.

Antes, vou falar sobre dois dos atores. Dakota Fanning dispensa comentários, mas vou falar mesmo assim: a menina é descomunal. Toda vez que assisto a um filme com ela me surpreendo com sua atuação, suas expressões, a capacidade que ela tem de chorar com vontade, de gritar com ódio, de rir com alegria e tudo devidamente tão real - sem falar que ela tem a impressionante habilidade de interpretar papéis diferentes sem nunca remeter a algum de seus trabalhos anteriores. Destaque para a cena em que Ray coloca seus filhos no carro, logo no começo do filme, quando Rachel ainda não sabe o que está acontecendo, mas está com muito medo e confusa, cheia de lágrimas nos olhos.

O outro ator, claro, é Tom Cruise. Logo no início do filme, quando Ray ainda nem chegou em casa para receber seus filhos, dá uma certa impressão de que Tom Cruise passará o filme todo interpretando ele mesmo, um verdadeiro babaca. Porém, rapidamente vê-se que não é o caso, ele impressiona pouco depois, quando Ray entende a gravidade da situação em que se encontra. Tom representa com bastante propriedade tanto o homem que se vê perdido em seu relacionamento com seus filhos, quanto o homem que se vê perdido em meio a uma guerra intergaláctica.

Agora eu volto ao que comentava no início. Permeado com eletrizantes sequências de ação, que fazem a gente segurar a respiração, Spielberg nos presenteia com ótimas passagens de pseudo-calmaria, em que os personagens são obrigados a enfrentar a falta de intimidade entre eles. São momentos importantes para humanizar os personagens, criar a fatídica empatia com o espectador do filme. Spoiler: uma das cenas finais, quando Ray finalmente chega com Rachel em seu destino e a entrega para a mãe é memorável. Tom Cruise fica afastado da filha e da ex-mulher, a câmera aberta faz questão de mostrar que, após tudo o que passou nas últimas horas para chegar naquele lugar, Ray está deslocado e só (ele estava quase mais à vontade com os extraterrestres). E, quando estamos a ponto de mandar que alguém, pelo amor de Deus, seja educado e receba esse homem mais calorosamente, surge seu filho Robbie (que uma hora dessas está dado como morto pelo pai) e o abraça. Ok, ok, acho que eu é que sou piegas...

Eu poderia falar de outras coisas também, como a bela fotografia, os ótimos efeitos-especiais, a trilha-sonora adequada. Poderia falar também do final controverso, que muitos consideram ridículo (mas nem esse defeito consigo impor ao filme, pois considero esse final perfeito). Mas, na verdade, só queria comentar sobre uma outra coisa mais: Spielber conseguiu, nesse filme, me fazer sentir o mesmo que eu sentia nos seus filmes 'de antigamente' e voltei a ser uma criança entusiasmada. Eletrizante não é a melhor palavra para descrever as sequências de ação desse filme, elas são ultra-empolgantes, desconcertantes e, ao mesmo tempo, aterrorizantes e desesperadoras. Spielberg mostra nesse filme como é um diretor corajoso ao escancarar na tela quão fatais são os invasores. E essas sensações nos atingem, não importa quantas vezes já tenhamos assistido esse filme antes.

É uma pena eu não conseguir passar com tanta ênfase o que significam, em termos sensoriais, as inúmeras tomadas de ação esmagadora. É uma pena que eu termine o meu texto com uma sensação de que não consegui exprimir como Guerra dos Mundos é um filme emocionante demais, em todos os sentidos da palavra. Contudo, posso recomendá-lo, para que veja com seus próprios olhos e tire suas próprias conclusões.

Failure to Launch (Armações do Amor)

2010-05-23T16:54:00.004-03:00

2006
Comédia, Romance
Direção: Tom Dey
Roteiro: Tom J. Astle e
Matt Ember

Mais uma vez vejo muitas promessas gerando bastante decepção. Armações do Amor é um filme que tinha tudo para ser excelente e original, mas não passa de outra comédia romântica como tantas outras.

Al (Terry Bradshaw) e Sue (Kathy Bates) são um casal que não aguenta mais que Tripp (Matthew McConaughey), seu filho de trinta-e-tantos anos, more sob seu teto. Por isso, contratam Paula (Sarah Jessica Parker), que promete conquistá-lo e amadurecê-lo a ponto de fazer com que ele finalmente decidisse sair da casa dos pais e ir morar sozinho.

Armações do Amor, exceto por esse título horrível no Brasil, nem é ruim. Apesar de se resumir a apenas mais uma comédia romântica dentre tantas outras, é divertido, tem uma história interessante, personagens carismáticos, uma bela fotografia. Em um panorama geral, mesmo não figurando entre os melhores de sua categoria, é um filme que tem sua graça.

Contudo, poderia ser muito melhor. Com Kathy Bates no elenco, seria imprescindível que os pais do trintão tivessem mais relevância. Uma abordagem mais intensa no relacionamento do casal de meia idade que se encontra privado da liberdade pela presença ad eternum de seu filho renderia bons frutos - vide a ótima cena em que Al é surpreendido por Tripp alimentando os peixes do aquário, o surpreendente é que Al faz isso enquanto está completamente pelado. Em vez disso, o roteiro apostou em uma história comum e previsível, onde a problemática entre os pais e o filho não passa de uma desculpa para o envolvimento entre os personagens de Mathew McConaughey e Sarah Jessica Parker.

Esta última, por sinal, interpreta uma personagem com pouco carisma e que, apesar de ser a personagem principal, passa por uma tranformação que não convence. Mesmo no final do filme ela é extremamente arrogante e demonstra pouco sofrimento com a perspectiva do término de seu relacionamento com seu par romântico. Mathew, em contrapartida, está ótimo como o trintão ridículo, porém, sozinho não consegue fazer da paixão entre Tripp e Paula algo crível. O diálogo entre os dois, numa das cenas finais, é sofrível. Já o casal formado pelos melhores amigos de ambos, Kit (Zooey Deschanel) e Ace (Justin Bartha), é muito mais simpático e engraçadinho - eu torci mais para esses dois ficarem juntos do que para Paula e Tripp.

Outro detalhe do filme que me desagradou bastante foram as cenas em que Tripp é atacado por animais reconhecidamente dóceis. É um toque de pastelão gratuito e que não combina com o clima do restante do filme.

Enfim, continuo com essa sensação de que houve um desperdício de elenco, atores que poderiam render um filme ótimo - me arrisco a dizer que visualizava até um possível concorrente para Entrando Numa Fria Maior Ainda. Porém, acabei encontrando um filme legalzinho e que quer concorrer com Hitch, mas perde.

I am Legend (Eu Sou a Lenda)

2010-05-09T19:37:00.003-03:00

2007
Suspense, Ação
Direção: Francis Lawrence
Roteiro: Mark Protoseviche Akiva Goldsman

Esse filme me foi recomendado por diversas pessoas que não gostam de filmes de terror, nem de monstros. E ele me parecia que seria basicamente isso, de modo que a curiosidade aguçou.

O ano é 2012 e um vírus, originado pela tentativa de se conseguir a cura para o câncer três anos antes, havia transformado pessoas em desfigurados e desumanizados seres sedentos por sangue e com grande sensibilidade a qualquer tipo de luz. O único sobrevivente de New York, e talvez do mundo, é Robert Neville (Will Smith), um cientista imune ao vírus que se sente culpado por não ter conseguido conter a devastação do mundo. Acompanhado de sua fiel cachorra Samantha, ele se esforça por se manter vivo, não enlouquecer, encontrar outros sobreviventes. E tenta a todo custo descobrir uma cura para o vírus e conseguir reverter a situação.

Ao assistir Eu sou a Lenda, tive a impressão de que ele tinha alguma pretensão de ser uma versão de suspense de O Náufrago. Samantha faz as vezes de Bola Wilson - e é extremamente carismática e cativante. Mas Will Smith não é exatamente um Tom Hanks e, além disso, a ilha do náufrago não estava infestada de ‘zumbis’ noite afora. O desenrolar de Eu sou a Lenda é cheio de momentos dramáticos – que de fato me fizeram chorar bastante, mas fica a sensação de que tudo não passou de um pouco de forçação de barra para conseguir colocar mais profundidade a um simples ‘filme de zumbis’*. Porém, no fim das contas, Eu sou a Lenda acabou conseguindo realmente ser um ‘filme de zumbis’ diferenciado e muito bom.

Nesse ponto já deve haver várias pessoas gritando com a tela do computador: não são zumbis!!! Porém, eu peço desculpas a essas pessoas, pois continuarei me referindo ao filme dessa forma. Mesmo que tecnicamente os monstrinhos não sejam zumbis, pois não são mortos-vivos, mas são praticamente isso.

Voltando. Como eu disse, Will Smith não é exatamente o melhor ator de sua geração, mas ele consegue carregar o filme praticamente inteiro completamente sozinho, e consegue fazer isso com bastante competência. Já está se comprovando que ele é um ótimo ator e não apenas um ótimo comediante. Uma surpresa é a presença de uma brasileira, Alice Braga, filha da Sônia Braga. O papel não é grande, mas, tendo em vista a pouca quantidade de personagens ao longo do filme, digamos que ela é a terceira personagem com maior destaque na trama (claro, a Samantha é a segunda). E Alice Braga não faz feio e já mostrou um belo dum potencial (só desconte um tiquinho de puxa-saquice minha por ela ser brasileira).

Apesar disso, mais ou menos a partir do ponto em que a nossa brasileira aparece é que o filme começa a não me entusiasmar tanto quanto antes, culminando em um final que não me pareceu tão apoteótico quanto tenta ser. O ato heróico se mostrou mais como um pretexto para dar mais ênfase ao nome do filme, do que um final daquele tipo: ‘nossa, esse era realmente o melhor final para esse filme’.

Por esse motivo, e também por outros citados no início do meu texto, acredito que, apesar de Eu sou a Lenda ter conseguido se destacar dentre os ‘filmes de zumbis’, ele não me pareceu mostrar uma abordagem tão profunda quanto a de, por exemplo, Extermínio – o qual preciso rever, por sinal. Eu sou a Lenda é um filme realmente muito bom, do qual eu gostei muito. Mas é um pouco pretensioso.

* Deve-se destacar que o que eu estou chamando de zumbis são, de acordo com o romance homônimo no qual o filme foi baseado, vampiros. Não li o livro, mas no filme eles pouco se assemelham ao que classicamente se entende por vampiros.

MEME: Beldades do Cinema

2010-04-25T11:35:00.002-03:00

Com mais de um ano de atraso, finalmente me toquei que deixei para trás esse meme divertido que a Cecília, do Cenas de Cinema, me passou. A ordem é o seguinte: fazer uma lista com os atores que considero serem os mais lindos do cinema e, se for o caso, da tv.

Em ordem de beleza crescente, segue minha lista:

10. Ralph Fiennes

09. Jude Law

08. Antonio Banderas

07. Brad Pitt

06. Heath Ledger

05. Paul Newman

04. Joaquim Phoenix

03. Harrison Ford

02. Tom Cruise

01. Johnny Depp

Não vou repassar o MEME para ninguém, pois o tempo passou e já não sei quem já participou da brincadeira. Mas se alguém tiver a intenção de dar seguimento, me avisa nos comentários e eu colocarei o link abaixo.

John Tucker Must Die (Todas Contra John)

2010-04-11T15:04:00.000-03:00

2006
Comédia, Romance
Direção: Betty Thomas
Roteiro: Jeff Lowell

A gente sabe que coisa tá ficando feia quando começa a fazer críticas de filmes que assistimos na tv aberta. O pior é que o danado do filminho me prendeu e eu, que precisava dormir cedo, fiquei assistindo até o final.

O típico garoto popular, John Tucker (Jesse Metcalfe), é chegado em passar conversa nas meninas da escola. Ele já havia desenvolvido a impressionante (?) habilidade de fazer com que nenhuma garota ficasse sabendo de seus outros casos concomitantes, mas, logicamente, sua sorte não durou muito tempo. Heather (Ashanti), Beth (Sophia Bush) e Carrie (Arielle Kebbel) são três de suas 'vítimas', garotas com personalidades opstas e que descobrem que estavam sendo traídas pelo seu amado desde... desde sempre. Elas se juntam à típica, mas bonitinha, looser Kate (Brittany Snow) e a convencem a ajudá-las a se vingarem de John.

Acho que o que chamou a minha atenção para esse filme foi a aparente intenção de ser um novo 10 Coisas que Eu Odeio em Você. Dentre as semelhanças, destaco inicialmente duas: usaram uma das principais músicas da trilha-sonora desse ótimo filme, e o mocinho Scott (Penn Badgley) também tem cabelo comprido - mas seu papel é tão insignificante que não consegui colocá-lo na sinopse! Porém, o fator mais importante, que co-relaciona os dois filmes, é o diferencial no roteiro. Assim como o 10 Coisas... (e todos os outros), Todas Contra John tem uma história extremamente previsível, mas nos dois casos, ela não é igual à de nehum desses outros filmes do gênero (ou, pelo menos, não que eu saiba). Foi o interesse pela história inédita que me fez ficar no sofá quando o filme começou, e foi o fato de a história se mostrar interessante que me fez continuar no sofá até o seu final.

Mesmo assim, Todas Contra John não é um filme com a qualidade de seu 'muso'. Já que estou comparando, senti muita falta de um enfoque um pouquinho maior no personagem Scott; os personagens, inclusive a protagonista, são muito mais rasos; e o casal principal Kate+Scott não provoca tanta empatia quanto deveria, nem o 'sub-casal' Kate+John. O longa tenta ser inovador, mas acaba não sendo tão diferente do que se esperaria de um filme com a sua classificação.

Eu procurei ver quais outros filmes a diretora já havia feito, mas, apesar de eu não imaginar que encontraria algum título interessante em sua lista, me surpreendi ao descobrir que ela fez 3 filmes conhecidos: Dr. Dolittle, 28 Dias e Only You. Uma coisa eu digo, nunca imaginaria que esses filmes tivessem um mesmo diretor. E me surpreendi mais ainda com Only You nessa lista, que é um filme que eu gosto bastante.

No fim das contas, não sei se valeu a pena ficar acordada por causa do filme, mas ele me fez lembrar de 10 Coisas que Eu Odeio em Você, um filme que marcou minha adolescência, o que já é um ganho por si só. Todas Contra John é um filme mediano, mas não é tão ruim como a grande maioria dos filmes adolescentes dos últimos, sei lá, 10 anos.

The Exorcism of Emily Rose (O Exorcismo de Emily Rose)

2010-03-28T19:55:00.022-03:00

2005
Suspense
Diretor: Scott Derrickson
Roteiro: Paul Harris Boardman e Scott Derrickson

Um tempo atrás eu havia comentado com meu marido que eu estava precisando assistir um filme de suspense, de preferência um que eu nunca tivesse assistido antes E que fosse bom. Um ou dois dias depois eu vi que ia passar O Exorcismo de Emily Rose na tv aberta e, mesmo já tendo assistido antes, me agarrei a esse filme como se fosse água no deserto. Será que é por isso que eu gostei mais dele nessa segunda vez?

O Padre Moore (Tom Wilkinson) está sendo julgado pelo homicídio de Emily Rose (Jennifer Carpenter). Ele é acusado de ser o principal responsável pela sua morte após uma tentativa frustrada de exorcisá-la. Sua advogada, Erin Bruner (Laura Linney), tentará provar a inocência desse homem, enquanto começa a questionar suas próprias crenças.

Eu não havia me interessado muito por esse filme quando o assiti pela primeira vez. Eu gosto muito de filme de terror, como deve ser visível, e também gosto muito de filmes de tribunal. Acho que acabei criando uma expectativa muito grande para esse filme. Além disso, pelos rumores que havia ouvido, eu estava esperando por algo mais chocante, mais terror, e o que encontrei foi um suspense. Aí, caí no meu erro mais recorrente: não analisei o filme direito por despeito. Eu sou uma mocinha muito emotiva. Não no sentido de chorar à toa (se bem que eu choro à toa), mas no sentido de que meu emocional muitas vezes suplanta o meu racional. Enfim, dessa vez, eu estava tão cinematográficamente carente que fiz questão de ver o filme dublado mesmo. E, mesmo assim, fiquei fascinada com ele. Não duvido que seja meu lado emotiva falando mais alto (agora pensendo para o lado oposto), mas dessa vez eu tenho mais definidos os motivos que me levam a ter gostado tanto do filme.

Uma outra particularidade minha é comparar as coisas, ou relacioná-las. E aí que O Exorcismo de Emily Rose, que antes eu imaginava que seria muito como O Exorcista, acabou me lembrando um pouco A Profecia (1976). A característica que mais evidencia essa semelhança é o fato de o demônio agir não apenas pelo corpo da possuída (ou, no caso do filme mais antigo, pelo Damien), mas também de maneira completamente desligada dele. Ou seja, nos dois filmes o demônio utilizou elementos naturais e/ou tecnológicos para atemorizar, intimidar e, até mesmo, atacar aqueles que tentaram interferir em seus objetivos. Outra semelhança está num enfoque mais investigativo e psicológico que pode ser encontrado nos dois filmes: Erin tenta encontrar provas de que o Padre Moore é inocente, enquanto Robert Thorn investiga para tentar entender o comportamento estranho de seu filho adotivo - e são suas descobertas, somadas aos acontecimentos que eles próprios testemunham, que irão por em cheque tudo aquilo que sempre acreditaram.

Os três atores principais estão simplesmente excelentes. Laura Linney demonstra muito bem a crise na qual a sua personagem entra durante o filme, e ela faz isso de maneira coesa e muito realista. Jennifer Carpenter, praticamente estreando no cinema (afinal, quem era ela antes desse filme?), conseguiu dar conta do recado em um papel com forte carga dramática, mas sem ser caricata ou exagerada. Por fim, Tom Wilkinson entra tão bem no personagem que é difícil lembrar que ele não é, realmente, o Padre Moore. E é, em parte, graças à atuação desses três que o espectador chega a também ficar em dúvida quanto a que acreditar.

Ainda assim, a direção e a edição são os principais 'culpados' por esse grande acerto do filme (e que pode igualmente ser considerado o grande erro). As cenas se intercalam entre o julgamento e a história da possessão de Emily Rose propriamente dita. Tanto a medida contida de contar o filme, quanto esse vai e vem de cenas, fazem do filme algo extremamente realista e plausível. O roteiro também prima em manter tudo bem amarradinho e coerente. Todas as cenas e reações dos personagens são milimétricamente calculados, sem parecer mecânico e impessoal.

E é essa a grande crítica que pode ser feita à película. O filme prometia ser de terror, e com essa expectativa em mente, fica a sensação de que faltou ousar nas cenas de possessão, de que faltou mais choque. Algo mais ao estilo de O Exorcista mesmo. Foi o que fez com que eu, e muitos outros, tivesse ficado descepcionada com o que vi. Contudo, analisando friamente, tenho minhas dúvidas se seguir essa linha mais visualmente pesada teria resultado em um filme tão bom. Afinal, mesmo contidas, as cenas presentes em O Exorcismo de Emily Rose são suficientes para dar um clima tenso, assustador e sombrio ao filme.

O importante é se ter claramente que, apesar do marketing furado, a intenção do filme é ser um suspense de tribunal. Assista ao filme pensando nisso e não irá se decepcionar.

No Country for Old Men (Onde os Fracos não Têm Vez)

2010-03-07T17:53:00.015-03:00

2007
Suspense
Direção: Ethan Coen e Joel Coen
Roteiro: Ethan Coen e Joel Coen

Não é fácil. Depois de um tempo sem escrever sobre filmes, me sinto um pouco enferrujada. E ainda escolho escrever sobre um filme que eu não assisti há tão pouco tempo quanto eu gostaria. Mas, a bem da verdade, não há nenhum filme que eu tenha assistido há tão pouco tempo quanto eu gostaria. Por isso, dessa vez, vou direto ao assunto.

Llewelyn Moss (Josh Brolin) está caçando numa área rural do Texas quando descobre um cenário inusitado: vários homens assassinados espalhados entre carros abandonados. A cena demonstrava o que parecia ter sido uma negociação de venda de drogas que não havia sido bem-sucedida. Após encontrar uma mala contendo 2 milhões de dólares, Moss decide não contar nada à policia e ficar com o dinheiro. Porém, um matador psicopata, Anton Chigurh (Javier Bardem), parte em seu encalço para conseguir reaver o dinheiro. Moss tem poucas chances de escapar vivo, e uma delas está nas mãos do Xerife Ed Tom Bell (Tommy Lee Jones), que tenta desvendar o caso.

Quando eu penso em um filme de suspense, eu penso em muita coisa, mas eu não penso exatamente em Onde os Fracos não Têm Vez. Não que não haja suspense nesse filme, pois há e bastante. Mas ele não é um filme igual aos outros. Não é muito fácil de se explicar isso, pois na verdade ele também não é daqueles filmes que têm cara de vanguarda, todo cheio de inovações técnicas. O roteiro também não é dos mais anormais, tampouco a história em si. No entanto, quando penso em Onde os Fracos não Têm Vez, eu sei que ele é simplesmente diferente dos outros. E aí, eu me pergunto: a que se deve isso?

Acho que a resposta mais exata seria: se deve à direção. Os irmãos Coen já possuem em seu passado filmes que possuem esse mesmo ar diferenciado – porém, talvez nesses filmes anteriores isso seja um pouco mais evidente. O que acontece é que, acredito eu, a direção de Onde os Fracos não Têm Vez conseguiu colocar um toque peculiar muito sutil no roteiro e nos personagens, principalmente em Anton Chigurh.

O psicótico matador possui umas tantas características que o fazem se tornar um tanto irreal e, ao mesmo tempo, real até demais. É um personagem extremamente complexo, com um sem número de manias e uma enorme frieza. Ele é bastante tridimensional, tão esquisito que é fácil acreditar que é muito possível de se existir alguém assim – tem tanta gente estranha no mundo, não é mesmo? Porém, também são essas características, somadas a um roteiro que o transforma no homem mais temível e invencível que já se viu, que o faz, de certa forma, um homem mistificado. Não são apenas seus atos que o colocam em evidência, mas o modo como ele é visto pelos outros personagens. O nome chega antes do homem, o homem se torna uma lenda. Para interpretar um personagem como esse, não é à-toa que Javier Bardem tenha ganhado o Oscar. Mais do que merecidamente. Até agora ele me dá calafrios.

Em contrapartida, Llewelyn Moss é o que poderia se chamar homem comum. Ele não é um exímio atirador, como se prova logo no início do filme; não é um homem maldoso, violento, vagabundo; mas não é também o mais cheio de princípios. Só que o modo como ele consegue manter-se vivo, sendo perseguido por um matador do calibre de Anton, é, mesmo que verossímil, inacreditável.

E enquanto o ‘pega pra capá’ corre solto entre o mocinho e o bandido, temos, por outro lado, o Xerife Ed Tom Bell. O xerife passa uma sensação de segurança, mas é pacato. Homem da razão, menos do que da ação. Ed Tom Bell pensa, raciocina, segue pistas e tenta compreender e proteger. Quando ele aparece na tela, você sabe que poderá respirar novamente por alguns segundos. Tommy Lee Jones cai como uma luva no papel, apesar da sensação de ‘já te vi’ que algumas vezes ele nos proporciona.

A câmera é usada sem muitas delongas. Mostra tudo o que acontece, mas consegue manter uma certa distância dos personagens, sem muito drama ou blábláblá. Com exceção do final. Na minha casa, chegamos a parar o filme e voltar a cena, na tentativa de ver direito o que tinha acontecido. Não ajudou muito, mas também o mistério não é tão grande quanto parece. O final é anti-climático, mas é mais interessante do que se não o fosse. Porém,o recurso de se abafar a visão durante a cena ‘mais importante’ pode parecer inteligente à princípio, mas não me parece ter sido tão eficaz quanto os irmãos Coen poderiam ter desejado. Não vemos, mas deduzimos, até com certa facilidade, o que pode ter acontecido.

Onde os Fracos não Têm Vez é um filme ótimo, diferente do cinema-pipoca de sempre e que prende a atenção do início ao fim, mas ele é menos perfeito do que foi pintado. Isso não tira seus méritos, apesar de ser o que muitos já tentaram alegar. Um filme que não é perfeito? Sim, mas um filme ótimo.

Estou voltando. Aos poucos.

2010-02-28T11:55:00.000-03:00

Um ano de atraso. E mais um pouco! Com uma notícia boa e outra ruim.

A boa é que estou voltando para o Pipoca no Edredom, a ruim é que essa volta será aos trancos e barrancos. Para não criar expectativas, vou me comprometer com apenas posts mensais – de preferência, publicados o primeiro domingo do mês. Mas não posso prometer nada, apenas me esforçar muito para não deixar a peteca cair.

Não tem como eu dizer que vou postar com mais freqüência do que isso, de verdade. E o pior é que o problema nem é falta de tempo para escrever os posts, mas falta de tempo e oportunidade de assistir aos filmes. Pra se ter uma idéia, a última vez que assisti a um filme ‘de verdade’ foi em Junho de 2009. Triste isso.

Enfim, vou fazer uma forcinha para conseguir ver um filme por mês. Vamos ver no que dá.

Até domingo que vem!

Mais uma vez, ausência.

2008-12-01T17:21:00.000-02:00

Olá a todos os que ainda aparecem por aqui na esperança de encontrar algum post novo sobre filmes.

Bem, já faz algum tempo que eu não atualizo esse blog e o motivo é duplo:

1. Um problema técnico me impossibilita de acessar o blog com a frequência que eu gostaria.
2. Um 'problema' (que eu prefiro chamar de solução) pessoal tem tomado a minha atenção na maior parte do restante do meu tempo. Isso resultou em uma enorme diminuição na minha já precária frequência de assistir filmes. E sem filmes, sem posts.

Nesse segundo item, eu me refiro à minha mais nova alegria: existe um pequeno ser dentro de mim já há mais de três meses. Não, não se trata de lombriga ou parasita semelhante. É nada menos que um bebê. Poucas outras coisas coneguem tirar minha atenção desse fato, e duas delas são algumas outras mudanças pelas quais estou passando: uma no âmbito profissional e outra que mistura um pouco os âmbitos profissional e pessoal. Em meio a isso, não sobra muito tempo para que eu possa (ou tenha pique de) postar nesse blog.

Nas últimas duas semanas recebi alguns comentários em diversos posts espalhados pelo blog e eu fiquei muito feliz em ver que ele ainda interessa àqueles que são tão amantes de filmes quanto eu. Não posso deixar de dizer que o comentário deixado por Annix chegou a me emocionar! Eu peço desculpas pelo fato de não ter respondido a algumas perguntas feitas nesses comentários, mas um dos principais motivos de isso ter acontecido é o problema técnico já mencionado. Acho que a principal questão que ficou sem resposta foi quanto ao filme Um Estranho à Minha Porta, mas ainda hoje irei responder ao comentário.

Não sei quando o Pipoca no Edredom poderá voltar ao seu funcionamento normal. Talvez no início do ano que vem, algumas das mudanças pelas quais estou passando já tenham entrado em normalidade - algo por volta de Janeiro/Fevereiro. Aí, provavelmente eu voltarei a postar, pelo menos a cada duas semanas. Mas no início de Janeiro eu virei dar uma posição mais exata da situação.

Enfim, agradeço a todos que elogiaram até hoje o blog e que pacientemente ainda o visitam. Peço desculpas pelo sumisso, tanto deste blog, como por não visitar mais aqueles blogs que eu sempre tive o prazer de ler e comentar. Juro que ainda voltarei a frequentá-los, ok?!

Beijos e abraços a todos! E já desejo feliz festividades a vocês!

Até 2009!

Batman

2008-09-08T10:04:00.020-03:00

1989
Ação, Aventura, Suspense
Direção: Tim Burton
Roteiro: Sam Hamm e Warren Skaaren

E aí, com toda essa onda de The Dark Night que teve, resolvi rever os dois primeiros filmes do Batman. Não para comparar, apenas porque deu uma saudade e uma vontade de relembrar.

Bruce Wayne (Michael Keaton) é aparentemente um jovem extremamente rico e excêntrico, que gosta de dar festas em seu castelo em Gotham City. Porém, quando o céu escurece, ele é Batman, o rapaz atormentado que sofre com a lembrança de ter visto seus pais serem assassinados na sua frente, e que luta para que sua cidade natal seja liberta da violência e corrupção. com a ajuda de seu fiel mordomo Alfred Pennyworth (Michael Gough). Enquanto poucos acreditam que existe um justiceiro que aparece nas madrugadas para enfrentar os vilões que o crepúsculo traz, uma linda fotógrafa, Vicki Vale (Kim Basinger), pretende desvendar quem é o homem-morcego. Porém, alguém mais acredita na existência do Batman: Jack Napier (Jack Nicholson), que em um acidente ocorrido durante um tiroteio, pedeu a pouca sanidade que possuía e, desfigurado, passou a se auto-denominar Coringa.

Nem vou entrar na comparação entre este filme e os dois novos do Christopher Nolan. Primeiro porque é um filme do Tim Burton e devemos lembrar que seus filmes nunca foram... comuns. Segundo porque as épocas e os públicos são completamente diferentes.

Batman foi feito para adolescentes e jovens que conheciam o herói diretamante dos quadrinhos. Jovens que queriam ver a aventura do homem-morcego com toda a fantasia que permeava suas mentes, com as alegorias de uma cidade fantástica, lúgubre e perigosa. Tim Burton foi a melhor escolha que se podia fazer para retratar essa aventura e essa Gotham City. Tim Burton e seus cenários, que têm como clara fonte de inspiração o Expressionismo Alemão, era tudo o que o filme precisava para ser o sucesso que foi.

Ninguém esperava que fosse um filme complexo e que abarcasse com fidelidade impecável cada detalhe dos quadrinhos. Os garotos queriam tão e somente poder ver o Batman na telona, mas um Batman que não viesse acompanhado de "Tum" e "Ploft" e "Paf" e "Bam". Mas algo mais pesado do que o que o filme retratou provavelmente seria chocante demais para eles, e não seria bem aceito.

Talvez Michael Keaton não tenha sido a melhor escolha para interpretar o Batman. Sim, ele é um ótimo ator e ele conseguiu captar a essência do personagem sem mergulhar muito na complexidade que ele possui. Porém, convenhamos, Michael Keaton é demasiado diminuto para o papel. Não que ele seja nanico, mas estamos falando do Batman! E sua altura fica ainda mais em evidência quando se coloca Kim Basinger para fazer o papel da mocinha.

Então, chega-se inevitavelmente no Coringa. E todos esperam que eu opine, por fim, se o Heath Ledger se saiu ou não melhor do que Jack Nicholson. Pois bem, digo que não. E por um motivo já comentado acima: o filme que se esperava na época não poderia nunca conceber um Coringa com a carga dramática que Heath Ledger trouxe para as telas na versão mais nova. Não há um ator, entre os dois, que tenha sido 'melhor'. Heath Ledger esteve perfeito como o Coringa de The Dark Night, assim como Jack Nicholson esteve perfeito como o Coringa de Batman. Jack Nicholson conseguiu balancear humor negro e perversão como poucos poderiam fazê-lo e disso saiu o clássico Coringa que viveu no imaginário daqueles garotos durante anos a fio.

Os garotos cresceram e se tornaram homens e é para esses homens que foi feito Batman Begins e sua sequência. Mas Batman é apenas um filme de super-herói e foi criado como tal. E o filme é o que se esperava que ele fosse naquela época por aquele público. E digo, que mesmo depois de tantos anos, foi mágico revê-lo.

Saam Gaang Yi (Três... Extremos)

2008-08-25T10:00:00.005-03:00

2004
Suspense, Drama

Três... Extremos é o segundo volume a juntar três contos de três diferentes diretores e três diferentes localidades, tendo sido o primeiro volume chamado apenas Três. Para Três... Extremos foram selecionados três diretores asiáticos conceituadíssimos: Takashi Miike, do Japão; Fruit Chan, de Hong Kong; e Chan-wook Park, da Coréia do Sul.

Todos os contos têm em comum o que o próprio nome do filme já pressupõe: situações extremas. Todos abordam temas como a vaidade, inveja, ciúme, culpa, remorso; e sempre de forma crítica e inusitada. São contos sobre os seres humanos, quem quer que sejam e onde quer que estejam, e suas falhas. São contos que colocam as pessoas em situações adversas e extremas: o que você faria se não existissem os limites? Até onde o homem é capaz de chegar?

Box (A Caixa)
Direção: Takashi Miike
Roteiro: Haruko Fukoshima e
Bun Saikou

A escritora Kyoko (Kyoko Hasegawa) sonha todas as noites que está envolta em plástico, dentro de uma caixa, conforme é enterrada viva. Tristes lembranças de seu passado começam a se tornar cada vez mais recorrentes, enquanto ela tenta sobreviver ao presente.

De todos os contos, este é o que mais remete ao cinema oriental de terror que vem se tornando cada vez mais convencional. Mas, ainda assim, em nada ele é como os outros. Adimito, porém, que quando comecei a assistí-lo, fiquei meio preguiçosa de prosseguir, por crer ser mais do mesmo. Por sorte, insisti e descobri que na verdade ele é realmente mais do mesmo, ou melhor, muito mais. O tipo de narrativa faz-nos lembrar muitas vezes de A Tale of Two Sisters, mas o roteiro e a direção extravasam um pouco mais para o onírico. Bem, onírico talvez não seja uma definição exatamente precisa, mas acho que é a que mais se enquadra aqui.

Miike tem uma filmografia que o deixou mais conhecido por seus filmes de um terror mais gore e extremamente violento. E, somado ao título de Three... Extremes, o espectador acaba esperando por algo nessa linha. Porém, o curta é muito mais poético, suave e delicado do que se espera - mas ainda é possível reconhecer o Takashi Miike de Imprint. A história é confusa, e vai se tornando pesada conforme se torna clara, até culminar em um clímax denso e num final que causa certa angustia e estranhamento.

A fotografia é belíssima, assim como a trilha sonora; e o roteiro expesso se torna mais agradável em uma segunda vista, onde ele pode ser mais absorvido em alguns detalhes impossíveis de serem percebidos numa primeira instância. Destaque para algumas cenas com o uso já conhecido (e batido) da câmera que caminha lenta, seguida por dois cortes que adiantam a imagem - mas aqui, o recurso é somado a uma trilha sonora delicada que, ao contrastar com o efeito da câmera, evita o exagero que costuma resultar em seu uso mais recorrente (ou seja, quando combinado a trilhas sonoras pesadas e 'impactantes').

Dumplings (Escravas da Vaidade)
Direção: Fruit Chan Kwoh
Roteiro: Lilian Lee

A Sra. Li (Miriam Yeung Chin Wah) é uma atriz que vê sua carreira perder o brilho e seu marido se afastar. Culpando o avanço da idade, resolve recorrer a uma cozinheira local, Tia Mei (Bai Ling), cujos dumplings (uma espécie de pastel de carne, prato típico chinês) possuem a fama de rejuvenescer as mulheres.

O segundo curta conta com direção e edição um pouco mais tradicionais, chamando a atenção pelo tema, o modo de abordagem e pela fotografia de Christopher Doyle (A Dama na Água).

A câmera segura somada a uma fotografia colorida (com predominância do verde e do vermelho) deixam o filme visualmente belo e simples. Em contrapartida, Dumplings aborda a temática do apreço demasiado pela beleza física e pela juventude, além de também citar a questão do aborto e, mais superficialmente, o incesto. Essa abordagem é feita de uma forma drástica e exagerada, remetendo ao horror a que a vaidade pode levar. Assim, a beleza visual do curta mascara o grotesco brilhantemente retratado pelo roteiro – exatamente como acontece com seus personagens.

As atuações são primorosas, tanto de Bai Ling, indicada para o Hong Kong Film Awards como melhor atriz, quanto de Miriam Yeung. Destaque para uma das cenas finais, quando a Sra. Li está na banheira e a câmera dá um close em seu rosto – a expressão no rosto dela, que vem a seguir de movimento assustador (prefiro não relatá-lo aqui) que ela faz, é algo de gelar a espinha. Cheguei a ficar na dúvida quanto a possibilidade se ser essa a melhor cena para fechar o curta, apesar de a cena final ser psicologicamente ainda mais impactante.

Outro ponto de interesse são os efeitos sonoros. É fato que os efeitos sonoros dos filmes asiáticos têm muito peso e destaque. Isso acontece também nos três curtas de Three... Extremes. Porém, o fator psicológico fez com que o efeito do som dos dumplings sendo mastigados pela Sra. Li produza um resultado ainda mais efetivo do que o nos outros dois contos. Aliás, Dumplings me parece ser verdadeiramente o mais chocante dos três curtas apresentados.

Dumplings conta também com uma versão longa-metragem, de mesmo nome.

Cut
Direção: Chan-wook Park
Roteiro: Chan-wook Park

Um cineasta (Byung-hun Lee) e sua esposa pianista (Hye-jeong Kang) são presos em um set de filmagem por um figurante (Won-hie Lim). O figurante alega que o cineasta é um homem demasiado bom e que precisará provar ter alguma maldadedentro de si estrangulando uma garotinha. O tempo corre, e cada cinco minutos de exitação lhe custará um dos dedos de sua mulher.

Chan-wook Park. Aquele da trilogia Sympathy for Mr. Vengeance / Oldboy / Lady Vengeance. Aquele do humor negro estranho e inusitado. É também o diretor e roteirista do conto que eu mais gostei em Three... Extremes.

Este talvez seja o mais estranho dos três, cuja história parece mais violenta, descabida e tétrica (mas menos grotesca). Me chama a atenção por ser tão diferente dos outros (ou de qualquer outro filme). Assim como também me agradou o cenário; a fotografia, muito colorida e extravagante; e o domínio que o diretor tem com relação ao uso da câmera – visivelmente mais aprimorado e seguro do que nos outros curtas.

O tema do conto é a inveja (e, talvez mais mascarado, também o é nos outros dois). Da mesma forma, também em Cut, o desenrolar da trama tem conseqüências extremas – trama que, por sinal, é pouco complexa, diferentemente de seu final. Aliás, o final é algo que deixa o espectador catatônico e confuso.

Por fim, como não podia faltar, encontramos nesse curta o recorrente humor desajustado e ‘fora de lugar’ de Park – mas que também existe em uma dosagem que chega a ser impressionante. É um humor que nos pega desprevenidos, da risada que resulta mais pela surpresa e estranhamento do que pela verdadeira graça. E logo o tom do filme volta ao seu rumo anterior, como se nada tivesse acontecido. Não sei bem se é um humor negro tanto quanto é apenas humor, um humor à lá Chan-wook Park.

Um filme à lá Chan-wook Park.

Ratatouille

2008-08-17T15:29:00.008-03:00

2007
Animação, Comédia
Direção: Brad Bird
e Jan Pinkava
Roteiro: Brad Bird
e Jan Pinkava

Já fazia um certo tempo que eu assisti a última animação que me deixou empolgada. Teve Madagascar, teve Carros, mas apesar de serem desenhos engraçados e bem bonitinhos, não foram assim, como Shrek, Procurando Nemo, A Era do Gelo ou Os Incríveis. E eu já estava desistindo. Até assistir Ratatouille.

O pequeno ratinho Remy não é como os outros. Remy tem olfato e paladar aguçados que fazem com que sua mente divague imaginando os melhores sabores, as melhores combinações alimentícias. Remy não quer mais comer lixo, ele quer ser um cozinheiro! E é na amizade com o atrapalhado Linguini, faxineiro de um famoso restaurante cujo dono havia falecido recentemente, que Remy encontra a possibilidade de realizar seu sonho.

Meus pais já haviam avisado: não é um desenho para crianças. E mais: é ótimo! Eu, confesso, não havia entendido muito bem o que eles quiseram dizer com isso. Lembrei de Os Incríveis, que continha diversas piadas a respeito da meia-idade, mas não conseguia imaginar que tipo de piadas poderiam ser as de um desenho sobre um ratinho cozinheiro. Pense comigo, um desenho sobre um ratinho cozinheiro. Quer coisa mais bonitinha e 'pra crianças' do que isso?

Pois bem, fui lá assistir a tal animação. Primeiro: no final expeli até minha alma pelos olhos; me matei de chorar. Segundo: não é para crianças. Terceiro: é ótimo!

Explicando. Claro que se uma criança assitir o desenho vai achar uma gracinha e vai achar o Remy cuti-cuti,e tal; mas estou certa que vai perder 80% do que ele tem a oferecer. O que deixa o filme 'adulto' não são as piadas, é o roteiro. O roteiro é muito mais complexo e trabalhado do que pode parecer, e, arrisco, um pouco tenso demais para uma criancinha. Eu fiquei mais da metade do tempo apreensiva, achando que a qualquer momento algo terrível iria acontecer - acho que é por isso que chorei tanto no final, a tensão acaba e a gente tem que colocar ela pra fora de alguma forma. De qualquer forma, o roteiro tem um desenrolar nada óbvio que ruma para um final incomum e delicioso.

Os personagens são lindamente trabalhados e, creio eu, essa foi a primeira animação que não possui o típico personagem puramente engraçado que fica na cola do personagem principal o tempo todo. O Remy é, de fato, cuti-cuti; o Linguini é engraçado - mas de uma maneira diferente - e simpático; o crítico gastronômico Anton Ego é formidável e a caracterização dele, perfeita; a cozinheira Colette é uma graça; e o chefe Gusteau é, literalmente, fofo. Talvez o personagem que eu menos tenha gostado seja o chefe Skinner, um pouco caricato demais.

O filme é muito lindo, e, se me permitem sugerir, não deve ser assistido com fome. Dá muita vontade de mergulhar nas sopas e nos pratos refinados do Remy. Aliás, ainda vou querer aprender a fazer... ratatouille.

The Dark Knight (O Cavaleiro das Trevas)

2008-08-11T10:07:00.004-03:00

2008
Suspense, Ação, Aventura
Direção: Christopher Nolan
Roteiro: Christopher Nolan,
Jonathan Nolan e David S. Goyer

Não vou dizer que era o filme pelo qual eu mais esperava esse ano, mas com certeza foi o segundo. Não vou dizer que Heath Ledger nada teve a ver com isso, mas eu já estava curiosa para vê-lo na pele do Coringa antes de seu falecimento. E lá fui eu, cinema adentro, com a expectativa no colo – e ela estava prontinha para rir da minha cara.

Aqui Batman (Christian Bale) já é Batman. Mas o seu sonho de limpar Gotham City parecia que nunca se realizaria, principalmente com a chegada de um novo malfeitor: o Coringa (Heath Ledger). Porém, com a ajuda do promotor de justiça Harvey Dent (Aaron Eckhart) e do ainda não comissário James Gordon (Gary Oldman), talvez a hora de acabar com a corrupção tenha finalmente chegado.

E lá estávamos nós: o cunhado, o marido, eu e ela – a expectativa. E a cada minuto do filme, eu a via ficar cada vez menor. Até que as luzes se acenderam e quem riu fui eu. Ela havia sido superada.

Eu sei que eu não tenho o conhecimento técnico necessário para analisar o que foi esse filme com relação à HQ. Mas, o que diabos foi aquilo? Como filme, não como adaptação. O melhor filme de super-herói que eu já vi. Perfeito.

As ótimas qualidades de Batman Begins aqui se mantém. Cenário, roteiro, fotografia, direção e figurino. Grifei figurino, pois espero que quem ainda não tenha assistido ao filme, atente bem para ele. Mas gostaria de salientar com palavras o roteiro. O roteiro magistralmente construído para que em cerca de 145 minutos a gente não tenha um segundo de enfado. O roteiro que tem, mais ou menos, uns 5 clímax, sem que a gente se canse deles. Ele consegue esmiuçar todos os personagens - bem, pelo menos aqueles que nos interessam – e da forma que nos interessa. Ele mostra o que a gente quer ver, e mostra bem, mostra na dosagem certa.

E, novamente, um destaque: elenco. Uma mudança, a namoradinha Rachel Dawes teve Katie Holmes trocada por Maggie Gyllenhaal – troca que não teve muito impacto. Talvez Christian Bale tenha exagerado na voz gutural em umas duas cenas, mas ele ainda continua sendo O Batman do cinema. Aaron Eckhart e Michael Caine indiscutivemente fantásticos e Gary Oldman brilhante e perfeito, como sempre. Aliás, Gary Oldman transformando o Comissário Gordon em um personagem de empatia cada vez maior.

Mas não me alongarei mais. Por fim, chego no Heath Ledger. Como eu disse, meu conhecimento sobre a HQ é muito pequeno. O que eu conheço do Coringa me foi apresentado pelo grande Jack Nicholson, por algo de desenho animado e pelo que me contam amigos que liam os quadrinhos. Mas isso já foi o suficiente para que eu tivesse, numa listagem pessoal, esse personagem como o melhor vilão das histórias de super-herói que eu conheço. Eu gostava do sadismo, das piadas de mau gosto, do humor negro, das roupas, do modo de falar, da insanidade aparente, da inteligência aguçada, do não ter nada a perder.

Heath Ledger juntou isso tudo, mas deu ainda mais um passo. Ele foi além, até o figurino e a maquiagem ultrapassaram os limites. Aliás, está aí uma palavra que o Coringa de Ledger parece desconhecer: limites. Ele quebra as barreiras do simples humor negro – ainda não inventaram uma palavra que defina o grau de escuridão daquele humor. O modo como ele se move, o timbre da voz, a construção das frases – ou melhor, a pontuação das frases -, o tom da risada – e os momentos em que ela resolve aparecer -, a postura, o olhar, os tiques que ele faz com a boca. O conjunto todo é perfeito, e os detalhes são, cada um, algo a se prestar atenção. Mas, claro, devemos dar crédito não só a ele, porque, além de bem executados, aqueles diálogos/monólogos do Coringa são simplesmente aterradores – mesmo que estivessem sendo lidos por um ursinho cor-de-rosa. Só que, para nossa alegria, foram recitados pelo Coringa. Pelo Coringa de Heath Ledger.

Frase Marcante:

* Coringa: “Why so serious?”

Batman Begins (Batman, O Início)

2008-08-04T08:27:00.010-03:00

2005
Ação, Aventura, Suspense
Direção: Christopher Nolan
Roteiro: Christopher Nolan
e David S. Goyer

Então, depois de 8 anos sem Batman (ou 13 anos sem um bom Batman), eis que surge uma luz - ou, no caso, a escuridão completa.

Quem não conhece a história? O jovem ricaço de Gotham City, Bruce Wayne (Christian Bale), depois de anos se culpando pela morte dos pais, depois de anos apenas sobrevivendo à vida, é instruído pelo misterioso Henri Ducard (Liam Neeson) a usar seus medos e culpas a seu favor. A levar justiça e acabar com o crime em sua cidade natal. Com a ajuda de seu mordomo Alfred (Michael Kane), e de um dos funcionários de sua empresa, Lucius Fox (Morgan Freeman), Bruce Wayne se tornou o Batman.

É sabido que o Batman tem uma bela lista de vilões. E eu, com meu parco conhecimento sobre HQ e Batman, tenho para mim que dentre eles estão os melhores vilões já desenvolvidos. E o Batman, é um dos heróis que mais gosto – graças a Tim Burton.

Bom, o fato é que eu estava bem ansiosa para assistir esse filme e, por sorte, o assisti em um ótimo cinema. O que, acredito, é essencial para um filme desse calibre. E enchi meus olhos. De todos os Batmans que eu já vi, Christian Bale parece ter sido o que melhor captou a essência do personagem. Sem falar no Jim Gordon (ainda não Comissário), vivido pelo espetacular Gary Oldman – o maior camaleão que o cinema já viu; ou no Michael Caine, perfeito como o mordomo Alfred (mas igualmente perfeito foi Michael Gough em todos os anteriores).

Ainda no “enchi meus olhos”, fiquei boquiaberta com a ambientação. Os cenários são obscuros sem serem alegóricos, Gotham City é muito menos irreal nesse filme e a existência de um herói vestido de morcego é menos absurda também. É tudo muito bem dosado! E a história, para uma leiga que ainda não a conhecia por completo, foi um delírio; imagine para os fãs de verdade, aqueles que leram todos os quadrinhos ? – porque todos me disseram que estava perfeita. Poder ver de onde veio a fobia por morcegos, ver como de fato Bruce Wayne virou o Batman, conhecer o Comissário Gordon antes da ‘ fama’... E foi tudo feito com o respeito e a grandiosidade que o Batman merece. Ou seja, roteiro perfeito.

Quanto ao vilão. Bem, não posso dizer que o Espantalho (Cilliam Murphy) seja meu vilão favorito – nem perto disso-, mas acredito que foi a melhor escolha para esse filme. O enfoque de Batman Begins é o Batman, por isso, um vilão não tão renomado poderia desviar a atenção do espectador e competir com o grande astro. O Espantalho é interessante o suficiente para ser um bom desafio para esse novo Batman, mas também não é tão complexo a ponto de ofuscá-lo.

Parece que Christopher Nolan acertou a mão em tudo: elenco, cenário, roteiro, figurino, fotografia e, claro, direção. Enfim, para quem ainda não entendeu o que estou querendo dizer: o filme é perfeito.

Ils (Eles)

2008-07-27T08:34:00.001-03:00

2006
Suspense
Direção: David Moreau
e Xavier Palud
Roteiro: David Moreau
e Xavier Palud

Finalmente, consegui assistir um dos filmes mais elogiados do ano passado. Um filme francês, ambientado na Romênia, um filme baseado em fatos reais. Um filme quase unanimemente ótimo.

A professora de francês Clémentine (Olivia Bonamy) e o escritor Lucas (Michaël Cohen) acabaram de se mudar da França para Bucareste, onde estão morando em uma casa grande e isolada. Em uma noite comum, sons estranhos despertam o jovem casal francês, que logo descobre que a casa está sendo invadida... por Eles.

Quando o filme começou eu pensei: Uh. Clichê... Quando o filme continuou eu pensei: Uh! Clichê... - dessa vez já desencostada do sofá e um pouco aflita. Quando o filme estava acabando eu pensei: Uuuuuh!!! - com os olhos arregalados.

Mas e então? O filme é clichê? E o filme é ou não é bom?

É, a história não tem absolutamente nada de clichê, o final completamente inesperado é chocante e terrível. Mas o roteiro, pelo menos até boa parte do tempo é um roteiro tão clichê quanto Alta Tensão. Mas, hei! É só você se lembrar da qualidade deste último para concluir que clichê não é uma característica puramente negativa. Basta saber usá-lo.

Olhe bem a sinopse de Eles e verá do que eu estou falando. Agora, some ao "casal em casa grande e isolada sendo invadida" a seguinte cena inicial do filme: mãe e filha quase atropelam algo na estrada e o carro para de funcionar, é noite, algo espreita no escuro, susurros são ouvidos, começa a chover... Pensa bem, se isso não é clichê eu desconheço o que seja. Porém, a cena inicial é ótima, muito bem construida, e logo depois ela já passa a ser o grande motivo que nos deixa apreensivos antes mesmo de todo o suspense realmente começar. E isso, sem precisar forçar a barra como fez Quando um Estranho Chama.

É imprescindível dizer que, apesar de a temática "quem/o que será que está à espreita" + "surpresa no final" já estar batida e apesar de ser tida como um caminho seguro a se seguir em um filme de suspense, ela é perfeita para Eles. E acho que foi justamente isso o que permitiu que a história se tornasse ainda mais desesperadora. O roteiro caminha para que o final, não só por ser um final surpresa, seja simplesmente chocante e aterrador. E só quem assistiu o filme entende o que eu quero dizer com isso. Acredito que a história por si só é terrível, mas que se ela fosse contada de outra forma, se a gente já soubesse quem são Eles logo no começo do filme, já na metade dele o 'respeito' pelo assassino poderia ter se perdido por completo. Ou seja, o choque que sentimos no final teria ocorrido cedo demais.

Em suma, os dois diretores e roteiristas fizeram um excelente trabalho. Obviamente foram eles quem criaram o suspense em torno de uma terrível história real. E é deles o mérito de o filme não ter se tornado um desastre (coisa que, com uma história dessas, poderia facilmente ter acontecido). O filme é ótimo, tenso e impressionante. Se você ainda não viu, corra pra locadora já!

Terminator 3: Rise of the Machines (O Exterminador do Futuro 3: A Rebelião das Máquinas)

2008-07-19T17:18:00.000-03:00

2003
Ação, Aventura
Direção: Jonathan Mostow
Roteiro: John Brancato, Michael Ferris e Tedi Sarafian

Acreditem se puderem, eu ainda não tinha assistido esse filme. Motivo: eu estava morrendo de medo de me decepcionar. Mas, depois de apresentar os dois primeiros ao meu marido, não dava para deixar de assitir a esse.

John Connor (Nick Stahl) já não é mais uma criança e já não tinha mais sua mãe para protegê-lo. O dia do Julgamento Final já passou e nada aconteceu, nenhuma bomba explodiu e nenhuma máquina se revoltou contra os humanos. Eles haviam conseguido mudar o curso do futuro. Mas por que John continuava fugindo, se escondendo? Só que ele estava certo, pois mais uma vez um exterminador, modelo T-X (Kristanna Loken), quer matá-lo. E não só a ele. Kate Bruester (Claire Danes), uma antiga colega de escola, também é um dos alvos de T-X e, agora, John e Kate precisam da ajuda do Exterminador (Arnold Schwarzenegger) - novamente enviado do futuro.

É legal ver o Arnold Schwarzenegger, mais de dez anos depois, novamente no papel que o consagrou. É o máximo ouví-lo outra vez dizer "I'll be back". Mas fica a dúvida se era realmente necessário mais um filme. Schwarzenegger já está velho, temos que admitir. E foi também um pouco assustador ver a carona (= grande rosto) dele, já meio passada.

Existem passagens do filme engraçadas, ao bom estilo do segundo filme, mas talvez não tão boas. Nick Stahl não é tão cativante quanto Edward Furlong (John Connor no Exterminador 2) e Claire Danes não nos passa aquela força que tem a Sarah Connor (Linda Hamilton) do segundo filme, nem sua delicadeza/confusão do primeiro - apesar de eu adorar a Claire Dannes. Sem falar que o Robert Patrick (T-1000) é muito mais legal que a Kristanna Loken - e o ciborgue T-1000 é muito mais legal que a T-X.

Porém, se eu não fosse fazer nenhuma comparação, eu ia concluir que O Exterminador do Futuro 3 é bem legal. Tem bastante ação, tem uma pitada de comédia, uma boa história, um pouquinho de romance. Mas também não é nada marcante. Além do que, tem bastante ação mesmo. O filme demora muito pra começar - no sentido de contar a história, apresentar os personagens e etc. -, é tanta perseguição e bombas e tiros, que a gente chega a cansar. São cenas muito legais e emocionantes, mas fica um gostinho de 'eu bem tava querendo saber quem é essa moça que tá com eles e o que ela tem a ver com tudo isso' enquanto todo o auê está acontecendo. E essa sensação acontece não de um jeito bom.

E, como continuação - e como já deu para concluir -, o filme é, de fato, um pouquinho decepcionante. Mas ia ser muito difícil conseguir equiparar-se com O Exterminador do Futuro 2, né.

Pausa

2008-07-01T09:08:00.002-03:00

O negócio é o seguinte. Tempo. Aquele que sempre sabe como atar as nossas mãos. Pois é, por causa dele não pude postar nos últimos dois domingos e também ando sem assistir filmes. E, se nem tempo de assistir filmes eu tenho, peço desculpas por também não conseguir visitar os meus "vizinhos" bloggeiros. A coisa tá bem feia.

Mas uma coisa é certa. Eu vou postar no próximo domingo e vou retomar meus posts semanais, ou, pelo menos, prometo que vou lutar muito por isso. Talvez as visitas demorem um pouco mais para eu conseguir encaixar no meu horário, mas de vez em quando vou dar uma passadinha rápida por aí.

Beijos a todos e até domingo!

Terminator (Extermidador do Futuro) - 1 e 2

2008-06-16T09:26:00.016-03:00

Terminator (O Exterminador do Futuro)

1984
Ação, Aventura
Direção: James Cameron
Roteiro: James Cameron e Gale Anne Hurd

Terminator 2: Judgment Day
(O Exterminador do Futuro 2: O Julgamento Final)

1991
Ação, Aventura
Direção: James Cameron
Roteiro: James Cameron e
William Wisher Jr.

Sabe o que é gostoso? Assistir um filme que você sabe que é super legal com uma pessoa que você sabe que vai gostar e que nunca tinha assistido antes.

Em 2029 o mundo já não será mais o mesmo. Existem poucos humanos na Terra, que agora estão em constante guerra contra as máquinas. E dentre todos os homens, só há uma esperança: John Connor, o líder da resistência. Assim, as máquinas enviam um Exterminador (Arnold Schwarzenegger) para eliminar sua mãe, Sarah Connor (Linda Hamilton), antes que ela pudesse concebê-lo; mas a resistência também envia alguém para protegê-la, um homem chamado Kyle Reese (Michael Biehn). Anos depois, outra tentativa é feita pelas máquinas. Enviam um Exterminador mais avançado, modelo T-1000 (Robert Patrick). E novamente a resistência também precisa enviar alguém, mas dessa vez um Exterminador (Arnold Schwarzenegger) cuja programação havia sido alterada: proteger John Connor (Edward Furlong).

É muito gostoso rever um filme legal. Principalmente quando a gente pouco lembra dele. Mais principalmente ainda, quando a pessoa que está do nosso lado
nunca assistiu e parece estar adorando. Foi assim que eu reassisti os dois primeiros filmes do Exterminador do Futuro. E, no caso do primeiro, eu realmente não lembrava de absolutamente nada. Foi quase como seu eu estivesse assistindo pela primeira vez, não fosse a constante sensação de dejà vu, durante toda a sua duração.

O primeiro filme é muito bom. E tem uns furos engraçadíssimos, como quando o Exterminador aborda uns rapazotes, depois aparece vestido com a roupa de um deles e, apesar de o rapaz ser 10 vezes menor do que o Schwarzenegger, a roupa ficou até um pouco folgada no ciborgue. Mas isso só deixa o filme mais simpático.

É engraçado ver como supostamente o protagonista do primeiro filme, juntamente com a Linda Hamilton, é o Michael Biehn; porém, a gente pouco lembra do ator ao falar sobre o filme, já que a presença do Schwarzenegger é muito mais marcante. E isso não porque ele faz o papel do super ciborgue, pois no segundo filme ele já é bem "ultrapassado" e mesmo assim sua presença é muito forte. O fato é que o Schwarzenegger é extremamente cativante, não importa se ele é o mocinho ou o bandido.

E talvez, por dessa vez ele ser o mocinho, o segundo filme é ainda melhor. Lutas antológicas entre os Exterminadores, muito boa atuação de Robert Patrick, e Linda Hamilton está novamente ótima. Schwarzenegger está simplesmente perfeito e engraçadíssimo em suas tentativas de se parecer mais descolado. Esse toque de humor dos filmes dele sempre me ganham. Adoro isso.

Uma análise mais profunda a respeito desses filmes eu não tenho muita coragem de fazer, pois sou pouco entendida quando o assunto é Sci-Fi. Mas, numa pincelada superficial, posso dizer que o filme traz, além das cenas de ação, uma abordagem mais filosófica a respeito do capitalismo, da tecnologia e também do próprio homem. As cenas mais focadas em Sarah Connor no segundo filme, principalmente quando ela percebe o apego de seu filho pelo ciborgue são um bom exemplo disso.

No mais, James Cameron arrasa na dosagem entre ação, risos e carisma. Tem de tudo, principalmente no segundo filme, e na medida certa. E o tema, me parece que nunca ficará ultrapassado. Nem mesmo quando as máquinas realmente dominarem o mundo. Pois eu já estou começando a acreditar que isso é bem possível. Heh.

Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull (Indiana Jones e o Reino da Caveira de Cristal)

2008-06-03T08:39:00.015-03:00

2008
Ação, Aventura
Direção: Steven Spielberg
Roteiro: David Koepp, George Lucas e Jeff Nathanson

Lembra quando eu estava falando que eu queria ser imparcial ao falar de Donnie Darko? Bom, dessa vez eu não quero ser imparcial. Nesse caso, como disse o Rick Lima, que se dane a imparcialidade. Pois, para quem não sabe, um aviso: eu adoro Indiana Jones!!!

Indiana Jones (Harrison Ford!!!!) está de volta, e dessa vez sua busca é por uma lendária Caveira de Cristal que concomitantemente está sendo procurada pelos russos. Como de costume, Indy foi novamente envolvido na história por ser um estepe. Os russos já haviam sequestrado o verdadeiro especialista com relação a lenda, o Professor Oxley (John Hurt), mas um forte motivo os obrigou a procurar outra pessoa para chantagear. Mas não só os russos precisam do Dr. Jones para essa aventura, um rapaz chamado Mutt (Shia LaBeouf) também o procura à pedido de sua mãe: nada mais, nada menos que Marion Ravenwood (Karen Allen!!!!!!!!!).

Ah, gente!!!!! Não dá!!! Eu posso só ficar aqui falando como esse filme é o máximo, ou como o Indiana Jones é o máximo, ou como o Mutt é o máximo, ou como a Marion é o máximo, ou como...? Posso? Posso?

Pois bem. Esse filme é o máximo!!!!!!!! Claro que perfeito ele não é. Achei um pouco mais absurdinho que os outros, tem um leve problema com geografia, e o título, apesar de condizente com a trama, é muito breguinha, né! Mas... esse filme é o máximo!!!!!!! Só me fez virar ainda mais fã do Spielberg e do George Lucas! O filme está muito engraçado (de longe, o mais engraçado dos quatro), a história é ótima, tem a Marion (!!!)...

Eu lembro que inicialmente foi divulgado que o roteiro tinha o Sallah - interpretado por John Rhys-Davies (o "Brutus" simpático que aparece no 1° e no 3° filme), além de, claro, o Dr. Henry Jones - por Sean Connery. Porém, nenhum dos 2 atores entrou para o elenco e o roteiro precisou ser levemente modificado. Além disso, Denholm Elliott, que interpretou o Dr. Marcus Brody (o professor meio atrapalhado) no primeiro e terceiro filmes, já havia falecio em 1992*. No lugar do Marcus apareceu outro professor na faculdade, vivido por Jim Broadbent; no lugar do Sallah apareceu um outro companheiro para Indiana Jones; e no lugar do Dr. Henry Jones, ficou o Professor Oxley. Mas gente, essas mudanças são especulação minha, viu. Nada oficial. O fato é que os papéis dos novos personagens parecem mesmo se encaixar no que poderiam ser os papéis dos antigos. E, apesar de ter ficado tudo muito bom, e de eu gostar muito do Jim Broadbent e do John Hurt, eu acho que teria sido fantástico rever, principalmente, o Marcus e o Sallah, assim como o Dr. Henry Jones na telona.

Bom, ação é o que não falta nesse filme. Não há um minuto de sossego, a gente ri a rodo e fica vidrado na tela para ver o que é que vai acontecer a seguir. A vilã russa, de Cate Blanchett, é perfeita (muuuito melhor que a loira aguada do terceiro filme). Soube que a Cate chegou a dizer que ela queria era ter feito o papel do Indy, mas, como isso não ia ser possível, ela ficou muito feliz em ser a vilã!

Falando nisso... O Indiana Jones é o máximo!!!!!! O Harrison Ford conseguiu superar os visíveis problemas de idade (ou seja, ele tinha muita) e rejuvenesceu uns 20 anos (porque, né! ele estava decrépito pouco antes de começarem a falar sobre filmarem essa quarta parte!). E novamente ele é o Indiana Jones. Não havia a menor dúvida de que aquele que eu via na tela era um arqueólogo cheio de banbanban, mesmo depois de terem se passado uns 15 anos desde sua última aventura.

Ah, mas o Mutt também é o máximo!!! Quando eu vi o Shia LaBeouf em Transformers eu o aprovei no ato. Esse menino vai estar à altura de ser o filho do Indiana Jones, pensei. Só que esse menino cresceu e me deixou de queixo caído. Ele não esteve à altura. Ele esteve per-fei-to! Ele fez o tipo machão fofo, se é que isso existe, e não tinha filho mais legal para o Indiana Jones ter! E, melhor, com quem ele teve!!!!

Pronto, chegamos onde eu queria. A Marion é o máximo!!!!!! Ela é e vai continuar sendo a mocinha mais legal de todos os Indiana Jones, na verdade, de todos os filmes de aventura ever! Ela é durona, ela sabe beber, ela é lindona, brava e a mais fofa!!! Não há dúvidas, se existe um personagem de filme que um dia eu sonharia em ser, taí, a Marion. Mas eu senti falta dela, queria ter visto mais Marion. Ficou faltando ela aparecer bebendo!!

Enfim. Venham fãs do bom cinema de 80. Venham fãs de Indiana Jones. Deliciem-se nessa aventura que recria tudo o que o cinema tinha de bom e que fazia tempo que não se produzia mais. Sem falar nas inúmeras homenagens que Indiana Jones e o Reino da Caveira de Cristal faz aos seus filmes precedentes. É de encher os olhos de lágrimas.

* Foi o bloggeiro Daslei (vulgo Owtlaw) quem fez o grande favor de me avisar dessa perda. Uma perda irreparável, o Marcus faz tanta falta... Mas, obrigada, Owtlaw, pela atenção!

Blue Velvet (Veludo Azul)

2008-05-18T19:38:00.001-03:00

1986
Suspense
Direção: David Lynch
Roteiro: David Lynch

Vamos ser sinceros. Eu não tenho nenhuma pretensão de dissertar profundamente a respeito de Veludo Azul e David Lynch. Mas vou dar uma pincelada nas minhas impressões gerais, lembrando até do que já li de um e de outro.

Em uma pacata cidadezinha americana, o pai de Jeffrey Beaumont sofre um enfarte, o que traz o rapaz de volta à cidade. Porém, voltando do hospital, Jeffrey (Kyle MacLachlan) encontra uma orelha humana em uma área não habitada da cidade e vai comunicar o Detetive Williams (George Dickerson). Impulsionado pelo seu gosto por mistérios, Jeffrey descobre com a filha do detetive, Sandy (Laura Dern), algumas informações que poderiam ajudá-lo a desvendar o estranho caso. Seguindo uma pista, o jovem se envolve com a misteriosa cantora Dorothy Vallens (Isabella Rossellini) e com o violento e prigoso Frank Booth (Dennis Hopper).

Quando Veludo Azul chegou ao fim, eu não fazia idéia se tinha gostado ou não do filme. Na verdade, enquanto o filme ainda passava na tela, até certo momento, cheguei a pensar em desistir de continuar a assistí-lo, tão esquisito tudo aquilo me parecia. Mas no dia seguinte minha mãe veio me perguntar como o filme tinha acabado (pois ela de fato desistiu de assitir), e eu comecei a contar tudo, tintim por tintim. E não é que a cada coisa que eu ia contando, mais eu ia percebendo que eu tinha mesmo gostado do filme?

Bom, vamos por partes. Eu não sou expert em cinema, esse blog é um grande hobby meu, e mesmo eu tendo pesquisado um pouco, com certeza deixarei coisas faltando ao analisar o filme. David Lynch já havia feito outros filmes, como Eraserhead (1977) e O Homem-Helefante (1980), e já era um diretor conceituado quando fez Veludo Azul. Não conheço muito o cinema dos anos 80, mas ao que eu saiba, pouco se fazia de diferente do "normal" naquela época. Claro, existia Kubrick já desde muito antes, mas o cinema tradicional de Hollywood era ainda a maioria quase absoluta, com algumas exceções de filmes europeus (normalmente aquele tipão paraaaado) que se destacavam aqui e ali.

Veludo Azul é o meu segundo filme de David Lynch. Já havia assitido Cidade dos Sonhos (2001) há um bom tempo atrás e já não tinha entendido nada. Inclusive eu ainda estava iniciando a minha incursao no mundo do cinema, de modo que precisarei revê-lo. Porém, ao assistir Veludo Azul, achei que este não é tão complexo em termos de roteiro, mas tão ou mais estranho quanto o outro. Agora, fico pensando que se eu, que até já estou acostumada com a variedade atual de filmes diferentes, tive uma certa dificuldade em captar as nuances de Veludo Azul, imagino a ruptura que deve ter sido na cabeça daqueles que o assistiram em 1986.

O início do filme, acredito eu, é a parte mais chocante. Talvez pelo fato de que você acabará se acostumando com a estranheza e se deixará envolver durante o restante da película. Ainda assim, é um baque. Tanto a sequência de abertura, com as flores coloridas, as crianças brincando, o fundo musical da década de 60, todos sorrindo e tranquilos - a cidade perfeita? -, que finaliza com o enfarte de um senhor que está regando as plantas do jardim e se fecha em um close de insetos grotescos na grama verde; quanto um pouco mais à frente, quando Jeffrey conhece Dorothy e Frank em seus acessos de sadomasoquismo e loucura.

Aliás, destaque para as atuações de Isabella Rossellini e Dennis Hopper. Perfeitos. Já Kyle MacLachlan, tive dificuldades em analisar seu desempenho, pois não conseguia me distrair do enorme queixo que o rapaz possui. Sério, enorme. Eu sei que é ridículo, mas desculpe-me, sou humana. De qualquer modo, não creio que isso teria acontecido comigo caso ele fosse um excelente ator.

Voltando à sequencia inicial do filme, eu acredito que de certa forma ela mostra que aquela cidade pacata, que parece tão perfeita e inofensiva, esconde horrores que não se vê na "superfície". Por isso o close nos insetos grotescos. Também pode ser vista como uma crítica, já que a suposta perfeição da cidade é mostrada de forma tão caricata e exagerada que tudo parece ser ridículo e artificial.

O roteiro não traz tudo de mão beijada. A gente tem que ir deduzindo a história conforme ela se desenrola, e em alguns momentos a sugestão é só o que nos é fornecido. David Lynch não está interessado em explicar, apenas em mostrar o que ele julga ser mais importante (também plasticamente?). Assim, se como roteiro Veludo Azul é ousado, como direção e fotografia é ainda mais. Figurinos e cenários fazem um mix desconcertante de cenas bizarras. O apartamento de Ben (Dean Stockwell), integrante do submundo de Frank, com as mulheres gordas à mesa, com o grande palhaço sentado no sofá, dá margem a momentos de uma estranhesa completa.

No entanto, me parece que toda essa estranhesa serve para desnudar o que a sociedade realmente é e tenta desesperadamente mascarar. O que me lembra, de certa forma, O Cheiro do Ralo, que nos aproxima dos personagens através do lado mais podre que poderia haver em nós. Seja parte da violência e sadomasoquismo de Frank; da loucura de Dorothy; ou da curiosidade exacerbada de Jeffrey, que o leva a esse submundo de horror.

Donnie Darko

2008-05-12T10:18:00.003-03:00

2001
Ficção Científica, Drama
Direção: Richard Kelly
Roteiro: Richard Kelly

Vou tentar ser imparcial a respeito desse filme, mas espero que me desculpem se eu não conseguir. Acontece que eu amei Donnie Darko!!!

Donnie Darko (Jake Gyllenhaal) é um adolescente que vê sua vida mudar quando se salva da morte: ao seguir o enorme e sombrio coelho Frank (James Duval), Donnie escapa de ter sua vida interrompida por uma turbina de avião que caiu do céu exatamente sobre seu quarto. Nessa noite, Frank diz a Donnie que o mundo irá acabar exatamente em 28 dias, 6 horas, 42 minutos e 12 segundos. Variando entre sessões de terapia, conversas com seus professores Kenneth (Noa Wyle) e Karen (Drew Barrymore), e com sua namorada Gretchen (Jena Malone), Donnie Darko tenta entender o que as aparições de Frank significam, se são reais e qual é o seu papel dentro dos estranhos acontecimentos recentes.

Lembra que no Questionema eu disse que não era de prestar muita atenção em trilha sonora? Bom, ainda é verdade, mas nesse caso, acabou o filme e eu só conseguia pensar na trilha sonora. É simplesmente ótima. E muito bem colocada no filme. As músicas oitentistas, totalmente combinando com o filme todo (já que a história se passa em 1988), além de serem lindas, se encaixam perfeitamente aos momentos em que estão em destaque. Em Donnie Darko, quando a música ganha destaque, realmente significa alguma coisa - mesmo quando é kitsch. Eu me lembrei muito da Ann B. (ou Amiga da Kayako, como queiram) quando ela dizia que o sonho dela era que a vida real tivesse trilha sonora, porque acho que, se tivesse, ia ser exatamente como eu vi nesse filme.

E o resto? Bom, o resto do filme é praticamente... perfeito. O roteiro é muito bom; não só pela história, mas pelo modo como é contada. Dizem que é um filme difícil. Hmmm... fácil não é, em grande parte é por isso eu gostei dele, mas não é o filme mais complexo dos últimos tempos. Só que tem um ponto: sempre que você assiste, você percebe uma coisinha nova. E quando você achava que já tinha entendido tudinho, você assiste de novo e vai ver que talvez existe uma outra interpretação ou um detalhe que você não tinha percebido antes.

Donnie Darko é apenas o terceiro filme de Richard Kelly, e o único dos cinco filmes que ele dirigiu que eu assiti; mas já dá pra ver que o rapaz é alguém para se prestar atenção. Ele tem um estilo próprio, uma estética própria e ambos são usados de forma muito segura para nos passar as sensações corretas nos momentos certos. Os personagens têm carisma, as cenas são intrigantes, obscuras e fortes, e o filme é muito bem ambientado. Uma coisa que eu gostaria de salientar: os movimentos de câmera e alguns momentos de aceleração da imagem conseguem um efeito que, quando somados à já citada excelente trilha sonora, fica maravilhoso. Destaque para a chegada do Donnie na escola logo depois que a turbina do avião cai em seu quarto - que é praticamente uma rápida (e incrível) apresentação da maioria dos personagens que serão envolvidos na história.

Jake Gyllenhaal já mostra o grande ator que é, carregando o filme com facilidade e conduzindo o personagem de maneira a proporcionar grande empatia, mas sem perder a sua enorme complexidade e ambiguidade. Não importa quantas besteiras Donnie faça, nós sempre o perdoaremos, mesmo quando não conseguimos compreendê-lo por completo. Além disso, as expressões de Jake são impressionantes. Quando Donnie está sob infuência do sonambulismo, o olhar morteiro seguido do sorriso desprovido de sentimento é algo assustador e completamente diferente do que é o Donnie acordado.

E todos os outros atores são bons, principalmente Mary McDonnell como a mãe de Donnie. Porém, se o filme tem algum defeito, diria que é o fato de esses outros personagens serem algumas vezes caricatos por demais. Mas isso não acontece com o coelho - de quem, durante o filme, fica difícil saber se devemos gostar ou odiar.

Hmmm, não sei se consegui atingir meu objetivo inicial de imparcialidade, apesar de que fica a sensação de que falar com menos empolgação a respeito de Donnie Darko seria um certo tipo de traição a mim mesma. O filme me ganhou, me conquistou.

The Descent (Abismo do Medo)

2008-05-04T11:21:00.019-03:00

2005
Suspense / Terror
Direção: Neil Marshall
Roteiro: Neil Marshall

Este é apenas o terceiro filme de Neil Marshall, mas já é possível perceber o domínio que ele tem como diretor. Um filme muito bom, que prende a atenção do início ao fim. A pedidos, Abismo do Medo.

Um ano depois de perder o marido e a filha em um trágico acidente, Sarah (Shauna Macdonald) vai a uma expedição com as amigas. Sua amiga Juno (Natalie Mendoza) é quem as lidera até uma caverna nunca antes explorada, onde acabam ficando presas e encontrando estranhas criaturas no escuro.

Escuro e claustrofóbico são as palavras mais usadas para qualificar esse filme. Se você já ouviu falar de Abismo do Medo, provavelmente o comentário veio acompanhado de pelo menos uma dessas duas palavras. Mas não é à toa. E ambos os adjetivos estão intimamente ligados nesse caso.

Claustrofobia é o que sentimos quando aquelas mulheres ficam presas em uma caverna, quando são obrigadas a se embrenharem em espaços diminutos, se arrastando em túneis que mal são suficientes para que passem se rastejando, tendo como iluminação apenas as luzes de algumas poucas lanternas. Aquela escuridão, onde mal se pode ver onde se pisa, onde não se sabe quem é quem.

E como é que se pode assistir um filme assim, sem conseguir ver nada!?
Por que tamanha escuridão?! Oras, simplesmente porque numa situação como essa, a escuridão é a única coisa verossímil! Isso, à exemplo de O Massacre da Serra Elétrica, é a solução mais simples e inteligente que um diretor poderia conseguir para que possamos sentir exatamente o que as personagens estão sentindo em uma situação como a enfocada pelo filme. Se você, assistindo, está desesperado e angustiado e clautrofóbico, imagine as personagens! Você consegue sentir o que elas sentem e isso cria um vínculo entre vocês. A escuridão não é apenas uma característica marcante de Abismo do Medo, mas é a característica que mais o eleva acima de outros similares.

Mas não só de qualidades é feito um filme. Abismo do Medo está longe de ser perfeito. Embora a história do acidente da família de Sarah seja de certa forma importante para explicar suas ações ao longo do filme, fiquei com a sensação de que a personagem era um pouco menos simtipática do que deveria. Isso me distraiu em alguns momentos do filme, pois eu me irritava um pouco com ela. Também algumas cenas relacionadas à finada filha de Sarah me pareceram muitas vezes deslocadas, como se pertencessem a outro filme. E há quem acredite que, na verdade, as aparições da menina, somadas a diversas outras dicas, corroboram com a teoria de que tudo o que aconteceu dentro da caverna era apenas ilusão de Sarah e que ela era a responsável por todo o horror que se instalou naquele lugar. Eu não concordo com a teoria pelo simples fato de que, em alguns momentos, as outras mulheres também vêm as criaturas e, inclusive, as matam. Porém, acredito que se a teoria fosse verdadeira, o filme se tornariam muito melhor.

Uma falha do filme é o fato de as criaturas, mesmo cegas, não terem olfato, tato e audição superdesenvolvidos. Eu nem acho que é uma falha grotesca, mas é algo que me chamou a atenção em alguns momentos do filme, pois isso aumentou as chances de sobrevivência das personagens. Isso sem falar nas super habilidades de luta que aquelas mulheres tinham! Porém, acho que nenhuma dessas duas características consegue diminuir muito o valor do filme.

Agora, a cena que é quase unanimidade, a melhor cena do filme, senão do ano. A cena do lago de sangue, que até me fez lembrar aquela de Carrie. Um filme que contém uma cena daquelas tem que ser no mínimo bom! E de qualquer forma, num balanço geral, Abismo do Medo é um filme que tem muitas qualidades e que consegue mostrar que temos um novo diretor que promete muito.

The Hitcher (A Morte Pede Carona)

2008-04-25T10:26:00.001-03:00

1986
Suspense
Direção: Robert Harmon
Roteiro: Eric Red

Um dos suspenses marcantes da década de 80. Uma atuação memorável de Rutger Hauer. A pedidos, vos apresento A Morte Pede Carona.

Jim Halsey (C. Thomas Howell) foi incumbido de levar o carro de outra pessoa de Chicago a San Diego. Durante a viagem, o rapaz acaba dando carona a um desconhecido na estrada, porém o tal John Ryder (Rutger Hauer) é um perigoso assassino que não descansará enquanto não tiver Jim morto.

Eu, particularmente, resumo esse filme em duas palavras: Rutger Hauer. Eu não assisti o remake, mas ouvi dizer que é péssimo. Sinceramente, sem o Rutger Hauer como John Ryder, o remake poderia ser, no máximo, legal.

Porque o roteiro é bem legal, uma coisa similar a Encurralado. A diferença é que em Encurralado o filme é feito de um modo que não dava para alguém aparecer como o motorista sem que fosse uma decepção, e aproveitam para criar um mistério em cima disso (Spielberg é Spielberg...). São filmes de perseguição na estrada e com doses muito bem balanceadas de ação e suspense. Mas A Morte Pede Carona não insere apenas a figura do assassino, insere também a mocinha, Nash (Jennifer Jason Leigh), que aparece na medida certa. SPOILER: ela aparece o bastante para cativar sem que a gente odeie o filme quando ela morre no final, mas para que a gente odeie apenas o John Ryder.

A direção e o roteiro conduzem o filme de maneira tão acertada que sequer é preciso o uso de cenas explícitas dos assassinatos para nos amedrontar, basta a constante sugestão do horror que o assassino provoca, seus olhares e, claro, vislumbres dos resultados finais de seus "trabalhos". Também a trilha-sonora é conduzida eficientemente, de modo que nas cenas de maior tensão ela é quase imperceptível, mas mesmo assim colabora para deixar o espectador ainda mais angustiado.

Quanto a C. Thomas Howell, ele está realmente bem em seu papel. O personagem nos dá nos nervos de vez em quando, mas é justamente por ser bem interpretado. Porque ele é apenas um moleque. E moleques raramente são as pessoas mais espertas do mundo (não é feminismo, as meninas são iguais). Mas ele acaba amadurecendo e no fim isso fica mais do que visível e justificável. É um amadurecimento gradual e muito bem interpretado.

Só que no fim das contas, o que acaba contando mesmo é a atuação do Rutger Hauer. Acho que estou me tornando um pouco repetitiva... mas é sério! O cara destrói, ele é muito bom mesmo. Ele fez algumas cenas dirigindo o carro, sem usar dublê e deixou até os dublês impressionados. O C. Thomas Howell chegou a afirmar que na época das filmagens ele tinha medo do Rutger Hauer até nas horas em que não estavam gravando! Mas o principal na atuação do Rutger Hauer é o olhar, a postura impessoal, como se não desse a mínima para nada - isso deixa-o com um aspecto de intangibilidade. E quando ele sorri é ainda pior...

Ah, o caso é que ele é bom e ponto.

Jim Halsey: - Você vai ser pego.
John Ryder: - Claro. Tudo bem. E daí?

Filmes Subestimados

2008-04-13T10:29:00.031-03:00

Conforme o convite de Marcus Vinícius, vou dar sequência ao MEME. O Lance é listar 5 filmes que eu considero terem sido subestimados pela crítica e/ou público. Eu acho uma lista muito difícil de se fazer, mas vamos lá:

Ju-On: The Grudge
de Takashi Shimizu

Ju-On: The Grudge é um dos melhores filmes de terror que eu já vi. O seu único defeito é a sua refilmagem ter ficado tão ruim.

É incrível como as pessoas confundem as coisas! Por não terem gostado da refilmagem, já criam o maior preconceito quanto ao original.

Guerra dos Mundos
War of the Worlds de Steven Spielberg

Eu não entendo! Porque teve gente que não achou Guerra dos Mundos o máximo?!

A história é muito boa, adaptada do livro de H. G. Wells, e a direção é perfeita. Tem exatamente tudo o que um filme de ação/aventura/ficção científica deveria ter. E exatamente na medida certa.

Qual é o problema então? Eu ainda não entendi...

A Vida Marinha
The Life Aquatic with Steve Zissou de Wes Anderson

O problema desse é que ele é estranho demais para o grande público. As pessoas gostam de filmes normais, o que não é o caso, então... E, junte a isso, raramente alguém já ouviu falar dele.

Mas é ótimo.

O Cheiro do Ralo
de Heitor Dhalia

Praticamente o mesmo problema do filme acima. Mas com um agravante: O Cheiro do Ralo é um filme brasileiro. É triste, mas ainda existe preconceito com isso. Aí, se ele não teve uma super ultra aceitação no Brasil, como é que vão conhecê-lo lá fora?

É uma pena, porque eu acredito que é um dos melhores filmes que o cinema brasileiro já produziu.

Corpo Fechado
Unbreakable de M. Night Shyamalan

Eu estava em dúvida se colocava esse ou A Dama na Água. Mas acho que Corpo Fechado foi ainda mais injustiçado, dentre todos os do Shyamalan.

É como eu disse sobre Guerra dos Mundos. O que mais as pessoas queriam desse filme?! O azar dele foi ter sido feito logo depois de O Sexto Sentido.

Bom, agora que já listei meus filmes, tenho que escolher 5 outros donos de blogs para dar continuidade ao MEME. Escolho Renato Thibes do Registro Dissonante, Rick Lima do Cinefagia, Mary do La Vie en Rose, Doggma do Black Zombie, e... você*!

*Aberto a quem quiser postar o MEME em seu blog.

300

2008-03-31T11:02:00.004-03:00

2006
Ação
Direção: Zack Snyder
Roteiro: Zack Snyder e
Kurt Johnstad

Superprodução, super cinema pipoca. Isso é Esparta! Ops, quero dizer... Isso é 300.

Quando Xerxes (Rodrigo Santoro), o Rei da Pérsia, resolve pressionar os Espartanos a cederem ao seu poder, o Rei Leônidas (Gerard Butler) decide contrariar o Conselho de Esparta e seguir, com apenas 300 soldados, para uma guerra contra supostos 1.700.000 persas.

A sinopse pode parecer um pouco ralinha, mas na verdade o filme não é muito mais do que o que eu contei. São duas horas de filme, mas talvez isso seja apenas porque metade de sua duração é passada em câmera lenta. Heh. O caso é que o roteiro não é um primor, deixando a história um pouco vazia, e o uso da câmera lenta nas cenas de luta já está meio batido. Além disso, esse recurso foi usado de maneira muito exagerada.

Posso partir direto para as atuações? Bom, na verdade ninguém se destaca muito. Gerard Butler 'vence no grito' através de seu vozeirão notadamente admirado pelo diretor. O ator faz o que tem que fazer e bem feito, mas também não é uma atuação memorável. E o negócio do Zack Snyder é esse mesmo, vozeirão. Aí caímos no Rodrigo Santoro e o seu suposto vozeirão. Achei que ele esteve ótimo como o andrógino Xerxes, mas o vozeirão deu uma boa estragada. Dá pra perceber que a voz dele foi modificada, e não apenas ampliada.

De qualquer forma, o filme é legal e foram duas horas divertidas que eu passei assistindo. Não superou minhas expectativas, mas também não ficou abaixo delas. Assisti em casa e fiquei imaginando como teria sido muito mais legal se eu tivesse assistido no cinema.

Transformers

2008-03-24T13:10:00.003-03:00

2007
Ação, Aventura
Direção: Michael Bay
Roteiro: Roberto Orci e
Alex Kurtzman

Tá, eu confesso. Eu não odeio o Michael Bay e nunca odiei. Pra falar a verdade, sequer tinha conhecimento da existência dele, porque, assim, os filmes que ele já dirigiu (e são poucos) nunca me chamaram a atenção. Esse é o primeiro.

Sam Witwicky (Shia LaBeouf) é um adolescente comum que quer comprar seu primeiro carro, para impressionar as menininhas. Em meio a carros usados de todos os tipos, finalmente ele encontra um que lhe agrada, um camaro amarelo - sem saber que na verdade não foi ele quem escolheu o carro, e sim o contrário. Em questão de horas, Sam se vê pivô de uma guerra entre enormes robôs que lutam pela posse de um objeto que pode vir a destruir a terra.

Armagedon, A Ilha, Pearl Harbor, Bad Boys e outros. São todos filmes pra passar na Globo, e dirigidos pelo Michael Bay. Eu lembro que, no século passado, eu adorei Bad Boys, mas eu sei que não era lá um Máquina Mortífera ou Duro de Matar. Armagedon e Pearl Harbor eu nunca nem tive paciência de sentar e assistir tudinho de uma só vez. São legais (Armagedon até muito mais do que Pearl Harbor), mas não passa disso. Sei que nenhum desses filmes fez com que eu me interessasse em saber quem foi o diretor. De repente sai Transformers e é uma onda louca de "Michael Bay é uma bosta, mas acertou nesse filme". E eu fiquei bem "...quem?".

Eu resolvi assistir Transformers porque eu precisava dar uma conferida no Shia LaBeouf. Sabe, ele vai ser o filho do Indiana Jones e eu tinha que ver se ele estava à altura do título. E está. Muito. Gente, fiquei boba de tão bom que é o menino. Carismatiquíssimo, engraçadinho, ótimo ator, tudo de bom. E eu nem estava botando muita fé, porque nas entrevistas ele nem é tuuuuudo isso. E falando em interpretações... Eu amei os robôs, principalmente o Bumblebee e o Optimus Prime. Spoiler: uma coisa que realmente me impressionou é que quando o Bumblebee finalmente fala, não é decepcionante.

O filme tem defeitos, e são até muitos. Existem os personagens secundários e eles vão se perdendo no meio do caminho. Tem os que pareciam que iam se tornar coadjuvantes, mas que não têm força nem carisma suficiente para isso. Tipo o Capitão Lennox (Josh Duhamel) e a Maggie Madsen (Rachel Taylor). Eles aparecem o filme todo, no início dá a entender que eles vão ser fundamentais para a história, mas eles não saem do mundo dos secundários. Coadjuvantes mesmo são a simpática "mocinha" - Mikaela Banes (Megan Fox) - e os robôs.

Fiquei me perguntado o que aconteceu com o amigo do Sam, que aparece em apenas uma cena no início do filme. Ele sequer precisaria ter aparecido naquela cena - e teria sido muito melhor se não aparecesse. Também desapareceram um grupinho de amigos da Maggie, mas que também eram totalmente dispensáveis no filme. São personagens que surgem e somem sem nenhuma razão de ser, e fica uma coisa meio esquisita, mal resolvida. Aí eles me enfiam, no meio do filme, um idiota muito bem interpretado pelo John Turturro. Só que é um personagem tão ridículo (esse eu gostaria muito que tivessem esquecido pelo meio do caminho, mas nãããão...) que meu QI perdia uns 50 pontos a cada vez que ele aparecia, só de olhar - e o nível do filme cai drasticamente em todas as cenas que ele aparece. Eu juro que queria saber de quem foi a idéia de inventar aquele personagem, porque ele merece desprezo.

Também me incomodou bastante o final muito "filme de guerra". E o tal do Capitão Lennox tentando ser o máximo nessa hora, mas nem assim ele ganha do Sam. Achei desnecessariamente guerra demais. Com roupinha de soldado, trincheiras e tudo mais. Desnecessário.

Bom, quem está lendo isso aqui vai achar que eu odiei o filme. Mas eu amei. Todos esses são defeitos que apenas me deixaram com a pulga atrás da orelha (fora o John Turturro, esse me deu nos nervos mesmo), mas não atrapalham completamente o desenrolar da história e nem impedem que o filme, como um todo, seja ótimo. O roteiro tem um ritmo muito bom, de deixar a gente sempre interessado no que virá depois. E o núcleo LaBeouf/Megan Fox/Bumblebee carrega o filme, em momentos por demias spielbergianos.

No fim das contas, o fato é um só. Transformers é o máximo. Mas não é perfeito. Dizem que o filme ficou bom assim porque tem o dedo do Spielberg. Olha, pode até ser, mas vamos dar uma trégua pro Bay, né. Se ele fosse tão terrível assim, acho que nem o dedo do Spielberg salvaria o filme. E até agora não entendi porque tem gente que odeia tanto esse cara. Ainda se ele tivesse dirigido... O Pesadelo*, por exemplo.

* Já dá pra ver que O Pesadelo se transformou em medida de comparação para filmes ruins.

El Laberinto del Fauno (O Labirinto do Fauno)

2008-03-17T08:17:00.008-03:00

2006
Fantasia, Drama
Direção: Guillermo del Toro
Roteiro: Guillermo del Toro

Conta-se de uma princesa fada que se apaixona pelos humanos e resolve se tornar uma ela mesma. Anos depois, quando ela está reencarnada em uma menina chamada Ofélia (Ivana Baquero), o Rei resolve trazê-la de volta ao mundo das fadas. Na Espanha, no final da Guerra Civil, Carmen (Adriadna Gil) - mãe de Ofélia - se casa novamente, e a menina vai morar em uma grande casa, tendo como padrasto o terrível e facista Capitão Vidal (Sergi López). Fascinada pelos contos de fada, Ofélia descobre, em meio a todo o horror da guerra, um enorme labirinto, onde conhece um Fauno. O Fauno, ao perceber que ela é a princesa-fada, a instrui sobre como deve proceder, e quais perigos enfrentar, para retornar ao mundo das fadas.

O que uma criança pode fazer quando o horror e a guerra invadem a sua vida? O que fazer quando sua mãe se casa com um homem perigoso e poderoso? Como manter algum gosto em viver? Ofélia cria um mundo próprio onde pode se refugiar de todo o mal que a cerca, onde pode viver aventuras e acreditar que é uma fada e que seu pai a espera ansiosamente num mundo mágico. Enquanto Capitão Vidal se preocupa em eliminar qualquer pessoa que julgue ser algum tipo de ameaça ao seu poder (ou qualquer um que lhe der na telha) das maneiras mais frias possíveis, e em salvar seu futuro herdeiro - que está sendo gerado por Carmen -, Ofélia tenta se refugiar num mundo de fantasia.

Quem pode dizer se tudo era real, ou se era apenas fruto da imaginação fértil de uma criança? Essa é a maior qualidade que o filme possui, na minha visão. E, contraditoriamente, essa é a questão menos importante. Porque, verdade ou não, Ofélia acreditou em tudo. E, mais do que a história, ela foi o sopro de esperança e luz naquele mundinho que envolvia as maldades do Capitão Vidal.

Guillerme del Toro consegue criar uma história de fantasia quase tão real quanto as que contam os livros de História. Guillerme del Toro consegue trazer, num filme de fantasia, toda a veracidade que se poderia encontrar em qualquer documentário. A diferença está apenas em como contar uma história triste e pesada, passível de ser real, de maneira que ela consiga nos trazer esperança, leveza e ternura. O Labirinto do Fauno poderia ter sido um filme sobre dor e crueldade, mas, ainda que os mostre, é um filme sobre esperança. Sobre a possibilidade de dar certo, apesar de parecer estar tudo errado.

Tendo isso em vista, del Toro cria um roteiro muito bem escrito, onde ele permeia a fantasia e a realidade nas medidas corretas e sem quebrar o ritmo filme (como eu já vi acontecer, é só ver o exemplo de Assombração). Também utiliza a seu favor fotografia, trilha-sonora e ótimas atuações, criando um filme que deve ficar no limiar da perfeição.

Será que eu recomendo?

Ah, e vale dizer que O Labirinto do Fauno é um filme também para adultos que não gostam de fantasia, mas gostam de filmes bons.

Eu queria deixar uma coisa bem clara. Vi muita gente comparar O Labirinto do Fauno com A Dama na Água, talvez por ambos serem do gênero Fantasia e terem sido lançados no mesmo ano. Eu não vou fazer isso porque acho que eles abordam o gênero de maneiras absurdamente distintas e inusitadas. Gosto dos dois, e é só o que tenho a dizer sobre isso.

Nina

2008-03-03T08:46:00.007-03:00

2004
Suspense, Drama
Direção: Heitor Dhalia
Roteiro: Marçal Aquino e Heitor Dhalia

Adaptação livre do livro "Crime e Castigo" de Dostoievski, Nina não me decepcionou. Muito menos Heitor Dhalia.

Sozinha em São Paulo, Nina (Guta Stresser) apenas quer sobreviver. Num momento de alucinação, larga o emprego, sua única fonte de renda, e se perde no desespero. Nina mora de alguel em um quarto no apartamento de Dona Eulália (Myrian Muniz), que cansada de praticamente sustentar a garota, passa a deixá-la ainda mais atormentada. Agora, Nina só deseja uma coisa. Morte à Dona Eulália.

Sobre a história. O caso é que Nina não está bem, mas no início a gente acha que é frescurinha dela. Porque ela pede demissão e depois fica reclamando que não tem dinheiro, que a Dona Eulália é uma bruxa que não deixa ela comer e tal. Tá, a Dona Eulália é meio bruxinha, mas vê lá se ela tem obrigação de sustentar marmanjo. Só que logo depois fica claro. Nina tem sérios problemas. E o maior pecado da Dona Eulália foi não saber diferenciar vagabundice de dificuldade.

Eu gosto disso, de filmes que crescem. Crescem na gente enquanto estão acontecendo. E crescem depois também. Nina foi assim. Começou muito bem, e terminou melhor. É engraçado como os filmes te afetam. Eu achei O Cheiro do Ralo muito melhor, mais bem acabado. Dhalia já estava dominando a cadeirinha de diretor quando o fez. Mas, por outro lado, eu gosto tanto de O Cheiro do Ralo quanto de Nina.

Heitor Dhalia ousou mais em Nina. No sentido de ter experimentado bastante. O filme como um todo tem uma aura de HQ bem forte, diversas cenas parecem ter sido tiradas de um quadrinho. O que se explica pela presença de Lourenço Mutarelli (aquele autor de quadrinhos que escreveu "O Cheiro do Ralo") como responsável pelas passagens animadas do filme. Sim, passagens animadas, porém nada animadas - já comentei que trata-se de um drama, né. Lourenço é o autor das diversas animações que permeiam o filme, além de todas as ilustrações que Nina fazia.

Além do tom HQ, outras coisas me chamaram muito a atenção. A trilha sonora de Antônio Pinto é lenta e pesada, e perfeita; e a direção de arte é impecável, em especial os cenários. O apartamento da Dona Eulália, por exemplo, foi feito com peças de demolição - mais palpável impossível. Cada detalhe do filme serve para deixá-lo cada vez mais lúgubre e onírico. Onírico. No início, a realidade e as fantasias de Nina têm uma separação clara, porém, chega um ponto do filme em que não sabemos mais o que é real ou não. A resposta vem no final e por um segundo achei que ela seria desnecessária, mas logo vi que não poderia ter sido diferente.

No fim das contas, Nina confirmou minhas suspeitas. Heitor Dhalia é um tipo de diretor que eu achei que nunca iria existir no Brasil. Porque Fernando Meirelles é perfeito, mas é diferente do Dhalia. Comparando os filmes de ambos, o Dhalia é menos social e mais humano. E o Dhalia é muito cult. Em Nina, há cenas que me lembram Tim Burton, outras que parecem influenciadas por David Lynch. É algo que vale a pena ver, e já vale só pelo gosto de saber que aqui existe um diretor assim.

The Innocents (Os Inocentes)

2008-02-24T23:56:00.007-03:00

1961
Terror, Suspense
Direção: Jack Clayton
Roteiro: William Archibald e
Truman Capote

Baseado no livro "A Volta do Parafuso" de Henry James, sem dúvida alguma é um ds melhores filmes que englobam a fatia "casas mal-assombradas", assim como o sub-gênero terror psicológico.

A Srta. Giddens (Deborah Kerr) é contratada como governanta de uma grande mansão, e sua mais importante tarefa é cuidar de duas crianças órfãs, Flora (Pamela Franklin) e Miles (Martin Stephens). Com o passar do tempo, ela começa a ter estranhas visões e, ao descobrir o que aconteceu com a antiga governanta Srta. Jessel (Cytie Jessop), e o mordomo Peter Quint (Peter Wyngarde) através do que aos poucos conta a cozinheira Sra. Grose (Megs Jenkins), começa a desconfiar que o passado próximo teve grande influencia maligna no comportamento das crianças. Assim, a Srta. Giddens decide tentar encontrar uma maneira de salvar Flora e Miles do mal que os rodeia.

Chocante, perturbador, agoniante são adjetivos que pouco fazem jus ao que realmente significa assistir Os Innocentes, mas são as palavras que mais se aproximam da sensação. O roteiro é um daqueles que evolui do mais adorável ao mais angustiante em pequenas doses. A trilha sonora faz o mesmo, uma música se repete do início ao fim, levando não só a protagonista, mas qualquer um à loucura (imagino que deve ter sido a precursora das suaves melodias cantadas por menininhas tão usadas posteriormente nos filmes de terror). E também a direção e fotografia acompanham esse ritmo, com cenas agradabilíssimas no início e culminando em cenas escuras, claustrofóbicas, desesperadoras e oníricas (o trecho em que a Srta. Giddens caminha pelos corredores escuros da mansão enquanto ouve voses é maravilhoso).

Pessoalmente, o que me foi mais chocante em todo o filme foi a relação totalmente subvesiva que há entre Miles e a Srta. Giddens. Existe algo de lascivo no olhar do menino, em suas palavras. Imagine o menino (que, apesar de ter 13 anos, aparenta uns 10) dizendo para a governanta: "Of course, my darling" ("Claro, minha querida"). Seu rosto não combina com suas palavras e seus olhos, e as reações da governanta ajudam a aumentar o desconforto. Ela se assusta, se incomoda e paralisa. É como se estivesse enfeitiçada, como se não pudesse se mover. Não pude deixar de lembrar da crítica acabando com a pobre Nicole Kidman em Ressurreição e imaginar que ela não fez nada de muito diferente do que fez Deborah Kerr em Os Innocentes.

E agora, gostaria de chamar a atenção para os atores. Pamela Franklin, que é também protagonista de A Casa da Noite Eterna, está muito bem no papel do "anjo disfarçado". Mas Martin Stephens, apesar de ter feito poucos filmes depois desse, está um arraso! O menino é tão perturbador, é tão "adulto" que eu não estranharia se descobrisse que ele ficou com sérios problemas psicológicos depois de ter feito esse filme. Finalmente, Deborah Kerr é simplesmente perfeita. Sua personagem é a que mais muda ao longo do filme, e ela constrói as fases pela qual passa com maestria.

Voltando à evolução do filme, as decisões da Srta. Giddens ao longo dos fatos são visivelmente erradas, mas no início são escolhidas de maneira tão inocente e, apesar de não serem as melhores, parecem quase inofensivas, que nos deixamos levar a um clímax tenebroso quase sem perceber. E o final, imagino que esse deve ter sido um dos primeiros filmes a arriscar um final que não seja reconfortante como gostariamos que fosse e, acima de tudo, tão ambíguo.

Os Inocentes é um filme fantástico, que não pode cair no esquecimento. Lutarei contra isso! Apesar de ser muitíssimo antigo, e em preto e branco, é atemporal e nunca perderá a qualidade, independente de quando é visto. É um filme obrigatório para os amantes do suspense e do terror.

Gin Gwai 1x2 (A Herança x Visões)

2008-02-17T13:18:00.004-03:00

The Eye (A Herança)

2002
Suspense, Terror
Direção: irmãos Pang
Roteiro: irmãos Pang e Jo Jo Hui

The Eye 2 (Visões)

2004
Suspense, Terror
Direção: irmãos Pang
Roteiro: Lawrence Cheng e
Jo Jo Hui

Dois filmes lançados como sequência, mas que mais parecem ser independentes - tanto que no Brasil foram adotados dois nomes completamente distintos. O primeiro colocou os irmãos Pang no mapa, o segundo manteve-os lá.

A Herança: Wong Kar Mun (Angelica Lee) faz um transplante de olhos e volta a enchergar. Desde então começa a ter visões que descobrem ser causadas pelos novos olhos que recebeu. Então, ela decide descobrir o que aconteceu com a doadora dos órgãos.

Visões: Joey Cheng (Qi Shu) está grávida e começa a ter visões de espíritos à sua volta e à volta de outras mulheres grávidas. Preocupada com o que pode acontecer ao seu bebê, ela tenta descobrir o que esses espíritos pretendem, mas a resposta leva-a ao desespero.

Existem coisas que eu tenho muita dificuldade para conseguir compreender. O sucesso desses dois filmes é uma delas. A Herança é um filme bom, mas logo depois que assisti eu não conseguia entender o motivo para tanto estardalhaço. Chegaram até a falar que Sexto Sentido era uma cópia dele. Me perdoem, mas, MEU DEUS!, que diabos de cópia é essa cuja história é completamente diferente??? Se o Shyamalan fez o Sexto Sentido se baseando em A Herança, eu não sei, mas mesmo que seja o caso, o fez muito bem, e com muita originalidade. Na verdade era mais ou menos isso que eu esperava, ou gostaria, que tivesse sido feito com O Chamado: uma obra baseada em Ringu, diferente, não um remake.

Acho que desviei do assunto. O ponto é que depois de pensar um pouco cheguei à conclusão que o fator que mais agradou o público é que A Herança mantém o tema que havia sido resgatado em Ringu, mas sem abusar daqueles mesmos elementos que começavam a "enjoar" o público. Porém, a bem da verdade, o que acontece é que os irmãos Pang apenas souberam pegar a parte boa do cinema oriental e colocar em uma linguagem mais americanizada (característica que será levada ao seu ponto máximo em Os Mensageiros). Eles foram espertos, mas acho que não mereciam tantas ovações.

Deixando um pouco de lado as questões acima, queria ainda salientar uma outra coisa que me chamou a atenção. A Herança possui algo que nesse caso específico não chegou a ser um defeito, mas que poderia ter se tornado um, como aconteceu em Assombração: o filme é bipartido. Na primeira metade permanece mais focado no terror, já na segunda se torna quase puramente um filme de investigação.

Partindo para o próximo filme, pode-se ver que apesar de os nomes originais indicarem uma suposta seguência, Visões e A Herança têm histórias completamente diferentes e sem relação direta. O que os une é apenas o tema.

É em Visões que os irmãos Pang começam a perder a mão, eles forçam um filme que não tem razão de ser. A história da mulher grávida não é assustadora, ou melhor, não deveria ser assustadora. Se você parar para pensar, assim que Joey descobre a verdade a respeito das visões, não há o menor motivo para se ter medo, a não ser que ela fosse burra o bastante para não compreender o que tudo aquilo significava. E ela foi. Só que apostar na burrice da protagonista, pelo menos ao meu ver, não é uma boa jogada.

A única coisa que eu conseguia sentir ao longo do filme foi raiva daquela mocinha tonta! Eu não senti pena dela, não temi por ela, não sofri com ela. Ela deveria parecer uma heroína naquele final? Talvez a intençào fosse que eu me compadecesse com seu sofrimento e com sua "coragem". Pois para mim ela estava mais para uma louca histérica - e perigosa!

A Herança tudo bem, até dá pra deixar passar que tenha havido tanta euforia, mas Visões?! Às vezes acho que caí num mundo paralelo, o mundo bizarro da Liga da Justiça...

Questionema

2008-02-10T14:37:00.002-02:00

Se você quer saber mais sobre mim, mas não tanto assim, esta é a sua oportunidade.

1. Primeiro filme que você viu no cinema?
Super Xuxa contra o Baixo-Astral

2. Primeiro ingresso que você comprou para um filme com censura 18 anos?
Juro que NUNCA prestei atenção à censura do filme. Por coincidência, também nunca tentei entrar sem querer num filme que a censura não me permitia...

3. Lanche de cinema preferido?
Pipoca. Sempre.

4. Melhor sessão de cinema?
Senhor dos Anéis: O Retorno do Rei. Foi muito foda vibrar com o cinema inteirinho quando o Legolas matou o Olifante.

5. Melhor coisa que te aconteceu numa sessão de cinema?
O filme ser bom?

6. Pior sessão de cinema?
O Pesadelo.

7. Coisa mais idiota que você já fez depois de ter visto um filme?
Em Em Busca da Terra do Nunca. Foi logo depois do TGI, junto com outras três amigas tão acabadas de entregar trabalho quanto eu. No cinema, ao terminar o filme, choramos todas compulsivamente até as luzes acenderem. A Carol reclamou da falta de tato em não deixarem que chorássemos no escurinho e todas começamos a rir compulsivamente. Passamos na frente da fila que esperava para entrar rindo histéricamente e assustando as pessoas.

8. Primeiro filme que te provocou DESEJOS CARNAIS pelo sexo oposto?
Disso eu não lembro. Mas lembro de ser bem nova quando passou Uma Linda Mulher na TV e fiquei muito constrangida de assistí-lo na frente da minha avó.

9. Já pagou para ver um filme e entrou escondido em outro?
Não. Eu sou muito inocente, nunca nem pensei que realemente essa é uma ótima idéia. Mas como eu disse, também nunca nem me interessei em assistir filmes que eu não podia.

10. Já transou dentro de um cinema?
Não. E, sério, não tenho vontade. Não passa pela minha cabeça não assistir ao filme se eu estou dentro do cinema.

11. John Wayne preferido?
Não lembro se já assisti algum filme com ele.

12. Clint Eastwood preferido?
Menina de Ouro.

13. Tarantino preferido?
Kill Bill vol. 2

14. Hitchcock preferido?
Psicose.

15. Spielberg preferido?
Os Caçadores da Arca Perdida.

16. Filme preferido de Zumbi?
Pode ser Thriller do Michael Jackson? (resposta copiada)

17. Ator morto favorito?
Vincent Price.

18. Ator vivo favorito?
Dustin Hoffman (e Johnny Depp também).

19. "Character Actor" preferido de todos os tempos?
Nunca parei pra pensar nisso, mas acho que o Robert Duvall.

20. Atriz morta favorita?
Não sei! A Deborah Kerr é muito boa, no entanto.

21. Atriz viva favorita?
Glenn Close (e Cate Blanchett também).

22. "Character Actress" preferida de todos os tempos?
Maggie Smith.

23. Personagem cinematográfico animado favorito?
A Dori de Procurando Nemo.

24. Trilha sonora favorita?
A Vida marinha com Steve Zissou e Uma Lição de Amor.

25. Tema musical preferido de uma trilha sonora?
Como assim?!

26. Canção favorita?
Nunca me ligo tanto em trilha sonora, mas aquela música do Pulp Fiction é muito boa (Miserlou, de Dick Dale).

27. Filme de Natal favorito?
Black Christmas vale?

28. Gênero cinematográfico favorito?
Suspense.

29. Filme da Disney favorito?
Adoro aqueles antigos, de contos-de-fada.

30. Faroeste favorito?
Nenhum.

31. Musical favorito?
Moulin Rouge (e também A Fantástica Fábrica de Chocolate - as duas versões).

32. Filme de horror favorito?
O Massacre da Serra Elétrica (1974).

33. Comédia Favorita?
Monty Python e o Cálice Sagrado.

34. Ficção-científica favorita?
Putz. Alien. Eu acho.

35. Suspense Favorito?
Seven.

36. Romance favorito?
O Fabuloso Destino de Amélie Poulain.

37. Épico favorito?
Senhor dos Anéis.

38. A pior coisa de se ver um filme no cinema?
Pessoas solitárias que começam a falar alto no cinema, comentando o filme enquanto ele acontece.

39. A melhor coisa de se ver um filme no cinema?
O tamanho da tela, o som e a emoção coletiva.

40. Se você pudesse ser qualquer personagem do cinema, quem seria?
Que difícil! Meus heróis são homens! Acho que a Marion de Os caçadores da Arca Perdida.

41. Se você pudesse transar com qualquer personagem, com qual seria?
Roux de Chocolate.

42. Se você pudesse viver "feliz para sempre" com um personagem, com quem seria?
Sir James Matthew Barrie de Em Busca da Terra do Nunca.

43. Se você pudesse ser um monstro, qual seria?
Cujo (ou um tomate assassino).

44. Coisa mais idiota que você já fez depois de ter visto em um filme? Puxa, eu faço tantas coisas idiotas. E metade delas deve ser copiada, inconcientemente, de filmes que eu vi por aí...

45. Crítico de cinema preferido?
Hmmmm... Desses oficiais nenhum. Mas gosto de ler o que o Renato Thibes e o Bernardo Krivochein (do Zeta Filmes) têm a dizer.

46. Roteirista favorito?
Caracoles. Não tenho um favorito ainda...

47. Diretor Favorito?
Tarantino, Tim Burton, Spielberg e outros.

48. Chaplin ou Keaton?
Ahn? Não sei se entendi a pergunta, mas... Chaplin.

Saw III (Jogos Mortais 3)

2008-02-02T13:17:00.000-02:00

2006
Suspense, Terror
Direção: Darren Lynn Bousman
Roteiro: Leigh Whannell e James Wan

O quanto você dá valor à vida? Você realmente acredita que a merece? Tome cuidado, pois Jigsaw pode acreditar que não, ou pior, sua nova ajudante pode acreditar que não.

Jigsaw (Tobin Bell), ou melhor, John está morrendo, agora ele prepara seu último jogo e Amanda (Shawnee Smith) se prepara para tomar seu lugar. A Dr. Lynn Denlon (Bahar Soomekh) é levada para o covil, ela deve manter Jigsaw vivo para que ele possa assistir ao último jogo. Enquanto isso, Jeff (Angus Macfadyen), a nova vítima, tenta lutar contra os seus instintos para conseguir sair vivo.

Gostei bastante do primeiro, por ser diferente do batidão teen de sempre. O segundo já perdeu esse diferencial, a originalidade que havia me chamado a atenção em Jogos Mortais foi pro saco em Jogos Mortais 2, e a história deste é muito inferior. Porém, achei que entre o segundo e o terceiro filme, gostei mais do terceiro. Poiis, apesar de cometer o mesmo erro do segundo (a repetição), o terceiro filme da série se propõe a explicar os supostos pontos falhos dos anteriores. Essas explicações conseguiram amarrar bem os três filmes, apesar de acreditar que são elas que "estragam" o terceiro filme.

Ao meu ver, o grande motivo de Jogos Mortais 3 não ser um filme ótimo é como ele junta as cenas do passado (onde acontecem a maioria das explicações) com as cenas do presente. Ao contrário do primeiro filme, tudo ficou parecendo meio truncado. Parece que todas aquelas explicações não têm nenhuma função no filme em que estão inseridas (a não ser explicar os anteriores). Se esquecermos os primeiros filmes, essas explicações são completamente desnecessárias, pois não têm nenhuma ligação com a história de Jogos Mortais 3. Além disso, mesmo sendo explicações plausíveis, não consegui tirar de mim aquela sensação de que foram totalmente inventadas posteriormente para concertar o primeiro filme.

Mesmo assim, pelo menos esse filme volta a ter substância, enredo, alguma história. E começo a acreditar que isso é graças a James Wan, afinal foi no filme em que ele não participou da criação do roteiro, que esses itens valiosos foram deixados de lado. E a história de John é de fato intrigante, e a Amanda se mostra também uma personagem um pouco mais complexa do que aquela que aparece nos outros filmes. E esse é outro ponto forte do filme, os personagens voltam a ter personalidade, voltam a ser "tridimensionais".

E falando em Amanda, nesse filme ela é a responsável por boa parte dos jogos, por isso, prepare-se, violência em dobro. A mulher ficou obcecada com seu "trabalho" e ela se empenha em fazer os jogos ainda mais brutais, acredite se puder. Esse foi um fator que me desagradou, pois já mencionei outros dias que não sou lá muuuito fã de torturas e afins, mas não posso negar que nesse caso simplesmente faz sentido que as mortes sejam tão violentas.

Sobre o 4, tenho pouca esperança (ou nenhuma) de ser um filme de fato bom, por isso ainda não o assisti. Mas o farei em breve.

Saw II (Jogos Mortais 2)

2008-01-27T13:07:00.000-02:00

2005
Terror
Direção: Darren Lynn Bousman
Roteiro: Leigh Whannell e
Darren Lynn Bousman

Fãs. Como essa franquia tem fãs incondicionais! Chegam a ser cegos a seus defeitos e julgam os filmes todos como perfeitos, coisa que eles estão longe de ser.

Oito pessoas são presas em um jogo mortal pelo mais famoso serial-killer da atualidade, Jigsaw (Tobin Bell), sendo que uma delas é Amanda (Shawnee Smith), a única pessoa a já ter sobrevivido a um de seus jogos. O pai de uma dessas novas vítimas é Eric Matthews (Donnie Wahlberg), o detetive chamado para resolver ums dos crimes de Jigsaw. Frente à frente com Jigsaw, Eric é obrigado a ver os companheiros de seu filho Daniel (Erik Knudsen) morrendo enquanto ele tenta convencer o serial-killer a soltá-los.

Jogos Mortais 2 poderia ter sido chamado muito facilmente de Cubo 2. Uma das maiores qualidades de Jogos Mortais foi sua grande originalidade. Porém sua sequência joga esse trunfo fora quando mantêm uma linha em que, quando não é cópia do primeiro, é cópia de Cubo. Novamente aquela sensação de "já te vi" que poucas vezes me agrada.

E antes esse fosse o único defeito desse filme - pois nem seria um defeito tão grave assim se fosse o único. Mas a história toda é uma lástima, ou melhor, não há nenhuma. Os personagens são todos desinteressantes e supérfluos, com a única e admirável excessão de Jigsaw, que dessa vez aparece mais e deixa mais evidente sua fascinante personalidade.

É visível que Jogos Mortais 2 foi produzido únicamente para aproveitar o sucesso do primeiro. Tudo o que tornava Jogos Mortais diferente dos outros filmes que vinham sendo feitos na época foi esquecido nesse, ou copiado pelo simples motivo de se copiar. Aqui, a única coisa que interessa agora são as mortes, é um concurso de quem morre da maneira mais bizarra e nojenta. Sim, as mortes são bem boladas, mas elas deveriam ser o acompanhamento e não o prato principal.

Jogos Mortais 2 é um filme totalmente vazio.

Perdas

2008-01-23T09:11:00.000-02:00

Eu já estava chocada com a notícia do Luiz Carlos Tourinho. 43 anos é muito novo. E eu gostava dele, principalmente por causa desse último papel que ele vinha fazendo, o Nezinho, de Desejo Proibido.

Atrasada, acabei de ficar sabendo de Heath Ledger. E eu ainda nem tinha assistido O Segredo de Brokeback Mountain. Mas já gostava bastante dele. Minha referência era 10 Coisas que Eu Odeio em Você. Ele está um fofo nesse filme. E também está ótimo em O Patriota. Eu realmente gostava dele.

E é por isso que eu fiquei tão empolgada quando soube que ele seria o próximo Coringa em Batman: The Dark Night. Eu adoro o Coringa, já gostava quando o Jack Nicholson o interpretou e eu estava botando muita fé que esse ia (vai) ser ainda melhor. E olha que o Jack Nicholson para mim é uó.

E, juro, não estou falando isso só porque o moço morreu. Acho péssimo isso de transformarem os mortos em mártires, só por terem morrido de repente. Essas eram as minhas impressões a respeito do Heath Ledger antes de saber que ele falaceu, de repente, e com 28 anos. E eu acho tudo isso, sem ter visto o que dizem ter sido seu maior papel.

Eu assumo, não tinha a menor vontade de assistir O Segredo de Brokeback Mauntain. E também assumo que agora que o moço morreu, vou querer assitir. Mas é que antes, eu achava que Heath Ledger ainda faria muitos filmes, que eu poderia ver sua ótima atuação inúmeras vezes, que tudo bem deixar passar esse do cowboy. Agora, a coisa mudou de figura, né.

Apesar de Coração de Cavaleiro. Em que ele tem uma atuação boa, mas o filme é bem bobo.

Saw (Jogos Mortais)

2008-01-20T21:15:00.000-02:00

2004
Suspense, Terror
Direção: James Wan
Roteiro: Leigh Whannell e James Wan

Finalmente resolvi colocar no blog minhas opiniões a respeito desses filmes. Hoje e nos próximos domingos, falarei sobre essa franquia que tantos fâs afobados conseguiu angariar.

Dr. Lawrence Gordon (Cary Elwes) e Adam (Leigh Whannell) são dois desconhecidos que acordam em uma espécie de banheiro, acorrentados e tendo por companhia um defunto. Através de uma fita, os dois virão a descobrir que fazem parte de um jogo, onde o perdedor pagará com a própria vida. Eles são as novas vítimas do serial-killer Jigsaw (Tobin Bell), cujos jogos possuem apenas um sobrevivente, Amanda (Shawnee Smith). Os detetives responsáveis pelo caso , David Tapp (Danny Glover) e Steven Sing (Ken Leung), devem correr contra o tempo para tentar salvar Gordon e Adam.

TGI (trabalho final da faculdade). Projetar? Ah, entre problemas que só quem esteve por perto conhece, resolvi ir sozinha no cinema, no meio da tarde, sem contar para ninguém. Eu sabia que ia levar bronca, mas não resisti. No poster, o filme se julgava melhor q Seven! Claaaro que eu não achava q poderia ser, mas queria conferir quanto pior era. E olha que me surpreendi.

Jogos Mortais foi um filme bom como eu não esperava. O roteiro foi caprichadinho, a história muito boa, a direção idem. A edição possui uma grande quantidade de flashbacks, que nos possibilitam conhecer os personagens do filme conforme eles tentam sair vivos do jogo, ou encontar o assassino. Nunca fui fã de torturas, mas nesse caso tive que dar o braço a torcer, os "jogos" foram muito bem bolados.

Assim, como Seven, Jogos Mortais apostou no final surpreendente, mas, diferente deste, também nos aproximou da execução dos assassinatos. Porém, perfeito o filme não é. Errinhos para lá e para cá. Mas também, como nada é perfeito, não acho que são erros que desvalorizem a qualidade geral do filme. Além disso, é de se adimirar que um filme com tão baixo orçamento (US$1,2 milhão), filmado em apenas 18 dias (!!) conseguisse ficar tão bem acabado e ter atuações tão boas.

Só sei que no fim das contas, Jogos Mortais é um filme bom como poucos.

O Cheiro do Ralo

2008-01-13T21:56:00.003-02:00

2006
Comédia?
Direção: Heitor Dhalia
Roteiro: Marçal Alquino e Heitor Dhalia

Diz Selton Mello que esse filme não é comédia. Por que é que todo mundo ri? Eu também acho que não é comédia, mas por falta de como classificá-lo, resolvi deixar assim. Mas eu sei porque eu ri, foi de desconforto, foi uma risada nervosa. Afinal, o que é aquilo tudo?

Lourenço (Selton Mello) é o dono de uma casa de penhor que possui os mais estranhos clientes. Sua vidinha nada tem de especial, mas Lourenço parece acordar dela com o insuportável cheiro do ralo. Não é ele quem fede, é o ralo do banheiro que está com problema. As pessoas podem se confundir com isso... Com essa preocupação rondando sua cabeça, Lourenço vai a uma lanchonete e se apaixona pela bunda da garçonete (Paula Braun).

Dizer que virei fã do Heitor Dhalia talvez seja pouco. O cara é genial e dá orgulho de saber que ele é brasileiro - imagino o que sentem os pernambucanos. Ele conseguiu fazer um dos melhores filmes brasileiros que eu já assisti. É um diretor que sabe dirigir um filme de maneira inovadora. Cada tomada, cada cena! Ousaria dizer que ele bate no Fernando Meirelles - e o Fernando Meirelles, p*#% que pariu! Mas é realmente ousadia minha dizer isso tendo assistido apenas um filme do Sr. Dhalia. Veremos o que direi depois de ter assistido Nina. Mas sinceramente, ele não perde em nada para Spike Jonze (Quero ser John Malkovich) ou Wes Anderson (Os Excêntricos Tenembaums).

Acho que todos já estão carecas de saber, e duvido que alguém discorde, que Selton Mello faz miséria quando... quando nada, sempre. E ele se encontrou com o cult - vide seus últimos seriados na tv. Na verdade o elenco todo do filme é simplesmente ótimo, inclusive a dona da bunda, Paula Braun. Esta eu não conhecia e realmente é uma atriz excelente - ou assim ela foi, pelo menos nesse filme.

O Cheiro do Ralo é baseado em um livro de Lourenço Mutarelli. Não li o livro, mas o roteiro é ótimo. Ele vai aos poucos nos mostrando que o cheiro do ralo vem, sim, de Lourenço (o protagonista, não o escritor). E quanto mais Lourenço tenta acabar com aquele cheiro, mais podre ele próprio vai ficando. Obcecado pela tal bunda e com a certeza de que o dinheiro compra absolutamente tudo, Lourenço é a personificação do povo brasileiro.

Também edição, cenário, figurino, fotografia, tudo é moldado de forma a fazer o filme ainda mais perturbador e até mesmo claustrofóbico. E aí sou obrigada a voltar ao assunto da classificação do filme. É comédia? Cara, eu ri. Mas que filme estranho! Tudo é esquisito, todos são anormais, as situações beiram o absurdo - erro meu, elas são absurdas - e muitas vezes você fica extremamente desconfortável. E é aí que você ri. Você ri pelo desconforto em ver que aqueles absurdos todos estão, pelo menos um pouquinho, retratando você mesmo. Os diálogos são bizarros, a edição é primorosa e no final tudo o que me restou foi a sensação de que tinha acabado de ver um filme bom demais para mim.

Interessado em entender porque eu acho que esse filme é "esquisito"? Acho que sem assistir o filme é impossível, mas isso aqui dá uma idéia: www.ocheirodoralo.com.br

Shutter (Espíritos, A Morte está ao seu Lado)

2008-01-07T08:27:00.000-02:00

2004
Suspense, Terror
Direção: Banjong Pisanthanakun e Parkpoom Wongpoom
Roteiro: Sopon Sukdapisit, Banjong Pisanthanakun e Parkpoom Wongpoom

Não dá para tampar o sol com a peneira. O cinema oriental está cada vez mais encontrando seu espaço. Espíritos chegou (já faz um tempo, claro) com mais um "bum", um estrondo formado pelo côro de fãs.

O fotógrafo Tun (Ananda Everingham) e sua namorada Jane (Natthaweeranuch Thongmee) notam estranhas aparições em suas fotos e resolvem descobrir do que se tratam. Então, uma história que Tun gostaria de esquecer volta à tona e agora ele deve pagar pelos seus erros.

Apesar de existir uma grande parcela de frequentadores do cinema (não direi cinéfilos porque não são o mesmo) que ainda desconfia do sucesso que os asiáticos vêm fazendo. Parte disso é fruto do preconceito e outra parte do gosto pessoal. Espíritos, sendo um representante desse cinema controverso, não ficou fora dos ataques de sempre: filme japonês (há uma tendência de se chamar todos os filmes orientais de japoneses - mas nesse caso trata-se de um filme tailandês) é tudo igual, fantasminha azul, de olho puxado, cabelo no rosto e querendo se vingar.

Tenho que admitir que realmente, grande parte dos roteiros gira em torno disso, mas as tramas são bem diferentes umas das outras. Em Dark Water o a história se foca no drama da mãe que não quer perder a guarda da filha; A Tale of Two Sisters trata de um drama familiar causado pelo relacionamento complicado entre duas irmãs e sua madrasta; em Ju-On: The Grudge o roteiro é construído de uma maneira tão inovadora que a história acaba ficando em segundo plano de importância cenematográfica... Quanto aos fantasminhas azuis com cabelos no rosto, bem isso já é uma questão puramente cultural. Veja os zumbis americanos, quem é que vai me dizer que eles não são todos iguais?? E quem disse que isso significa falta de criatividade? Como eu disse, é uma questão cultural. Nós só não estamos acostumados com essa representação de fantasmas... ainda.

Em se tratando de Espíritos, todos os elementos acima existem, mas de uma maneira um pouco mais diluída. E talvez por isso o filme tenha sido menos afetado pelo preconceito e pelo gosto pessoal do que outros. E entre os fãs do cinema oriental, ele foi muitíssimo bem recebido. Afinal, falo de um filme muito bom. A direção é precisa, os atores são bons, a história é envolvente - eu gosto bastante de histórias que envolvem fotografias estranhas. A ambientação acinzentada ficou ótima e tem cenas de muito suspense, daquels que funcionam mesmo.

Porém, apesar disso tudo, não consigo tê-lo em tão alta conta assim. Eu, particularmente, não achei brilhante. Não há nada de especial na direção ou no roteiro que o fizesse se sobressair como aconteceu. O que eu acredito é que seu sucesso foi apenas resultado de um bom filme tailandês que conseguiu dosar a mão no seu lado oriental. Pois, mesmo dentre os filmes asiáticos (originais), não o considero melhor do que os supracitados A Tale of Two Sisters, Ju-On: The Grudge, Dark Water, ou até mesmo Ringu.

Além disso, o final é interessante, diferente e até surpreendente. Mas dá margem para o ridículo, o que me incomoda um pouco. Não que eu o tenha achado ridículo, mas eu vi muita gente que achou e consigo facilmente entender o motivo.

De qualquer maneira, Espíritos é um filme altamente recomendado para quem ainda não teve a oportunidade de assistí-lo. Inteligente e envolvente, a não ser aos mais fervorosos anti-ásia, duvido que alguém vá se arrepender de ter assistido.

Selo "Escritores da Liberdade"

2007-12-28T11:30:00.000-02:00

Surpresa (boa)

O Pipoca no Edredom foi indicado para receber o selo "Escritores da Liberdade" pelo Fernando Assad do Novelo Digital. A modéstia que se phoda, fiquei feliz demais. O prêmio foi criado por Batom Cor de Rosa e segue abaixo a descrição que a criadora faz em seu blog:

"Todos temos blogs pelo fato de gostarmos de escrever. Por prazer, profissionalismo, ou qualquer motivo pessoal.
E a maioria gosta de escrever para liberar algum sentimento profundo, seja ele bom ou ruim. Escreve para se encontrar, para analisar a situação depois de algum tempo, ou naquela mesma hora, e também por essa paixão de pôr tudo no 'papel'.
E estou chamando esses blogueiros de Escritores da própria liberdade.
Escritores sim, mesmo que amadores, que escrevem suas emoções, que não guardam tudo para sí. Que compartilham tudo com pessoas muitas vezes estranhas(entre as conhecidas)... Escritores que admiro muito, por vários motivos, que se destacam de um jeito único, para cada uma das pessoas que os conhecem.
Blogueiros que publicam a sua liberdade de expressão.
Estou passando esse selo para 5 blogs que leio muito, que gosto muito.
E isso não significa que eu desconsidere os outros.
Vocês conhecem o 'sistema'. Passe adiante para outros 5 blogs amigos, copiem esse texto se quiserem, parabéns, escritores da Liberdade! =) "

Mesmo não sendo um prêmio daqueles que diversas pessoas votam antes de a gente ganhar, pois nesse caso basta um só, me senti honrada por ser lembrada por alguém (que foi lembrado duas vezes, diga-se de passagem). Valeu, Fernando!

E não se esqueçam que eu voto em 5 porque não posso votar em mais. Aqueles alí do ladinho são blogs que eu recomendo, tanto em assuntos cinematográficos, como outros tantos diversos.

Bom, meus indicados:

- Adoro Cinema
- Cinefagia
- Eco Social
- Hunny Bunny
- Registro Dissonante

E aproveito para dizer a todos que espero que tenham tido um ótimo Natal e que tenham uma passagem de ano ainda melhor.

Beijos!

Zodiac (Zodíaco)

2007-12-21T13:46:00.002-02:00

2007
Suspense
Direção: David Fincher
Roteiro: James Vanderbilt

Mais uma obra de destaque sob direção de David Fincher. Não dá pra negar mesmo, o cara é um diretor e tanto.

Uma série de assassinatos chocam os americanos da bahia de São Francisco. A tentativa de descobrir quem é o Zodíaco, apelido dado ao serial-killer, acaba mudando a vida do inspetor David Toschi (Mark Ruffalo) e dos jornalistas Paul Avery (Robert Downey Jr.) e Robert Graysmith (Jake Gyllenhaal).

Todos aqui já devem saber, mas vivo numa constante disputa entre os clássicos e os atuais e, assumo, muitas vezes os mais antigos acabam me seduzindo. Aí, dá no que dá e eu fico tempos sem saber o que rola no mundo dos vivos. Ok, há vezes que a desgraça é tanta que nem do mundo dos mortos eu não sei mais...

Porém, me rendi a esse título, me rendi ao nome sedutor que vem na direção, me rendi pelos atores. Assisti Zodíaco em uma noite chuvosa de inverno, ao lado do meu maridinho – tinha tudo pronto para cairmos de sono na primeira hora de filme, mas nós dois permanecemos atentos durante a sua longuíssima duração todinha. Repito: Fincher é muito bom!

Sobre a direção, acho difícil comentar. David Fincher é bom demais. Um filme como esse, baseado em fatos reais, cujo final é super aberto só nos pode dar duas opções: ou apela totalmente para a ficção e inventa um monte de coisa para a trama principal da história, ou tenta ser o mais realista possível. Ambas as saídas são perigosas e complicadas, porém a segunda é ainda mais arriscada. David Fincher escolheu essa segunda opção e conseguiu fazer um filmaço de primeira. O enfoque que ele dá na vida dos três homens que se seduzem por tentar descobrir quem é o Zodíaco foi uma sacada de gênio. Com isso, ele aproxima ainda mais a história do espectador, e o modo como ele conta a história, faz com que esse espectador também acabe se seduzindo pelo mesmo motivo. E claro, por tudo isso, temos que parabenizar também o roteirista.

Apesar da longa duração, a história consegue ser envolvente o bastante para que a atenção não seja perdida. Porém, admito que no finalzinho eu já estava um pouco esgotada. E falando no finalzinho, tem algo nele que me incomoda um pouco, mas não consigo precisar o que. Talvez seja o fato de ter terminado com tantas "letrinhas", mas quanto mais eu penso nisso, mais eu acho que se mudasse alguma coisa estragaria tudo. É, eu não faço muito sentido mesmo...

Como disse, um dos motivos de eu ter ficado com tanta vontade de ver o filme foi os atores principais. Jake Gyllenhaal eu me envergonho em dizer que não conhecia - é, nunca assisti Donnie Darko nem Brokeback Mountain - e me impressionei com o rapaz, ele é bom mesmo. Já Robert Downey Jr., eu sou apaixonada por ele desde que assisti Chaplin, a vida pessoal dele pode ser bem complicada, mas que ele trabalha bem, isso ele trabalha. E minha mais nova paixão, Mark Ruffalo... cada vez que assisto um filme com ele, fica mais comprovado que ele é muito f@%*#! Ele faz qualquer papel e se transforma (ai, como prezo esses camaleões), mas nesse filme ele tá muito bem, muuuito diferente.

No fim das contas, eu só sei que em meio a esses atores, à essa direção, roteiro, fotografia, edição e trilha sonora, temos um provável ganhador de muitos prêmios.